Отправлено: 01.12.07 16:01. Заголовок: Прогрессив-рок на iFolder и местами на Rapidshare
Всем приятного времени суток. Начиная с сегодняшнего дня приступаю к заливке наиболее интересных прогрессив/артовых альбомов из своей CD-коллекции. Итак, первый номер нашей программы - великолепные голландцы Lady Lake с дебютным альбомом "No Pictures" (1977). Lady Lake - No Pictures (1977)
Рецензия на диск: Вначале были Session – молодая блюзовая команда из голландского городка Девентер. На ее основе в 1973 и образовалась формация Lady Lake (название, кстати, позаимствовано с одноименного альбома шотландских арт-рокеров Gnidrolog). Несколько лет кряду ребята оттачивали мастерство на площадках родного города, изредка выбирались на различные музыкальные фестивали, преимущественно джазового толка (ориентирами на тот момент им служили ансамбли направления “Canterbury”, в первую очередь Soft Machine и Caravan). И наконец в октябре 1977 в студии Platent был записан первенец Lady Lake, долгие десятилетия остававшийся их единственной увековеченной работой. “No Pictures” – в высшей степени привлекательный образец довольно мягкого, почти всецело инструментального (исключение – два трека из восьми) симфонического прогрессива. Главной отличительной чертой музыки группы было (и остается по сию пору) ярко выраженное мелодическое начало. Однако это не легковесность на грани заигрывания с популярными жанрами, присущая, скажем другим голландцам – Kayak. Lady Lake умудрялись звучать негрузно, но в то же время свежо и энергично. Движущая сила команды – гитарист Фред Розенкамп в равной мере использовал возможности электрического саунда и классической камерной акустики. Гармоническое взаимодействие его инструмента с клавишными Линдерта Корстанье сродни той невесомой алхимии, которой достигали предшественники – Энди Лэтимер и Пит Барденс в рамках лучших релизов Camel. В общем, для любителей комплексного, тщательно сбалансированного мелодического арт-рока “No Pictures” может оказаться прекрасной находкой. Шесть дополнительных номеров – вещи, сочиненные в период 1979—82, но записанные лишь в 1997. Годы определенно пошли составу на пользу. В техническом отношении Розенкамп и К° выросли в настоящих виртуозов, представив публике прогрессивный симфо-фьюжн с крайне разнообразной, изысканно-рафинированной игрой каждого из участников. Редкостный случай, когда бонусы не уступают основному содержимому диска. Поклонникам жанра – на заметку.
Если у кого-то из любителей арт-рока имеются конкретные предпочтения, то по нижеуказанной ссылке Вы можете ознакомиться с моим аудиокаталогом и в данном разделе озвучить свои пожелания.
Рецензия на диск: Странное название альбома инспирировано голландским психоделическим радио-шоу Superclean Dreammachine. Этим, да, пожалуй, иллюстрациями в буклете, неуловимо напоминающими оформление флойдовского “Wish You Were Here”, отношение данного релиза к кислотной субкультуре исчерпывается. Остальное – 55 минут удовольствия, гарантированного почитателям инструментального прогрессива. Зрелый, звучащий в традициях семидесятых материал, в котором переплелось многое: влияние джаза с его «рассыпчатой» перкуссией, симфо-проговые проходы на фоне органа и меллотрона, полу-акустический фьюжн и напористый гитарный хард-рок. В хитроумной структуре композиций отыщется место и драйвовым запилам по рецепту соплеменников Finch (“Do Dah Damage”), и лиричным балладам с блюзовым чувством, растворенным в арт-роковой палитре (“Wet Sounds”, “No One Will Ever Know (Fare Thee Well)”, “Radio Reminiscence”), и просто забойным энергетическим номерам с последующим вылетом в полный астрал (“Ford Theatre”). Спустя почти тридцать лет после выхода дебютного “No Pictures” (1977) Lady Lake демонстрируют: они вновь на коне. А ностальгический саунд отнюдь не повод для обвинения в старомодности. Их музыка по-прежнему бодра, позитивна, волшебна, мечтательна и даст фору большинству представителей современного прога. Спасибо за праздник, ребята. Ждем продолжения.
Отправлено: 01.12.07 19:51. Заголовок: Хэккета на сцену, пожалуйста!
И Jethro Tull хотелось бы, A Classic Case, - раньше не слыхал про этот альбом, может, что-то стОящее? Про Devils Doll я слыхивал, очень интересно познакомиться поближе.
Отправлено: 01.12.07 20:32. Заголовок: Приму к сведению. Чт..
Приму к сведению. Что касается Classic Case - это оркестровые вариации на известные композиции Tull, исполненные Лондонским симфоническим оркестром под управлением Дэвида Палмера. В общем, задел на будущее ясен. А пока очередная ссылка - команда Quantum с одноименным инструментальным альбомом 1983-го года.
Описание: Крайне редкостный и весьма удачный образчик инструментального арт-рока из страны, "где много-много диких обезьян". Бразильский квинтет Quantum записал одноименную пластинку в 1983 году. Музыка, представленная на ней, исполнена в мягкой и лиричной манере в духе британских классиков жанра - легендарных Camel. Истинное наслаждение для тех, кто понимает.
Первый сольный альбом гитариста легендарных Genesis стал лучшим в его обширной дискографии. Перед нами настоящая звуковая алхимия, в идейном отношении основанная на символике карт Таро, а в музыкальном - на сочетании игровых драйвовых номеров с щемящими сердце элегиями. Подлинной жемчужиной диска можно считать двухчастную тончайшую зарисовку "Hands of the Priestess". А замыкает пластинку истинный шедевр - эпическая композиция "Shadow of the Hierophant" с чарующим, практически оперным вокалом Салли Олдфилд.
Рецензия: “Spirits of Europa” – срединная часть трилогии, представляющей собою музыкальное путешествие во времени и пространстве. Десять инструментальных пьес, написанных Бьорном Джейсоном Линдом, иллюстрируют деятельность таких выдающихся личностей, как Бенвенуто Челлини, Сальвадор Дали, Жанна Д’Арк, Леонардо да Винчи, Фредерик Шопен, Вацлав Нижинский и др. Фактурность звуковых образов помимо Линда воссоздает и другой воспитанник Стокгольмской Королевской Академии музыки – пианист Стеффан Шейа. Фортепиано, синтезаторы, флейта. Большего им не надо. При всей лаконичности выразительных средств, рожденные шведским дуэтом симфонические миниатюры тонки, многомерны и по-настоящему красивы. Слияние мечты и гармонии. За каждым названием маленькая вселенная духа. Исполнительские таланты классиков жанра позволяют нам заглянуть в святая святых художника – его мастерскую. Здесь почти воочию можно понаблюдать, как из бесформенной глыбы мрамора является миру шедевр скульптуры (“Prelude Op. II”), ощутить яростный вихрь безумной страсти тонкоусого испанского гения сюрреализма (“Habanera”), раствориться в сладостной неге танцевальной пантомимы от мастера иллюзий (“Jeux”) или проникнуть в суть замысла величайшего человека Эпохи Возрождения, чей код на глазах всего мира попытался расшифровать несносный выскочка Дэн Браун (“Arrival of the Glider”). …Чудо визионерства идет на убыль. И хочется сердечно поблагодарить маленький оркестр Линда и Шейа за почти мистическое совершенство даримых ими созвучий.
Рецензия: “Don’t trust him when he turns his back”… Начало бескомпромиссной сюиты длиною в 66 мин. 06 секунд (с 26-минутной паузой, предваряющей коду, – так задумано), инспирированной английским оккультным сериалом “The Prisoner”. В центре внимания прелестный шутник Мистер Доктор и свита аккомпаниаторов. Для затравки немного арфы. Красиво? О да. Но не расслабляйтесь, не притупляйте бдительность. Зловещие чеканно-трафаретные марши уже на подходе. А теперь, мадам и мсье, поприветствуем его величество Голос. Ехидная улыбка во чреве тьмы. В гипнотической хрипотце таятся всевЕдение и всевИдение. Этот многоликий Некто страшен и привлекателен: застарелый брюзжащий демон, «чертик» из пыльной коробки, обуянная паническим ужасом женщина, плаксивое дитя… и кажется, разнообразию ипостасей несть конца. Devil Doll по-своему одиозны. Театр жанровой непредсказуемости. Пойди-разберись, кто они на самом деле: готические клоуны? симфо-металлеры? арт-рокеры? хохмачи из филармонии? Всего понемногу. Залог успеха? Это же очевидно. Абсолютно беспроигрышный вариант: интрига—мистификация—провокация. И не забудьте драматургический подтекст. Все роли четко распределены, в режиссуре ощущается умелая рука мастера. Кукловод дергает ниточки, и оркестр играет… Неизменное отсутствие цвета, черно-белая тональность. Музыка с чертами гравюры. Еще не шедевр, но уж совершенно точно выше на пару голов обычно-средних релизов. Леди и джентльмены, терапевтический кабинет доктора Калигари к вашим услугам!
N.B. Пресловутую 20-минутную паузу я урезал до минуты, дабы не смущать слушателя. Надеюсь, так оно будет удобней для всех.
Описание: К 1980-му году (моменту записи "Coexistence") Патрик Морац уже имел за плечами опыт работы с различными коллективами(включая эпохальных YES), контракт с THE MOODY BLUES и репутацию одного из лучших органистов в мире рок-музыки. Согласитесь, при таком раскладе можно позволить себе отдохнуть душой и сотворить альбом-другой в собственное удовольствие. Именно так Патрик и сделал. Объединившись с артистом, выступающим под псевдонимом Syrinx - мастером игры на флейте Пана, подключив к процессу полноценный состав в лице гитариста Джона Вулоффа, ударника Ричи Моралеса и бразильских перкуссионистов Джалмы Корриа и Эрика Альбиеза, Морац записал совершенно чудесный инструментальный диск, под завязку наполненный очаровательными мелодиями, в которых переплелись традиции европейского симфонизма, залихватского игрового арт-рока и элементов самбы (а может и румбы). Рекомендую.
Отправлено: 07.12.07 11:50. Заголовок: Попробую на Рапиде, ..
Попробую на Рапиде, Медиафайре или Бадонго, только сперва надо зарегистрироваться хотя бы на одном из них. Что касается Ван дер Линдена с Замфиром - были когда-то на MP3-шном диске. Поищу.
Описание: Голландское инструментальное трио, состоящее из участников Flamborough Head и Odyssice, в отличие от своих основных коллективов, собралось ради проекта, призванного отдать должное (только не удивляйтесь!) меллотрону, как чуть ли не основному аналоговому синтезатору мирового прогрессив-рока в целом. Собственно, название команды и расшифровывается как Trio + Tron (читай, меллотрон). В буклете несколько строк занимает перечисление групп, оказавших влияние на звучание голландцев. Думаю, воспроизводить их необходимости нет, ибо там сплошь и рядом всем известные гранды прогрессив-сцены 1970-х. Представленный материал звучит довольно лирично. Жестких моментов нет. Саунд, понятное дело, ретрообразный. Наряду с «троном» используется «хаммонд». Гитарист прекрасно владеет как электрической, так и акустическими видами гитар. По манере напоминает то Хэккетта, то Гилмора, то Лэтимера. Замечательная, воздействующая на воображение музыка, классные инструменталисты, атмосфера какого-то вдохновенного счастья. Что еще нужно душе арт-рокера?
Рецензия: Будь я главой клуба музыкально-исторической реконструкции, непременно отметил бы этих испанских ребят дипломом за умелое воссоздание атмосферы 1970-х. В творчестве арт-рокового коллектива из Андалузии тесным образом сплелись воедино две традиции: симфо-проговая и Кентерберийская. Записывавшийся на протяжении 1990—93 альбом включает девять инструментальных композиций. Из наиболее ярких вещей отмечу игровую 10-минутную “Contracorriente”/“Countercurrent”, своим настроением отсылающую к дебютной пластинке Camel (гитара во второй части трека звучит совершенно по-лэтимеровски); мистическую “Vuelo Nocturno”/“Night Flight” и следующую за ней мелодичную “Viento de Levante”/“Rising Wind”, где к общему действию уместно подключается гитарный синтезатор; “Con-tacto”/“In-touch” с прочувствованным блюзовым соло на фоне джаз-роковой ритм-секции. В заглавной эпической “Tras el Puente”/“Behind the Bridge” с ее протяженным интро а-ля Asia Minor улавливается неистребимый fantasy-аромат, а 7-минутная “Oasis” опаляет горячим дыханием восточной пустыни... Не шедевр, но весьма любопытная и красивая в музыкальном отношении работа, достойная вдумчивого прослушивания.
Отправлено: 04.12.07 12:32. Заголовок: Сергей начал знакомиться с твоим обширным каталогом _
и обращаюсь к тебе с просьбом залить следующие очень интересные для меня альбомы: Happy The Man 1979 "Third. Better Late…" Sven Grunberg 1981 "Breath" и 1988 "OM" Focus 2006 "Focus 9 / New Skin" На самом деле это только верхушка айсберга - просто не хочу нахальничать До сих пор не могу поверить своему счастью - на Форуме появилась проговая тема, да ещё на ифолдере
Отправлено: 04.12.07 18:50. Заголовок: Все пожелания обязат..
Все пожелания обязательно приму к сведению. Начну, пожалуй, с Фокуса, ибо он, что называется, под рукой. Так что следите за веткой, в ближайшее время все будет.
Описание: Откровенно говоря, от предыдущего творения – “Focus 8” (2002) – особых восторгов не испытал. Приятен был сам факт возвращения легенды голландского прога, однако новому качеству группы чего-то явственно не хватало. И лишь по выходе девятого номерного альбома стало ясно, чего именно: искристого озорного духа старых добрых Focus. Мастермайнду коллектива Тийсу ван Лиру удалось практически невозможное. Сменив состав музыкантов (за исключением бас-гитариста Бобби Джейкобса), он сумел возродить оригинальный саунд ансамбля. Полновесный симфонический инструментальный арт-рок, которым так славились Focus 1970-х, зазвучал неожиданно свежо, сильно и убедительно. Снова в строю ветеран-ударник Пьер ван дер Линден. И особо хочется отметить потрясающего гитариста Нильса ван дер Стинховена – достойную замену виртуозному Яну Аккерману. Почти все композиции принадлежат перу ван Лира, вторично ухватившего птицу счастья за крыло вдохновения. Такие номера, как “Black Beauty”, “Focus 7”, “Hurkey Turkey 2”, “Focus 9”, – прекрасные образцы жанра, доказывающие: пороха в пороховницах у Тийса хоть отбавляй. В этом блестящем коктейле привкус фламандского средневековья чередуется с моментами забойного хард-н-арта и отголосками джаз-рока, а берущая за душу рапсодия запросто сменяется ироничной издевкой над «Турецким маршем» дядюшки Моцарта. Неплохо зарекомендовала себя парочка Джейкобс—ван дер Стинховен. В “Sylvia’s Stepson—Ubatuba” и “Aya-Yuppie-Hippie-Yee” Бобби продемонстрировал тонкое авторское мышление, проникновение в самую суть ортодоксальной стилистики Focus. Что касается Нильса, в сочиненной им “Niels’ Skin” четко уловимы пристрастия гитариста: хард-фьюжн помноженный на мелодичный прогрессив. Впрочем, означенные вещи нисколько не выбиваются из общего русла воистину шикарного диска, воплощенного фантазерами и пересмешниками с грустинками в глазах.
Прежде, чем начать рассказ об одной из самых уникальных и замечательных групп 90-х годов, необходимо сказать несколько вступительных слов.
Во-первых, мы не можем опубликовать ни одной фотографии виновника этого материала, загадочного человека, скрывающегося под псевдонимом Mr. Doctor. Увы, никто (за исключением звукорежиссера Jurij Toni) не видел его лица (это в равной степени относится и к самим музыкантам Devil Doll, поскольку на концертах лицо Mr. Doctor'a закрывал капюшон плаща!).
Во-вторых, попытаемся описать стилистику музыки Mr. Doctor'а, дабы хотя бы приблизительно можно было бы себе представить широту творческого спектра музыки Devil Doll. Основу творчества группы в равной степени составляют готика, классическая музыка (в том числе оперная) и рок-прогрессив. В зависимости от альбома дозировка того или иного, разумеется, сильно варьирует, но при этом каждый из пяти дисков может служить мгновенно узнаваемой визитной карточкой коллектива.
М-р Доктор очень серьезно подходит не только к собственной музыке, но и к оформлению альбомов. Компакт-диски Devil Doll оформлены как самые настоящие произведения искусства: буклеты CD выполнены на качественной глянцевой бумаге и содержат не только тексты песен, написанные рукой м-ра Доктора, но и совершенно потрясающие черно-белые фотографии, кадры из старых фильмов ужасов. При этом вы нигде не увидите фотографии самих музыкантов. Лишь на задней обложке альбома «Eliogabalus» изображены несколько шутов с полностью загримированными лицами: подпись объясняет, что это и есть Devil Doll.
А история этой уникальной югославской группы началась еще в 1987 году, когда лидер, вокалист и композитор, мр. Доктор, по одному ему понятным причинам (а может быть, он был настолько дальновиден, чтобы предвидеть, что в ближайшее время тень войны нависнет над Югославией) создал два ее филиала: один в Любляне (Югославия), а другой в Венеции (Италия).
Произошло это в самом начале лета 1987 года. За последующие июль и декабрь мр. Доктор написал и обкатал на концертах длинную композицию, имевшую название "THE MARK OF THE BEAST". Пройдет еще немного времени, и Devil Doll засядут в Tivoli Studios, находящуюся в Любляне, что бы записать эту вещь. Звукорежиссером стал молодой Юрий Тони (Jurij Toni), чья работа с Laibach зарекомендовала его с самой лучшей стороны. Юрий был настолько потрясен тем, что делает мр. Доктор, что сразу же согласился на предлагаемый пост, и стал бессменным "звукачем" группы на последующие десять лет.
В феврале 1988 года единственная пластинка (LP) «THE MARK OF THE BEAST», к слову, полностью оформленная Мр-ром Доктором, была отпечатана, чтобы так и остаться не переизданной хоть сколь бы то ни было большим тиражом.
В марте Devil Doll занялись новым студийным проектом, носящим название «THE GIRL WHO WAS... DEATH». Название было инспирировано эзотерическим британским телевизионным сериалом "The Prisoner". В сентябре люблянская половина музыкантов Devil Doll снова оказалась в Tivoli Studios, что бы начать запись этого, уже полноценного альбома. Разумеется, венецианская половина группы также не осталась в стороне, хотя на ее долю и не пришлась основная часть работы. А в ноябре фэн-клуб Devil Doll организовал лейбл Hurdy Gurdy: именно на нем и выйдут все релизы коллектива. Название компании, равно как и ее логотип, были выбраны лично м-ром Доктором.
В марте 1989 года было напечатано 500 копий LP «THE GIRL WHO WAS... DEATH» . 150 из этих пластинок удалось распространить на концерте. Внутреннее оформление обложки каждого винила было индивидуальным, лично написанным м-ром Доктором, причем иногда при оформлении в ход шла и его кровь! Те же 350 винилов, которые не нашли своих хозяев, мр. Доктор уничтожил собственноручно. Этот альбом будет переиздан на CD только через несколько лет. Еще один печальный исторический факт: лишь выжившие 150 копий LP содержали "интро" - интерпретацию основной темы к фильму "The Prisoner", а так же специальный оркестровый финал пластинки.
Альбом состоит из единственной одноименной композиции и коды: разрыв между ней и композицией составляет 26 минут. Разумеется, такая гигантская пауза выдержана не просто так: если сложить длительность "The girl who was… death", пустоты (паузы) и коды, общая длительность диска получается 66 минут и 6 секунд. Некоторые считают этот альбом самым слабым в дискографии Devil Doll. Однако, мы позволим себе не согласиться с ними: «The Girl Who was… Death» – это потрясающе красивая и продуманная работа, дышащая свежестью и оригинальностью.
Летом того же года появился новый материал, который с успехом обыгрывался на концертах, и носивший рабочее название "THE BLACK HOLES OF THE MIND". Длилась концертная версия этой композиции целых 45 минут. А осенью музыканты стали исполнять на концертах и еще одну новую вещь, названную «ELIOGABALUS». В декабре Devil Doll засели в Tivoli Studios и приступили к записи нового альбома. По ходу работы в студии вещь "THE BLACK HOLES OF THE MIND" оказалась переименованной в "MR. DOCTOR" и была включена на одну пластинку вместе с заглавной композицией "ELIOGABALUS". Для записи последней была задействована исключительно венецианская половина группы.
В мае 50 первых экземпляров LP альбома «ELIOGABALUS» увидели свет. Каждая из пластинок содержали пожелания, написанные самим мр-ром Доктором. В июле фэн-клуб издал новый тираж LP этого альбома, на этот раз тиражом 900 экземпляров, имевшим, правда, несколько измененное оформление. А в сентябре альбом наконец-то был издан и на CD. Однако пробный тираж компакт-диска снова был мизерным: все те же 900 копий.
С июня по ноябрь 1991 перед фэнами Devil Doll исполнили выдержки из следующего альбома, названного «SACRILEGIUM». В это же время Мр. Доктор соединил обе части группы в одну. Вот кто вошел в объединенный состав: Саша Оленьик (Sasha Olenjuk, скрипка), Бор Зульян (Bor Zuljan, гитара), Давор Кларик (Davor Klaric, клавишные), Роберто Дани (Roberto Dani, клавишные) и Франческо Канта (Francesco Canta, пианино). В декабре группа уже приступила к записи диска «SACRILEGIUM». Следует отметить, что к концу 1991 года число членов фэн-клуба группы насчитывало уже более тысячи человек из 17 стран.
В мае 1992 года «SACRILEGIUM» был издан на CD. Фэн-клуб так же издал 900 экземпляров LP, содержащих оформление, специально выполненное Mr. Doctor и Адрианой Марак для этого тиража и отличающееся от массового.
«SACRILEGIUM», как и альбом «THE GIRL WHO WAS… DEATH», состоит из единственной длинной композиции, посвященной жизни души после смерти физической оболочки. И на этом диске есть потрясающая воображения кода: легко представить себе священника, читающего молитву, а потом режущие слух звуки кладбищенской земли, которой закидывают гроб…
Думаем, читателю будет интересно узнать и тот факт, что с июня по декабрь Mr. Doctor работал над собственным фильмом «THE SACRILEGE OF FATAL ARMS». Первые демонстрации этого художественного произведения состоялись в Любляне, в новогодний сочельник, перед маленькой избранной аудиторией. Саундтрэк к этому фильму, написанный, разумеется, мр-ром Доктором и длящийся более 70 минут, лимитированный тиражом в 900 экземпляров был распродан в 72 часа. Проанонсированный вариант двойного LP этого саундтрэка так никогда и не был издан. А вот CD версия, к счастью, снова была переиздана в 96 году.
Саундтрэк к фильму представляет собой изрядно переработанный материал диска «SACRILEGIUM». Длительность «THE SACRILEGE OF FATAL ARMS» значительно превышает таковую у «SACRILEGIUM», аранжировки выполнены с большим размахом и фантазией, добавлено много звуковых эффектов. Совершенно очевидно, что это чуть ли не лучший релиз группы.
В марте 1993 года ударник Роберто Дани покинул группу, а на его место был принят один из самых талантливых словенских музыкантов, Роман Ратей (Roman Ratej). В мае фэн-клуб переиздал альбом «THE GIRL WHO WAS.... DEATH» на виниле тиражом в 500 экземпляров, но, увы, этот тираж уже не содержал "интро" и финал, о которых мы уже рассказали выше. Однако, 120 экземпляров первого, лимитированного, тиража CD's (вышедшего в декабре 93г.), включали в себя эти фрагменты.
Скоро группа снова отправилась в Tivoli Studios для записи нового альбома «DIES IRAE». Во время микширования материала в студии вспыхнул пожар: мр-р Доктор и Юрий Тони успели покинуть помещение, но звукорежиссер попал на несколько дней в больницу. Стоит ли говорить, что в огне погибла вся студийная работа. Полиция так и не смогла объяснить причину этого пожара.
Это событие нанесло сильнейший удар по мр-ру Доктору: он и слышать не хотел о перезаписи материала. Слишком много сил и средств было потрачено на эту запись. Все, что осталось от первой версии «DIES IRAE», - это лимитированный тираж демо-записи на аудиокассетах, выпущенный вместе с партитурами к альбому. Впрочем, тираж этот составляет всего 20 экземпляров.
Долгое время о записи нового альбома не шло и речи. Однако в сентябре 1994 года мр-р Доктор решился все же переписать «DIES IRAE», и уже в январе 1995 года работа над новым-старым альбомом (к тому времени названным "проклятым") началась. Состав музыкантов на этот раз был таков: Франческо Канта (пианино), Саша Оленьик (скрипка), Роман Ратей (Roman Ratey, ударные), Бор Зульян (гитара), Давор Кларик (клавишные) и Ян Хаче (Jan Hace, бас). Церковный орган, звучащий на диске, был записан Майклом Фантини (Michel Fantini Jesurum) в Monte Berico Basilica, находящейся рядом с Венецией. Кроме того, в записи принял участие Словенский Филармонический Оркестр и хорватская оперная певица (сопрано) Норина Радован (Norina Radovan), с которой мр-р Доктор и спел дуэтом. Как бы то ни было, но конечным результатом работы мр-р Доктор остался недоволен. Он написал новое гитарное соло для Бора Зульяна и попросил Норину Радован перезаписать отдельные вокальные партии.
В октябре-декабре мр. Доктор работал над «THE DAY OF WRATH», саундтрэком к своему следующему экспериментальному фильму. В январе 1996 года работа над альбомом «DIES IRAE» была завершена. Кроме CD-версии, фэн-клуб напечатал и 350 экземпляров LP (весом 180 грамм). А в марте закончилась работа над фильмом «THE DAY OF WRATH», премьера которого состоялась 22 числа. К сожалению, саунтдтрэк к этому фильму так до сих пор и не выпущен на CD, хотя его выход и был проанонсирован на осень 1997 года.
"DIES IRAE", безусловно, является самой помпезной и претензионной работой группы. Мощный и красивый вокал Норины Радован, участие филармонического оркестра, продуманность партий всех инструментов и изумительная работа каждого музыканта в отдельности - все это позволяет назвать «DIES IRAE» одним из самых сильных альбомов Devil Doll, наравне с «THE SACRILEGE OF FATAL ARMS» (если вообще не самым сильным). Именно с него и мы рекомендуем начинать знакомство с творчеством коллектива.
Вот, пожалуй, и все, что мы можем рассказать об истории этой уникальной югославской группы и ее гениальном лидере Мр-ре Докторе. Существует информация, что в настоящее время имеется уже несколько новых работ Devil Doll, однако, ничего о дате их издании на компакт-дисках неизвестно. Впрочем, и те альбомы, которые изданы, очень тяжело найти на CD. Их можно отыскать всего в нескольких интернет-магазинах, у крупных дистрибьюторов прогрессивной музыки (например, Musea) и, конечно, в фэн-клубе группы. В Европе CD Devil Doll издает Hurdy Gurdy, а в США группа выпускается на Renaissance Records.
Дискография:
"The girl who was... death!" (1989) "Eliogabalus" (1990) "Sacrilegium" (1992) "The Sacrilege of fatal arms" (1993) "Dies Irae" (1996)
"Несмотря на жестокие трудности с финансами из-за отсутствия каких бы то ни было контрактов и внутренних разногласий из-за всего, от обложки диска до будущего направления музыки, музыканты находят в себе силы записать в феврале 1979 года демо-кассету нового альбома. Группа-то была на подъеме, музыку хотелось писать и писать, но... совершенно никто не заинтересовался в издании их нового материала. Надо учитывать еще и время - конец 70-х. Поэтому, когда Киту Уоткинсу пришло приглашение поучаствовать в записи нового альбома группы Camel "I Can See Your House From Here" и последующем мировом турне, он моментально согласился. Таким образом, в мае 1979 года можно зафиксировать смерть группы от внутреннего распада и катастрофического дефицита финансов. Ну, все не так трагично, конечно же, как может показаться. История группы не закончилась на этом. Четыре года спустя Кит Уоткинс выпускает на своем собственном лейбле AZIMUTH альбом по мотивам тех невостребованных демо-записей, под названием "Better Late:". Кроме того, Eye Of The Storm оттуда была выпущена на альбоме Camel "I Can See Your House From Here", а "While Crome Yellow Shine" и "Labyrinth" на сольном альбоме Уоткинса, который (Уоткинс, а не альбом) не очень долго продержался в Camel (только до 1982 года). После ухода оттуда он занялся сольным творчеством, близким нью-эйджу, а также сотрудничал с Коко Русселем, записав с ним парочку альбомов. Стенли Уайтекер организовал группу Vision со старыми знакомыми по Happy The Man - клавишником Дэвидом Бахом и басистом Риком Кеннелом. В этот раз они пошли более коммерческим путем и к тому же решили играть каверы. В 1985 году Бах и Уайтекер основали еще один коллектив One By One, который в 1993 превратилась в Avalon. В 1994-м Уайтекер перебирается на Тихоокеанское Побережье и играет в местной прог-группе Ten Jinn и даже выступает с ними на Baja Prog в 1998 году. Кроме того, в 1996 году он собрал трио Spirit Noise. Кеннел же, после распада Vision, превратился в менеджера развлекательной индустрии. Но именно от него шла инициатива первой попытки воссоединения Happy The Man в 1994 году, которая, правда, ни к чему не привела. Тогда он решил сколотить супер-трио с виртуозом Джорданом Рудессом и Роном Риддлем. Френк Вайатт переехал в Нью-Йорк и занимался постановкой "Death`s Crown". Но это продолжалось недолго, и вскоре он завязал. После он занимался очень многим и ничем особенно долго. Разве что все время что-то писал. В основном, в стол, что, как вскоре, оказалось совершенно напрасно - его обокрали и все было утеряно. Майк Бек и Клифф Фортни объединились в начале 80-х в группе The Dr. Bob Band, ну а про Рона Риддля уже упоминалось - он стал барабанщиком Blue Oysters Cult" - Алексей "Smarty" Петухов (progmusic.ru).
Отправлено: 05.12.07 12:33. Заголовок: Серёжа огромное спасибо!!! Сегодняшние выкладки просто супер! +
Кстати я планировал чуть попозже попросить тебя выложить Devil Doll - у меня был только «THE GIRL WHO WAS... DEATH», а ты уже сам опередил события :) Правда мне Фокус-8 нравится, но это дело личной гигиены каждого Уже качаю, скоро прослушаю и жду с нетерпением следующих релизов
Описание: Талантливые одиночки в прогрессивном роке не редкость. Есть, правда, одно «но». Энное количество одаренных мультиинструменталистов зачастую слабовато главным – композиционным мышлением. Willowglass – счастливое исключение. Англичанин Эндрю Маршалл, замутивший этот проект, прекрасно управляется с многочисленными звуковыми изысками, не забывая о мелодике. Песенным творчеством здесь не пахнет, балом правит инструментальная сторона, собственно музыка. Налет семидесятых сквозит в бархатных меллотроновых переливах, тембрах клавишных, недурственной точной манере игры на электро- и акустической гитарах, возвышенных соло флейты, ритмике ударных… Флером романтизма овеяны такие вещи как “Remembering” и “Garden”, прекрасна классическая реприза “Interlude No.1”, яркими образными красками наполнена “Tower Of The King’s Daughter” с массой замечательных интонационных находок, да и остальные треки на диво удачны. Элементом неожиданности в общем ряду становится “Waking the Angels”, мотивационные ходы которой пересекаются с “Stardust We Are” шведов The Flower Kings. Что до источников вдохновения, тут без интриг: Camel, Genesis и, быть может, Gryphon времен “Rain Dance”. Если проводить аналогии с современными коллективами, ближайшим собратом по цеху для Willowglass окажутся голландцы Trion, гнущие схожую линию. В общем, чистейшей прелести чистейший образец. Ценителям светлых арт-роковых пасторалей – на заметку.
Отправлено: 06.12.07 13:23. Заголовок: Сергей спасибо ещё раз за замечательные выкладки +
и за очень интересные рецензии. Честно, просто приятно что столько информации. Я сам издавал журналы, знаю много хороших рок-журналистов, но ребята часто увлекаются этим жанром миниатюры, пытаются соригинальничать... ...и порой просто даже не поймёшь о каком жанре и стиле идёт речь, и это в лучшем случае. Очень классной начало - классной темы. Так держать!
Грюнберг Свен Харалдович (р. 1956) - эстонский композитор/исполнитель. Воспитанник Таллиннской музыкальной школы, в стенах которой организовал ансамбль "Месса" (Mess), работавший в редкой для отечественных коллективов полноценной арт-роковой манере. Грюнберг много и плодотворно экспериментировал со звуком, извлекая из своего арсенала аналоговых клавишных совершенно самобытный, загадочно-атмосферный саунд. Не случайно после переиздания записей Mess в формате CD, многие зарубежные рецензенты сравнивали группу с такими грандами мирового рока, как YES. И, надо признать, сравнивали не безосновательно.
С конца 1970-х годов переключился на сольную деятельность в сфере синтезаторной рок-музыки, создаваемой им под сильным влиянием Вангелиса и Китаро. В середине 80-х Грюнберг обратился к космическому и эмбиентному звучанию, включая, насколько возможно, фольклорные элементы. Заметное место в его композициях занимают восточные мотивы, круто замешанные на органно-электронных спецэффектах. Так, его пьеса "Цветение" из альбома "Дыхание" по уровню медитативного воздействия заметно превосходит многие композиции К.Шульца. Грюнберг известен как автор музыки к фильмам и даже сыграл роль в "Реквиеме". Front cover
Отправлено: 07.12.07 07:35. Заголовок: Ништяк! Сергей спасибо за Грюнберга! +
Меня поразило как он умудрялся делать такой фирменный звук в совковые времена. А уж симфо-прог у нас, по-моему, вообще никто больше и не играл. Shadowfax я не слышал, но LTE мне очень нравится - так что качаю с огромным интересом.
Отправлено: 06.12.07 23:00. Заголовок: Есть все. Со времене..
Есть все. Со временем выложу. А вообще на будущее просто скачайте мой каталог CD (ссылка во 2-м посте этой темы), и Вам станет ясна общая картина коллекции .
Рецензия: Если не глядеть на указание даты, альбом можно смело принять за продукт середины 1990-х. Настолько свежо и мощно звучит дебютная пластинка американского квинтета. С первых же тактов музыканты берут быка за рога, одаривая слушателя порцией могучего прогрессив-фьюжн (налицо определенная схожесть с работами Liquid Tension Experiment, но хронологический разрыв меж этими коллективами составляет, ни много, ни мало, 20 лет!). Шесть полноформатных композиций, из которых лишь одна содержит вокальные партии, поражают тщательной продуманностью, комплексным подходом к сочинительскому процессу, драйвом и высочайшей техникой исполнения. Помимо электрического инструментария задействованы ситар и табла, другие экзотические «восточные пряности» + целый арсенал духовых (гобой, флейта, саксофон, бас-кларнет, woodwind-синтезатор «Лирикон» и т. п.). Лучший трек выделить сложно, таковым может оказаться любой: скоростная и техничная “The Shape of a Word”; жесткая, чуточку психоделичная “Linear Dance”; нежная акустическая “Petite Aubade” с отголосками Ренессанса и этническими влияниями Малой Азии; закрученная “Book of Hours”, вобравшая в себя нью-эйджевую прозрачность и тяжесть hard-fusion; заглавная “Watercourse Way”, приправленная псевдо-индийским колоритом; шикарная по мелодике и воплощению 10-минутная “Song For My Brother” – в некотором смысле прог-металл 1970-х (!). Уникальный и самобытный образец жанра, настоятельно рекомендуется всем любителям арт/джаз/этно рока.
Рецензия: Саундтреки бывают разные. Одни способствуют адекватному восприятию видеоряда, другие, прямо скажем – единичные, могут существовать сами по себе, ибо являются полновесными произведениями искусства. К этой немногочисленной категории шедевров как раз и принадлежит данный альбом. Интересующихся подоплекой его создания отсылаю к прекрасной статье Сергея Дементьева, посвященной творчеству Devil Doll (см. In Rock. 2001. # 3). Здесь же хочется уделить внимание непосредственно музыке. Команда под управлением м-ра Доктора сделала приличный шажок вперед, подобравшись вплотную к рубежам, за которыми распахивается обширное поле академической классики. Свыше 70 минут изумительных стилевых наслоений: торжественно-зловещие оркестровки, готические эскапады церковного органа, драматические оперные хоралы, рефлексирующие фортепианные партии, камерные наигрыши приглашенного струнного трио. Речитативы под аккомпанемент рояля сменяются резкими моментами прогрессивного хард-рока. Голос фронтмена гипнотизирует. Его умение держать паузу (почти по Станиславскому) содействует усилению интриги, а порой и вовсе – нагнетанию атмосферы тихого ужаса. И когда лидер уникального словено-итальянского конгломерата обреченно шепчет: “I kept the secret”, не поверить в это нельзя. Имеют место обильные звуковые эффекты: воссоздание характерной атмосферы светского раута, наложение записи бравурной маршевой увертюры, а также сэмплов с голосами Муссолини, Ленина, Гитлера и присягающих новобранцев в ряды РККА, по-видимому, призванных подчеркнуть внушительный потенциал мирового зла... Пафос альбома порою достигает высот, сравнимых разве что с театральными постановками времен Эсхила и Софокла. Один из самых примечательных прогрессив-актов 1990-х. N.B. В оригинале альбом являет собой один гигантский трек. Для архивации сюиты без потери качества звучания (читай: с высоким битрейтом) пришлось разделить ее на два фрагмента. Не судите строго, ибо это сделано для Вашей же пользы.
Отправлено: 07.12.07 09:19. Заголовок: To Sagael: Даже и не знаю, как Вас благодарить! В первую очередь, +
за то, что открыли мне Devil Doll. Югославские группы бывают ой как хороши, эту же могу сравнить (по эстетическому и силовому воздействию) только с "Лайбах", но "Кукла" выигрывает! СПАСИБО!!!! С уважением, MW
Описание: Вероятно, самая амбициозная работа словено-итальянского коллектива под управлением Мистера Доктора – «человека с 1000 голосов», как его называют поклонники. Судя по всему, «День Гнева» - лебединая песнь одной из оригинальнейших команд современности, ибо свыше десяти лет от них никаких вестей. Но к делу. Как всегда уникальный сплав оперы, готики, симфо-металла, арт-рока. И конечно самобытные вокальные экзерсисы лидера группы, чьи «байки из склепа» удачно оттеняются нежнейшим сопрано певицы Норины Радован. Еще искуснее и изобретательнее сделались аранжировки. Правда, гитара и ритм-секция продолжают звучать в традициях хэви-агрегатов 1980-х, но и в этом своя «изюмина». Музыка вплотную приблизилась к неоклассике (благо, и без того немаленькому составу инструменталистов помогает Словенский филармонический оркестр). В паре-тройке треков задействован церковный орган, весьма к месту. Звучание полифоническое, многослойное и чуточку помпезное. Шедевр? Не без этого.
Описание: Прогрессив из Австралии... бывает же такое! И тем не менее. Что могут исполнять аборигены с противоположной точки планеты? Очередное клише идей Genesis-YES-King Grimson-Van Der Graaf... (нужное подчеркнуть)? Как бы не так! Хотите истинной оригинальности - слушайте Rainbow Theatre. Симфонический брасс-прог-джаз-фанк-рок. Обманчивые меллотроновые пасторали сменяются мощнейшим напором виртуозных ударных и баса, подрепляемых риффующей гитарой с духовой секцией. Ритм трансформируется с головокружительной скоростью, мелодические линии слоятся многажды, но их воспринимаешь опосредованно, ибо здесь главное - драйв. И его хватает с избытком. Продолжительность альбома - всего 35 минут. Но поверьте, этого достаточно. Совершенно самобытная штука. Нынче так уже не умеют.
Отправлено: 09.12.07 06:34. Заголовок: Спасибо Сергей за Rainbow Theatre +
Ещё пока качается. Зато прослушал Lady Lake и Shadowfax. Прикольные представители буйного артового прошлого 70-х. Сколько же замечательных команд не получили большой известности, тихо сгинув с музыкального небосклона. А на самом деле оставили после себя очень сильные альбомы. Храни Господи Интернет! :)
Из статьи А. Петухова "Happy The Man: Счастливая музыка для счастливых людей" (www.progmusic.ru):
Они были любимой группой Питера Гэбриэла, кто-то мечтал, что они будут писать музыку для фантастических фильмов или станут лидером продаж, но они не сделали ни того, ни другого, они просто играли необыкновенно добрую и мягкую для американской группы музыку, которую кто-то называл "джаз-рок без соло". Они просуществовали недолго, но их воссоединение произвело фурор. Сложно сказать, культовая ли это группа или незаслуженно обделенная вниманием, но в любом случае - Happy The Man делали свое дело с превосходным мастерством и поразительным талантом.
Парадоксально, но одна из самых интересных, на мой взгляд, американских симфо-прогрессивных комманд второй половины 70-х появилась не совсем в США. Вернее, совсем не в США. Формально, рождение группы приписывают Форту Уэйну, что в Западной Германии, где проходил с 1972-го года армейскую службу бас-гитарист из Вирджинии Рик Кеннелл. (Раньше он играл в молодежной группе Zelda, где познакомился с барабанщиком Майклом Беком и певцом Клиффом Фортни. А чуть позже вместе с Беком в группе Monolith). Кеннелл, конечно же, не ожидал, что именно вдали от родины, в армейских рядах он сможешь не только продолжить свою музыкальную карьеру, но и познакомится с гитаристом Стенли Уайтекером и клавишником Кевином Бахом. Уайтекер к тому времени уже жил и учился в Германии - его отец был военным из Индианы и был переведен в Европу. Тут он и познакомился с очень известными в то время рок-группами, вроде Genesis, King Crimson , Yes, Gentle Giant. Довольно быстро новоиспеченные друзья принимают решение сколотить группу. Чуть позже Уайтекер уезжает в Штаты, где проходит обучение в Университете Джеймса Медиссона. Ну а за ним туда же подтягиваются и Бах с Кеннелом. Итак, в начале 1973 года, эта троица плюс старший брат Стенли Уайтекера - Кен, который решил заниматься звукорежиссурой, да и приехавшие друзья Кеннела - Бек и Фортни вместе начинают репетировать под названием Happy The Man. Музыканты, конечно же, утверждают, что название это они почерпнули скорее из "Фауста" Гете и Библии, чем из названия одной из песен Genesis, но оставим это на их совести. Вскоре в голову Баха приходит мысль, что просиживание штанов в группе не имеет никакого преимущества перед получением музыкального образования и быстренько отчаливает. Впрочем, это не нанесло какого-либо ощутимого урона для группы, Уайтекер был знаком по Университету с отличным пианистом и саксофонистом Френком Вайаттом, с которым он играл в университетском джазовом оркестре. С Университетом связан и еще один из новоприбывших музыкантов группы - Кристофер Уоткинс, который предпочитал, чтобы его называли Кит, был сыном преподователя Университета и отлично играл на фортепиано, предпочитая различных европейских композиторов - ДеБюсси и Равеля. Впрочем, Уайтекер и Вайатт его в этом категорически поддерживали. Он в свободное от работы время развлекался тем, что писал пьесы в разных сложных размерностях или создавал музыкальные текстуры в духе Брайана Иноу. С другой стороны, он от всей души разделял и другое пристрастие музыкантов - Genesis и Gentle Giant. На этом формирование группы потихоньку закончилось на следующем составе - Стенли Уайтекер (гитара), Рик Кеннелл (бас-гитара), Френк Вайатт (клавишные, саксофон), Кит Уоткинс (клавишные), Майкл Бек (барабаны), Клифф Фортни (вокал). Началось, конечно же, с кавер-версий различных музыкальных монстров. На самом деле редкая группа, тем более в те годы, прошла мимо этого этапа. Были тщательно переиграны обязательные для любой уважающей себя прог-группы "21-st Century Schizoid Man" King Crimson, "Watcher of the Skies" от Genesis, "Man-Erg" VDGG. Кроме того, попробовали писать и собственную музыку - при чем композиторские обязанности равномерно распределились среди четырех музыкантов - Уайтекера, Уоткинса, Фортни и Вайатта. Репетировали, к слову, очень много, часто, большую часть времени отдавая оттачиванию аранжировок, структуры композиции, практически не оставляя места для какой-либо импровизации и солирования. В начале 1974-го было решено записать демо, которые можно услышать на вышедшем в 1990 году диске "Beginnings". Конечно, это еще не "золотой" уровень группы, но уже тогда можно было проследить, в каком направлении двигается команда - стройные и комплексные аранжировки, яркая и светлая музыка, обилие красивых гармоний и мелодий...
Рецензия: "Данный диск, впервые изданный в виниле на «Мелодии» – плод сотрудничества двух эстонских музыкантов. К сожалению, единственный. Клавишник Igor Ganshnek известен по работе в группе Ruja, Nevil Blumberg – в Radar’е. Результат – высококачественный инструментальный симфо-фьюжн с большим количеством электроники, который и сегодня звучит современно. Гаршнек играет клавишные партии и занимается программированием. Блумберг – гитары, ударные, программирование. Плюс два приглашённых музыканта – Пуулинь, исполняющий в двух треках соло на блок-флейте (в кредитсах на богемовском CD издании она почему-то превратилась в “recorder”), и басист Вайгла, виртуозное и необычайно красивое соло которого венчает мою любимую композицию Loneliness. Следует отметить, что и Гаршнек, и Блумберг, будучи музыкантами высокого класса, демонстрируют недюжинные способности в композиции. Мелодии интересны, разнообразны и со вкусом аранжированы. Средняя продолжительность композиций 5-6 минут. Открывает альбом солнечная и жизнеутверждающая Masks. Далее Grotto – электронно-наркотические блуждания по подземным рекам и лабиринтам. Здесь нет гитары – только синтезаторы и перкуссия. И весьма эффектная концовка – соло на клавишных с постепенным повышением тона от нижней к верхней границе диапазона. Затем – Minstrel (название само говорит за себя). Ударный номер слегка в medieval стиле с блок-флейтой. Meditative Landsape напоминает Grotto, но представляет собой более психоделический вариант. Музыкальная тема постепенно развивается, ближе к финалу тревога нагнетается до почти физическго ощущения плотности, но вдруг сквозь липкий туман прорывается великолепная гитара Блумберга, символизирующая яркие солнечные лучи, и все ночные страхи растворяются в свете дня. The Snake King – ещё один номер с жёстким ритмом, великолепными гитарными (в т.ч. акустическими) и клавишными соло и с участием Пуулиня, который привносит в музыку привкус средневековья. В нежной и меланхолической Loneliness чередуются полуакустическая и бас-гитара, в целом гитарный звук здесь доминирует на фоне колокольчиков и птичьего щебета. Завершают альбом Romatic Ballad и Nezucke – по-своему оригинальные и самобытные". - автор Paranoid (www.progmusic.ru)
А вот с этими бойцами все очень непросто. В тексте буклета компакт-диска, написанном всемирно известным ныне деятелем прогрессивного рок-движения Виталием Меньшиковым, значится следующее: "Нам неизвестен год, когда "Литургия безумия" была записана на мастер-ленту самими участниками ансамбля, но в год выпуска альбома на LP (1992) коллектива под названием СЕПСИС уже не существовало...". Думаю, установить некоторые фактические данные не трудно, если обратиться напрямую к питерскому рок-критику Андрею Бурлаке, бывшему редактором издания этой записи на виниловом диске. Впрочем, с винилом особая история. Судя по всему, ребята с Boheme Music records, готовившие выпуск альбома на CD, имели дело с Мелодиевским переизданием единственного творения СЕПСИС. Ибо на оригинальной Ленинградской версии пластинки вместо 2-частной импровизационной сюиты под названием "Бешеный огурец" представлены аж 13 треков, поименованных так: 1. Отчуждение 2. В плену у диких собак 3. Размышляя о... 4. В волнах желания 5. Апогей 6. Изгнание бесов 7. Погружаясь в сон 8. Плач блуждающей девы 9. Спазмы рассудка 10. Оковы славы 11. Прочь из этих мест 12. Изгнание бесов 13. Катарсис Но не будем усугублять и без того приличную путаницу. Музыка, представленная здесь, весьма любопытна и не имеет ничего общего с советскими (да и российскими) рок-стандартами. Представьте себе гремучую инструментальную смесь элементов немецкого краута с прогрессив-металлическими веяниями американского образца середины 1980-х (а-ля Watchtower), замысловатыми джаз-роковыми ходами и легким душком психоделии. Абсолютно ядреный, совершенно некоммерческий саунд-коктейль, по вкусу придется отнюдь не каждому (даже продвинутому) меломану. Итак, дамы и господа, СЕПСИС.
Алексей Романов — гитара Александр Березкин — бас-гитара Иван Феденко — ударные
Звукорежиссер Ю. Морозов Редактор А. Бурлака Художественное оформление Л. Боярского Запись Ленинградской студии грамзаписи и кооператива «Профессиональная звукозапись», март — апрель 1990 г.
"Никто не знает, как рождается музыка, когда и откуда она приходит. Услышанная однажды, она предстает всего лишь легализованной звуковой материей, отделенной временем от полифонического гула Вселенной. Рожденная вне нас, она существует в двух измерениях: с одной стороны, как воспринимаемый ухом гармонический строй, с другой — как частица неисчерпаемого фонда космической мелодии жизни, той незамечаемой нами, но постоянно присутствующей, отделяясь от которой, как зрелый плод от ветки, она оказывается в душе музыканта, формируя его мировосприятие, способное преподнести подарок миру". - Группа «Сепсис»
Описание: Вклад французского ансамбля Vent d'Est (Ветер с востока) в историю прогрессивного рока на удивление скромен: только один безымянный альбом. Очень жаль, поскольку музыка этих ребят - образец красоты и мелодичности. Яркие гитарные соло скроены по канонам, заложенным Энди Лэтимером (Camel). В вокале - разложение на голоса - мужской и женский. Поют симпатично, то на французском, то на Инглише. Музыкальные пьесы Vent d'Est не претендуют на глубину и эпичность, это просто очень душевные, хорошо сыгранные композиции. Рекомендуется всем, кому по нраву Asia Minor, Lady Lake и Camel.
Из статьи А. Петухова "Happy The Man: Счастливая музыка для счастливых людей" (www.progmusic.ru):
Вскоре дебютный альбом группы был закончен. Назвали его достаточно просто "Happy The Man". Открывает альбом очень умиротворяющая и красивая "Starborne" - плавные солнечные волны синтезатора Кита с его узнаваемой манерой (которая будет совсем узнаваема очень скоро после альбома "I Can See Your House From Here" группы Camel), под конец все-таки сменяется чем-то более взбодряющим. Примерно в том же ключе - добром, очень светлом и, несмотря на аккуратность и точность, чуточку даже плотном, следует отдающая творчеством Yes "Stumpy Meets the Firecracker..", где во весь рост оттягивается гитарист Уайтеккер. Откровенно говоря, нет на альбоме длинных гитарных соло, нет их и тут, но акцент достаточно часто смещается на гитару, хотя весьма много и вайаттовского саксофона, можно даже предположить, что здесь они играют роль солирующих инструментов. Первая песня с вокалом Стенли Уайтекера "Upon the Rainbow (Befrost)", проводящая параллели между человеческой жизнью и радугой, просто напичкана очень красивыми мелодиямии Уоткинса и Вайатта. При этом интонации саксофона чем-то схожи с тем, как играл в то же время Мел Коллинз. Уайтекеровская "Mr. Mirror's Reflection..." идет следом, этакий восьмиминутный коллаж, очень плотно набитый самыми различными как по настроению, так и по звучанию темами. И снова эпизодическая схожесть с группой Yes. "Carousel", пожалуй, самая мрачная и темная пьеса на этом празднике жизни. Ощущение заброшенного осеннего парка аттракционов, единственными посетителями которого являются холодный ветер, обрывки газет и опадающие листья, приходит достаточно быстро. Правда, весь этот осадок быстренько смывается оптимистичными и веселыми детскими мультяшными неестественными темами "Knee Bitten Nymphs in Limbo". Далее идет второй песенный номер альбома -"On Time as a Helix:." (кстати сказать, стихи к обеим песням написал Френк Вайатт), в первой половине которой Уайтекер старается подражать Гэбриэлу голосом, а во второй - Хаккету гитарой. Сложно оценить, насколько это получилось, но то, что до третьей минуты приходится слушать группу, обслушавшуюся Genesis - никаких сомнений лично у меня нет. Ну и стоит отметить еще игру на маримбе господина Уоткинса. Предпоследняя псевдо-джазовая пьесса "Hidden Moods" чем-то напоминает "Starburne" - невероятно красивые клавишные пассажи, дух умиротворения и доброты, свойственный только некоторым работам Метини и Camel. Сложно помнить о том, что группа никогда не импровизирует, что все это - не сиюминутный полет фантазии фьюжн-музыканта, а выверенные и тщательно отрепетированные ноты. Но все это ничуть не уменьшает прелесть этой симпатичной мелодии. Ну и закрывает альбом ни много, ни мало - сюита. "New York Dream's Suite". Трудно представить более правильное окончание альбома - почти девятиминутное резюме всего, что умеет группа во всех отношениях. Череда скоростей, ураганов и штилей, ярости и спокойствия, мелодий, настроений, инструментов, в конце-концов! Написана сюита была в Нью-Йорке, на Стейтен Айленд, Френком Вайаттом. Изначально в ней было места и для голоса, но позже от вокала пришлось избавиться в пользу полной инструментальности композиции. В ней рассказывается история человека, проснувшегося от шума города. Очень грамотная точка в очень грамотном и целостном альбоме. Подводя короткий итог, имеем - группа знает, о чем она хочет сказать и группа умеет сказать то, о чем она хотела сказать. Остальное все - не имеет значения. Одно это уже важно и достойно почтения. А если прибавить сюда отличное чуство света, тепла и доброты, то и вовсе получается все на должном уровне. А что до кажущихся цитат из предшественников, ну кто ж без греха? Да и не так это бросается в глаза, чтобы долго и нудно об этом ныть. Естественно, никакого коммерческого фурора выход альбома не произвел, не было первых мест в списке продаж, как мечтала об этом ARISTA, но и нельзя сказать, что денег своих они не отбили. Умеренный успех группа получила и от музыкальной критики. Биллбоард написла об этом альбоме "развернутые и сочные аранжировки группы оказались новаторскими и гипнотичными", а рецензент Circus отметился фразой "Дебютный альбом Happy The Man - один из самых энергичных, великолепных, легких, ярких американских дисков, что я только слышал". Да и зритель приходил на их концерты стабильно.
Описание: Всякий большой художник в своем творчестве проходит через различные стадии самовыражения. Вангелис Папатанассиу не исключение. Помпезный протопрогрессив, исполняемый на рубеже 1960–70-х ведомой им командой Aphrodite’s Child, сегодня по большому счету воспринимается довольно наивно. Чего не скажешь о данном альбоме. Концептуальное арт-роковое полотно, даже спустя тридцать с гаком лет, слушается свежо и оригинально. Не в последнюю очередь благодаря яркому и сочному звучанию. Маэстро синтезаторных грез здесь играет в компании гитариста-вокалиста Аргириса Коулуриса и бас-гитариста-вокалиста Роберта Фитоусси. Короткое хард-роковое интро “Come On” заставляет удивленно вскинуть бровь, ибо подобного меньше всего ожидаешь от этого музыканта. А дальше распахивается удивительная картина в стиле полупсиходелического этнического арт-рока, изобилующая спецэффектами природного характера, перемежаемая распевами африканских племен, шаманским камланием, звуками большого города и прочим. Образы поразительно живые, колоритные и почти зримые. Ближе к финалу калейдоскоп из серии «Вокруг света» уступает место бесподобной балладе “My Face in the Rain” и не менее красивой “A Song”, в которых явственно ощущается стилистика последующих работ исполнителя. Превосходный релиз.
Отправлено: 10.12.07 07:23. Заголовок: Сергей привет! Я смотрю ты уже пол-заказа выложил +
Начинаю срочно скачивать! (если бы ещё качало так срочно как хочеться) Очень интересно послушать и Вангелиса (этот сольник я не слышал), радует что с ним играет полноценная банда. Заинтриговали Сепсис. Эстонцев тоже очень уважаю. В-общем нетерпиться заценить. Спасибо огроменное! Можно будет и дальше обращаться с просьбами?
Отправлено: 10.12.07 08:08. Заголовок: Пожалуйста. Чем могу..
Пожалуйста. Чем могу - помогу. Кстати, по поводу SFF: из Антологии пока удалось скопировать только "Symphonic Pictures". На втором альбоме дисковод упорно клинит. Позже попробую еще. А пока заливаю дебютный диск.
Описание: Одна из серьезнейших единиц европейского прогрессивного рока 1970-х германское инструментальное трио SFF (Eduard SCHICKE – drums & percussion, Gerd FÜHRS – keyboards, Heinz FRÖHLING – guitars, bass & keyboards) образовалась на осколках симфо-проговой команды Spektakel. Двойной CD, изданный компанией The Laser’s Edge, включает все три студийных альбома группы + пара «живых» бонусов. Дебютный “Symphonic Pictures” (1976), продюсером которого выступил легендарнейший Фрэнк Заппа, представил слушателю весьма закрученную смесь из симфо-рока и фьюжн с немалым влиянием космической психоделии. Обилие меллотрона, изменчивая гитара – то жестко и прямолинейно риффующая, то ведущая джазовые монологи, виртуозные ударные. Замыкающий альбом 16-минутный опус “Pictures”, построенный по канонам циклической сонатной формы, в прологе отдаленно напоминает “In the Court of the Crimson King”, а далее органично трансформируется в причудливое болеро, дабы затем вновь вернуться к истокам.
Отправлено: 10.12.07 16:05. Заголовок: 2sagael: Что-то не везет мне с ifolder-ом...+
Happy The Man "Beginnings" - опять выдает поврежденные файлы и не открывается...:( Та же история и с Trion - Tortoise... Кто-нибудь пробовал скачивать и распаковывать эти файлы?
Отправлено: 11.12.07 13:38. Заголовок: Привет Сергей. Пошёл сегодня по твоему катологу с конца алфавита +
Выбрал опять абсолютно неизвестные мне команды: Wlud 1978 "Carrycroch" Wind 1972 "Morning" Andrew Lloyd Webber 1978 "Variations" Terraced Garden 1982/84 "Melody & Menace" / "Braille" Все группы которые я заказывал безумно понравились. Сепсис "Литургия безумия" - просто расплющил, нифига себе какой музон у нас поливали в начале 90-х. Я бы тогда и не въехал - плотно седел на трэшняке. Группа отвязная напрочь. Сравнить-то собственно не с кем, очень свободное музыкальное мышление. SFF "Symphonic Pictures" (1976) - как и предполагал очень сильные инструменталисты, хочется остальные альбомы. Постарайся пожалуйста скопировать. Vangelis Papathanassiou "Earth" (1973) - сорвал крышу напрочь, наверно этот альбом станет у меня одним из самых любимых, в силу своей необычности даже для самого Вангелиса. Всё-таки наверно там присутствует командное мышление. Vent d'Est - действительно очень мелодичная и красивая музыка. Synopsis чем-то напомнили мне Касеке. Скорее эстонским подходом чем самой музыкой. В общем я очень доволен всеми скачаными альбомами - каждый стал открытием для меня. Большое тебе, человеческое спасибо!
Описание: Записанный годом позже дебютного диска “Sunburst” отличается сильным креном в джаз-роковую сторону. Звучание сделалось более разноплановым, усугубилась «серьезность» материала. Симфоническая составляющая альбома обрела некоторую прозрачность. Нашлось место «солярной медитации» под названием “Artificial Energy”, отсылающей меломана к творениям Tangerine Dream и сольным работам Клауса Шульце. Одна из самых необычных композиций на диске – “Troja”, удивительным образом сочетающая в себе фьюжн-настрой с батальным размахом. Непростая для восприятия, насыщенная деталями и нюансами пластинка.
Описание: “Ticket to Everywhere” (1979) – семь довольно ровных номеров в лучших традициях Eloy. Пространственный синтезаторный саунд, куча эффектов, ритмических сбивок почти не наблюдается, не говоря уж о проявлениях джазовых структур. Хорошая спокойная работа, однако, явно не то, чего можно было бы ожидать. Впрочем, легенда обрела достойное завершение, не запятнав дискографии позициями сомнительной художественной ценности. А это тоже надо уметь.
Из статьи А. Петухова "Happy The Man: Счастливая музыка для счастливых людей" (www.progmusic.ru):
Диск начинается бескомпромиссно с весьма плотной гитарной практически хард-прог-роковой "Service With A Smile", и с первых же секунд очевидна польза смены барабанщика. Звук стал куда более насыщенным, жестким, немного граничащим с тем, что позже будут играть рядовые нео/прог-металлические коллективы. С самого начала понятно и еще одно отличие второго альбома - музыканты перешли к более коротким и лаконичным песням, длиной не больше 7 минут (за редким исключением). После такого громкого, но весьма красивого и мелодичного начала, следует не меннее мелодичная, но куда более спокойная "Morning Sun". Есть впечатление, что это вообще самая медленная и расслабляющая композиция всего творчества того периода группы. Чем-то она напоминает открывавшую прошлый альбом "Starburne". Те же неизменные традиции мягкого симфонизма и очень красивых звуков. "Ibby It Iz" - одна из тех "длинных исключений", что смогла прозвучать более 7 минут. Композиция рассказывает об анимационном персонаже по имени Ibby, который, во чтобы-то ни стало, хотел стать самостоятельной личностью, настоящим человеком. Длина композиции вполне оправдана - группу невозможно обвинить в бездумном растягивании альбомного времени какими-то затяжными солированиями, самоповторами или усердной эксплуатации какой-либо одной темы. Как это свойственно и для прежнего альбома, с музыкальными фразами и мелодиями у группы полный порядок, композиторы они были талантливые. Существует и богатое настроенческое разнообразие внутри этой отдельно взятой композиции. Вполне себе отличный образчик добротного прогрессивного рока на симфонической основе с некоторыми намеками на фьюжн. То же самое можно отнести к закрывающей первую половину альбома композиции "Steaming Pipes", достаточно эпичной и насыщенной по звучанию, с неплохой работой Вайатта на сакософоне и уже привычным на этом альбоме обилием электро-гитары. Вновь и вновь группа смело использует немного нестандартные для рок-музыки размерности, в основном, конечно, основанные на трех четвертях: Вторую половину, также состоящую из четырех композиций, открывает еще один "великан" альбома - семиминутная "Wind Up Doll Day Wind", единственная песня пластинки. Не берусь точно донести, о чем рассказывает Уайтекер, что-то о рутине простого американского человека, что напоминает о бессмысленности движений заводной игрушки. В общем, нечто остро-социальное и нонкомформистское, для тех, кто в теме. Относительно музыки скажу единственное, когда Уайтекер начинает петь, все остальные расслабляются и делают вид, что подыгрывают. А если серьезно, то много духовых, но мне не понравилось совсем не поэтому. Совсем другое дело очень внятная и милая "Open Book", в середине которой просто потрясающая вставка из стилизованного под британское средневековье сочетания флейты и клавесина, правда, длится это счастье не более минуты. Умение лихо играть с использованием не самых распространенных размерностей отлично показаны в несколько минималистичной (для HTM) "I Forgot To Push It", по крайней мере первая ее половина немного статична и репитативна. В целом же евсьма энергичная и рваная пьеса, достаточно разнообразившая альбом. Ну и заканчивается альбом очень характерной для Кита Уоткинса "The Moon, I Sing (Nossuri)", стартующей с неспешных, усыпляющих симфоничных, в чем-то мистических, мягких нот и постепенно вбирающей в себя остальные инструменты группы. Достаточно необычное по настроению окончание весьма резкого и относительно жесктого (опять же, для HTM) альбома. Сложно сказать, насколько он лучше дебютника, везде есть свои прелести. Наивность, необыкновенная легкость и мягкость дебютника или насыщенность, плотность "Crafty Hands". Но в обоих случаях мы имеем отношение с очень зрелыми работами достаточно техничных музыкантов, отличных композиторов с восхитительной способностью воспринимать и передавать светлую, добрую и приятную музыку, без всякой тени пошлости или маразма. Скажем откровенно, именно этого очень часто не достает всем американским рок-группам.
Принцессы и трубадуры, девы и драконы - на старой пластинке немецких арт-рокеров Wind сказкам отведено значительное пространство. А для воссоздания необходимой атмосферы используются клавесин, орган, меллотрон, флейта, ну и, понятное дело, гитара с ритм-секцией. Добрый уютный альбом без особых претензий, но со своим особым очарованием.
На этом, первом своем альбоме французский рок-квартет Wlud продемонстрировал приверженность как сугубо британской стилистике "Кентербери", так и мягкому симфо-прогу. Диск полностью инструментальный. Музыканты, чувствуется, не новички в своем деле, а творимые ими мелодии стилистически представляют собою добротный драйвовый арт-фьюжн.
Отправлено: 12.12.07 12:53. Заголовок: Сегодня поставлю на закачку - завтра заценю +
Ещё раз Сергей спасибо. Давно у меня такого наплыва арта не было Много ли нам меломанам надо для счастья? Оба SFF ещё качаются, зато сейчас слушаю Bjorn Jason Lindh & Staffan Scheja. Очень проникновенно и душевно! Я уже понял что группы более позднего времени, которые ты выкладываешь, тоже очень и очень интересные. Так что буду качать всё подряд. Сэнкью!
Отправлено: 12.12.07 13:03. Заголовок: Лучший альбом у Линд..
Лучший альбом у Линда, на мой взгляд, "Шведская рапсодия", где он выступает с полноценной рок-группой. Великолепная штука как в плане мелодическом, так и в отношении синтеза фолковых скандинавских мотивов с авторской музыкой самого Бьорна. В ближайшее время выложу и его, это действительно маленький шедевр.
Описание: «Если бы горы могли петь», - помечтал в 1995 норвежец Рюпдаль. У шведа Бьорна Джейсона Линда поют. И не только горы. В каждой ноте – блестящие отточия небесных светил, протяжные гармонии скандинавского лета, благоухание трав над полночными водами далеких озер… Скуден язык. Беден до чрезвычайности. Как выразить словами ту совершенную красоту, что питает каждую композицию на альбоме? Как обозначить хотя бы набросками уникальную целостность и самобытность образов? Линд – счастливец. Ибо сумел прикоснуться к хрупкой субстанции вечности, не отрываясь от корней, от священных истоков, имя которым – Швеция. Оригинальный флейтист, пианист и композитор, он в едином порыве создал нечто по-настоящему уникальное. Здесь светлая нордическая грусть соседствует с колоритными аранжировками традиционных мелодий, эфемерные возвышенно-ирреальные отзвуки гармонично вплетаются в канву симфо-роковых оркестровок. Бесподобная инструментальная мозаика, которую Бьорну помогли воссоздать бас-гитарист Сэм Бенгтссон, ударник Аке Сюндквист, скрипачи Ян Уганд и Лина Виллемарк (в паре треков можно слышать ее чарующий голос), гитаристы Хенрик Янсон и Янне Шаффер – закадычный друг маэстро Линда (их, начавшееся еще в 1970-е гг. сотрудничество продолжилось в рамках легендарной команды Isildurs Bane, где оба постоянно фигурируют со времен эпохального альбома “Cheval - Volonte de rocher”). Одно из самых удивительных музыкальных путешествий. Быть может, лучш... опс-сс… Умолкаю.
Описание: До 1981 г. канадский мультиинструменталист Карл Тэйфел успел поиграть во многих местечковых составах, самый удачливый из которых – панк-формация Station Twang. Затем подумал-подумал, да и замутил собственный проект с красивым названием Terraced Garden. Позвал друзей – ударника Питера Уикса, духовика Йена Келвина, скрипача Саймона Джейкобса, и дело пошло. Музыкальные ориентиры обозначили просто: прогрессив-рок. Пусть не виртуозно-навороченный, зато с индивидуальным подходом к композиции и звуку. Тактика себя оправдала. Бывший панк-рокер на поверку оказался истинным менестрелем, обожающим выразительное пение под мелодичные переборы акустической гитары, тонкие пассажи клавесина, уютное звяканье колокольчиков и прочую атрибутику эпохи легенд. Прибавьте к этому выразительные скрипичные соло, внушительные партии баса, пиано и флейту… Что получается? Средневековый фолк-рок? Слишком просто для канадцев. Здесь балом правит непредсказуемость: очередной мадригал запросто сменяется космической рапсодией с переливами меллотрона и слайд-гитарой (“Afterlife”), прерывается напористым хард-н-артом в духе соотечественников Rush (“Threnody”), перерастает в сказочную элегию, напоминающую Genesis средних 1970-х (“Dry Leaves in the Wind”), а то и вовсе забирается в темные авангардные дебри а-ля “Red” King Crimson. Увлекательная, доложу вам, экскурсия. С продолжением в виде двух полноценных релизов. Но об этом как-нибудь позже.
Описание: К середине восьмидесятых канадская формация Terraced Garden превратилась в своего рода музыкальный заповедник, где в период тотальной стагнации жанра продолжали выживать диковинные побеги арт-рока. Композиционное мышление лидера Карла Тэйфела с момента выхода дебюта (1982) прибавило в оригинальности. И подтверждением тому “Braille” – альбом, на котором слушателя постоянно таскают за нос. Синтезаторные new wave подкладки в “Silent Disarray” вместо ожидаемой попсовой непринужденности оборачиваются джаз-роковым гитаризмом с прогрессивной ритмикой. “Gentleman of Liesure” – подлинный гимн человеческой нервозности с путанными мелодическими петлями а-ля Gentle Giant. Мягкие пасторали “Versailles” очаровывают шикарными кружевами электроскрипки и даруют необходимую передышку. “Delusions of Grandeur” – убийственное сочетание «новой волны» с полифоническим прогрессив-роком – сменяется горячительной инструментальной вариацией на тему упорядоченного хаоса (“Structural Damage”), своеобразным ответом King Crimson. Чудесная баллада “Internment” исполнена в традициях акустической камерной музыки: флейта, скрипка, гитара, французский рожок… и вся эта возвышенно-нежная прелесть погибает под хард-индустриальным напором “Winter” (чрезвычайно странное представление о зиме). Гибридизация на “Fallen Honour” слегка озадачивает: кантри-арт. Воистину, нет ничего невозможного. Эффектное хоровое пение «а капелла» в коротенькой “Blobo” служит прелюдией к заключительному треку “Empty Beach”. И снова сюрприз: до боли родные интонации Camel, сопровождаемые вокалом, напоминающим разом и Барденса и Лэтимера. Точно эта вещица по каким-то неясным причинам не вошла на «верблюжью» пластинку “Rain Dances”. Без преувеличения, шедевр. И одна из основных позиций в гипотетическом Top-10 прогрессива 1980-х.
Отправлено: 13.12.07 14:32. Заголовок: Опять новое для меня имя. Спасибо, объязательно скачаю
Wind "Morning" (1972) и Wlud "Carrycroch" (1979) очень достойные команды в своём жанре. Не пожалел что попросил. Надо завтра опять залазить в твой каталог Сергей, для расширения своего кругозора
"Variations" - единственное в своем роде произведение Ллойд Уэббера. Это 15 инструментальных этюдов на темы Паганини, исполненных в симфо-роковом ключе. Сам маэстро выступил в качестве аранжировщика и продюсера альбома, а воплощали его в жизнь довольно известные музыканты: Гэри Мур (гитара), Род Арджент и Дон Эйри (клавишные), Герби Флауэрс (бас-гитара), Барбара Томпсон (духовые), Дэвид Каддик (фортепиано), Ион Хайсмен (ударные), Джулиан Ллойд Уэббер (виолончель) и др.
Bandhada - команда из Чили (что само по себе экзотично) успела записать лишь один инструментальный альбом. Представлен на нем шикарный драйвовый прогрессив-фьюжн, где в качестве солирующего инструмента фигурирует флейта. Прекрасная, виртуозно исполненная музыка наверняка придется по вкусу как любителям симфо-арта, так и адептам джаз-рока.
"Шеваль" - переломный этап в творчестве культового шведского ансамбля. Вдоволь наигравшись с мягким "дженезисоподобным" арт-роком на первых альбомах, преодолев волну симфо-джазовых экспериментов, группа во главе с великолепным клавишником Матсом Йоханссоном подошла к новой для себя главе. Слияние чопорного оркестрового звучания (ответственный - дирижер и аранжировщик Кристиан Жерхов) с саундом полноценной рок-группы, в составе которой "засветились" ветераны сцены гитарист Янне Шаффер и флейтист Бьорн Джейсон Линд, оправдало себя на все сто. Результат - превосходная пластинка, полная приятных для уха изысков и нюансов.
Удивительный бразильский гитарист Марко Антонио Араучо приобрел известность на родине в 1980-х. Его инструментальные альбомы, сотворенные при помощи единомышленников, - группы Mantra, это волшебный мир, в котором на равных сосуществуют как элементы классического симфонизма, так фолка и рока.
Описание: Haikara - одни из родоначальников финского прогрессива. Команда образовалась в 1971 году, а годом позже на американском лэйбле RCA Victor вышел дебютный безымянный лонг-плей финнов. Музыка группы весьма оригинальна: здесь и влияние поздних Битлз, и громоподобная шизоидность Кинг Кримзон, изящный камерный классицизм, вносимый фортепиано, виолончелью и флейтой, бравурная духовая секция, некоторая порция психоделического авангарда и много чего еще. Похоже, лидер проекта гитарист, певец и клавишник Веса Латтунен взял за правило быть оригинальным до конца. И ведомому им ансамблю это удавалось в полной мере. Шедевральный альбом "Geafar" (1974) упрочил позиции Haikara в европейских арт-роковых кругах, став их лучшим творением в 1970-е. Пять композиций, три из которых - продолжительные эпические вещи, продемонстрировали мощь и сыгранность скандинавов (CD-издание, вышедшее в 2000 г., добито 4-мя бонусами, совершенно не контрастирующими с фактурой основного содержимого диска). Последний семидесятнический релиз Haikara под названием "Iso Lintu" (1975) оказался заметно слабее предшественников. Группа замолчала на долгие двадцать лет, и лишь в 1998 г., на волне мирового возрождения прог-рока финский коллектив, к тому времени ставший легендой жанра, напомнил о себе слушателям новым творением, озаглавленным "Haikara IV: Domino"...
Рецензия: От маститых зубров прогрессива, чья история насчитывает без малого лет тридцать, трудно ждать удивительного. Тем приятнее обмануться. Итак, разрешите представить: камерный финский рок-ансамбль Haikara с последним на сегодняшний день номерным альбомом “Tuhkamaa”. 38 минут совершенно изобретательной и удивительно свежей музыки. Предельно выверенный баланс меж звучанием всех инструментов. Несмотря на формальное лидерство гитариста Весы Латтунена, лишнего этот убеленный сединой человечище себе не позволяет. Композиция в целом – вот высшая добродетель для участников Haikara, а уж она-то выстроена на совесть. Диск концептуальный, поют, примерно, в половине вещей на родном языке. И хотя ни черта непонятно, проникаешься драматизмом момента. Общий характер треков довольно мрачен. Особенно радует в этом отношении «цирковая» связка “Harlekiini”—“Klovni”. На ум приходят Devil Doll, фантазирующие на темы King Crimson. Впрочем, в том же «Арлекине» довольно много от незабвенной Самлы, но с поправкой на траурность саунда. При плавной трансформации в «Клоуна» минор заметно усиливается (особо стоит упомянуть колоритное виолончельное обрамление, искусно поддержанное саксофонистом). Заглавная “Tuhkamaa” – печальный эпос балладного свойства рожденный во глубине… нет, не сибирских руд, но уж абсолютно точно в неласковых дебрях севера. Оригинальностью блещет инструментальная конструкция “Hymni”, в которой здоровый классицизм попеременно уступает место злющему хард-року, фолк-позывным, выдуваемым на саксофоне, и неожиданным индуистским влияниям, подкрепленным игрой на ситаре. Финальная “Oodi” – светлое фольклорное песнопение (женский вокал) с арт-роковым наполнением. Итог: по-настоящему мощная и красивая пластинка, достойная Вашего внимания.
Отправлено: 16.12.07 11:27. Заголовок: Спасибо Сергей за ВСЕ последние альбомы. +
Не мог написать - даже на выходных приходится работать Качаю всё подряд, всё очень здорово и разнообразно! Только вот хотел попросить Haikara - как меня опередили Но кое-что всё равно попрошу, если будет время залей пожалуйста: Walter Rossi 1978 "Six Strings, Nine Lives" Vent d'Est 1980 "Vent d'Est" Clouds 1968/71 "Scrapbook/Watercolour Days" Alf Emil Eik 1979 "Joy & Breath Of Eternity" Это из разряда групп которые я тоже не слышал, поэтому очень интересно открыть для себя что-то новенькое
Отправлено: 16.12.07 16:56. Заголовок: Да Сергей, ты прав. Мало того я его уже и скачал +
Безумная неделя - и так будет до самого Нового года. Работодатели не дают раслабиться и получить удовольствие Надо быть мне повнимательней, залез в новый список, а названия ещё никак не отпечатались на мозговой сетке... Вот и прокололся. Надеюсь остальное я ещё не скачивал
Статья из рок-энциклопедии (hardrockcafe.narod.ru): Команда со странным названием "Fruupp" просуществовала недолго, и хотя не смогла добиться такой известности как коллеги по цеху типа "Yes" и "Genesis", но все же внесла заметный вклад в становление арт-рока. Музыку ее можно сравнить с настоящим вином, которое со временем лишь становится приятнее. Группа была образована в начале 1971 года уроженцем Северной Ирландии Винсом Маккаскером. До этого Винс играл во многих ирландских бандах, самой известной из которых была "Blues by five", исполнявшая различные каверы, услаждая посетителей дансингов. В свой проект Маккаскер пригласил Стефена Хьюстона из Ольстерского молодежного оркестра, поэта-песенника Питера Фаррелли и Мартина Фоя (экс-"Fosset`s circus band"). Первый концерт "Fruupp" состоялся в июне 1971-го в Белфасте, где они играли на разогреве у Рори Галлахера. Однако уже через несколько дней коллектив перебазировался в Манчестер, поскольку Винс справедливо посчитал, что "прогрессив" все-таки мало походит для ирландских танцзалов, а в Англии народ более продвинутый. Ведь музыка "Fruupp" была неординарной – Хьюстон кроме традиционных клавишных использовал также гобой, скрипку и виолончель, создавая мрачные фолковые текстуры, а на агрессивную гитару Маккаскера накладывался "кельтский" вокал Фаррелли. Правда, надо сказать, что какое-то время в составе числился вокалист Майлс "Тинхед" Макки, но вскоре его функции прибрал к рукам Питер. Команда усердно концертировала и играла везде, где только можно было разместить аппаратуру. Всего за один год музыканты давали свыше 230 выступлений. Усилия их не прошли даром, и на одном из концертов "Fruupp" услышал представитель специализировавшегося на проге лейбла "Dawn records" Робин Бланчфлауэр. Команда ему понравилась, и Робин предложил фруупповцам контракт. Первый альбом, "Future legends", записанный с продюсером Денисом Тейлором, хоть и попал в британские чарты, но занял там лишь 114-е место. Пластинка вышла в октябре 1973-го, после чего "Fruupp" колесили по Британии вплоть до января следующего года. Отдыхать от гастролей ансамблю пришлось в студии, где проходили сессии "Seven secrets". От услуг Тейлора отказались, а вот струнную секцию вновь подключили к работе. Второй диск оказался представлен более зрелыми, продолжительными и разноплановыми композициями. Однако, как и в случае с предшественником, коммерческий успех обошел группу стороной. Пытаясь исправить положение, музыканты в том же 1974-м подготовили прекрасный концептуальный альбом "The prince of heaven`s eyes", промоушен которому устроили не только в Британии, но и в континентальной Европе. Турне действительно прошло успешно, а часть дат "Fruupp" отыграли в компании "King Crimson". Участнику "Crimson" Яну Макдональду группа настолько понравилась, что он вызвался продюсировать ее следующий альбом. Но на данном этапе команду покинул один из ее лидеров Стефен Хьюстон. Он "ударился в религию" и присоединился к христианской рок-группе "Liberation suties", а впоследствии занялся сольным творчеством с тем же религиозным уклоном. Освободившееся место занял клавишник Джон Мэйсон, чей дебют состоялся на "Modern masquerades". Джон был неплохим музыкантом, однако он не смог полностью заменить Стефена, являвшегося душой коллектива. Команда просуществовала еще некоторое время и в сентябре 1976-го была распущена. О наследии "Fruupp" вспомнили лишь в 1996 году, когда на CD в сдвоенном виде были переизданы все четыре альбома группы.
Уроженец славного итальянского города Милана Уолтер де Росси в юности переселился в канадский Квебек, где в скорости сколотил пауэр-трио, выступавшее на публике с энергичными хард-роковыми боевиками собственного сочинения. Впрочем, одним гитарным "чесом" дело не ограничивалось, ибо у композитора/исполнителя Росси творческих амбиций хватало. Значительную их часть Уолтеру наконец-то удалось претворить в жизнь в конце семидесятых, на своем лучшем альбоме, который и предлагается Вашему вниманию. Тут нашли свое отражение и хардовое прошлое замечательного гитариста/клавишника/певца, и его увлеченность ритмами фламенко, и мелодичный прогрессив-рок, и попросту интересные музыкальные темы.
Рецензия: Вероятно, господин Эйк принадлежит к отмирающей породе уникумов, которым в детстве вместо игрушек дарили музыкальные инструменты. Причем, в огромном количестве. Джентльменский набор различных предметов, звучащих на альбоме этого ярко выраженного индивидуалиста, занимает пять строк. Человек-оркестр собственной персоной. “Joy & Breath of Eternity” по-хорошему эклектичен, а исполнительское мастерство товарища Эльфа Эмила до неприличия великолепно. Поклонникам симфонического прогрессив-фьюжн есть, чему порадоваться: атмосферные гитарно-синтезаторные обертоны с налетом флойдизма; ритмичный фанк с солирующим басом (играет как бог!); арт-роковые балладного свойства вещицы, отсылающие не то к Yes, не то к Genesis; симфо-проговые «прогулки» а-ля Kaipa в сопровождении меллотрона, гранд пиано, электрогитары и полноценной ритм-секции; джаз-роковый драйв с техничными слэповыми партиями бас-гитары и лидер-саксофоном (сам, без ансамбля!); типично северный минор, растворенный в звуках электрического пианино с аналоговой клавишной подсветкой и протяжными всхлипываниями сакса; в качестве изюминки поп-артовый опус с прекрасным женским вокалом в легкой псевдо-оркестровой аранжировке. Весьма добротная пластинка, способная приглянуться любителям прогрессива второй половины 1970-х.
Отправлено: 17.12.07 16:46. Заголовок: Ой, Сергей, уже предчувствую что будет всё классно! +
Очень, очень аппетитные рецензии. Одно жаль - медленный Интернет. А с другой стороны я думаю - может это единственный способ не завалить себя кучей шлака. Так хоть происходит естественный отбор (для таких больных как мы), ограниченный потоком скачки. Столько инфы прёт, что порой не успеваешь проникнуться музыкой и пропустить не хочется. Но арт - моя слабость :)
Из статьи "FRUUPP - Absolute Strangers" (журнал Hatross, № 1, 2003):
Второй альбом характеризуют более продолжительные композиции, да и сама музыка здесь более разнообразная и зрелая, прозрачные невесомы "интро" чередуются с резкими и довольно тяжелыми гитарными и органными пассажами, струнные и духовые создают атмосферу народного гуляния (похоже, они стали торговой маркой Fruupp). "Wise As Wisdom", "Garden Lady", "Elizabeth" (супер!), "Three Spires" (только послушайте виолончельно-гитарное интро!) - явно лучшие треки на этом альбоме, хотя и общий его уровень гораздо выше дебютника. Независимо от этого, коммерческий успех вновь обошел стороной ирландских проггеров. Видимо именно это толкнуло ребят на следующий шаг: в том же 74-м они "родили" материал для следующего альбома. Они хотели поразить мир, а потом завоевать его, не совсем понимая, что и так делали многое, а слава и успех слишком призрачны и ненадежны…
Порою кажется, что географическое лидерство в прог-роке - сродни переходящему знамени. В 1970-х им прочно владели родоначальники жанра британцы. Затем наступил ледниковый период, без четко выраженного доминирования на фронтах арт-рока (хотя и в эту пору прогрессив бурно развивался в отдельных регионах, взять хотя бы Эстонию, Бразилию, отчасти Канаду). С началом 1990-х оживилось интеллектуально-музыкальное движение в Швеции, что, по прошествии времени, позволило знатокам жанра высказать свое мнение о "скандинавском прогрессивном феномене". В первом десятилетии XXI века география арт-рока становится несколько рассеянной, но некоторые уже отмечают становление весьма оригинальных групп данного направления в сравнительно небольшой Польше. Возродились легендарные SBB, продолжают действовать выжившие в бурных 1990-х Quidam и Collage, образуются мягкие и лиричные Satellite, в одночасье становятся новыми богами прогрессива темные и рефлексивные Riverside. И вот новое имя на польском артовом небосклоне - Indukti. Очень крепкий профессиональный коллектив с двумя гитаристами, ритм-секцией и скрипкой. Ядреная смесь индустриально-альтернативного прог-металла в духе Tool, изобретательного сухого и жесткого прог-рока а-ля King Crimson. Прибавьте к этому прозрачные акустические интерлюдии с хрустальными переливами арфы (!), некоторое влияние восточной (псевдо-арабской) мелодики и специально приглашенного вокалиста Мариуша Дуду (Riverside), чей сильный пластичный голос где-то углубляет музыкальную канву, а где-то попросту гипнотизирует. Крайне примечательный рок-акт и одно из наиболее существенных открытий последних лет.
Combination Head - английский инструментальный коллектив, управляемый клавишных дел мастером Полом Бирчаллом. Звучание дебютного альбома густо замешано на использовании всевозможных синтезаторов, однако основу саунда составляет орган Hammond A100. Басист/гитарист Кит Эшкрофт использует не менее культовые для рок-музыки инструменты - Rickenbaker, Gibson Les Paul и Fender Telecaster. Ударников аж трое (задействованы они, разумеется, поочередно), в том числе ветеран Пол Берджесс, долгое время сотрудничавший с легендарными Camel. Что до самой музыки, то перед нами игровой арт/джаз рок в лучших традициях жанра. В общем, расслабьтесь и получайте удовольствие.
Рецензия: История британской команды Clouds оказалась до обидного недолгой. Однако свое веское слово в искусстве ребята все же успели сказать, подтверждением чему запоздалое признание их заслуг критиками и летописцами прогрессивного рока. Если верить пишущей братии, влияния музыки Clouds прослеживаются в творчестве таких грандов, как Yes, Nice, King Crimson, Family. Ну, а сама концепция формата трио с солирующим органом впоследствии дала толчок к появлению ELP. Точка зрения, быть может, спорная, однако факты – штука упрямая: до Эмерсона и Уэйкмана единственным фронтменом-органистом значился Билл Ритчи, клавишник Clouds. При рассмотрении композиционной составляющей альбома “Scrapbook” первое, что приковывает внимание, – преемственность традиций зрелых Beatles и Moody Blues. Это касается и мелодических линий, и вокальных данных Йена Эллиса, в чем-то напоминающего Джона Леннона. Впрочем, здесь все не так просто. Ритм-н-блюз, лежащий в основе песен группы, благодаря незаурядному мастерству сочинителей-исполнителей, возвышается до практически арт-рокового уровня. Скоростные органные проходы, сногсшибательные брейки ударника Хьюза с совершенно особенным ритмическим рисунком и легким оттенком джаза, замечательное пение Эллиса вкупе с недурственной игрой на басу… Прибавьте сюда очаровательные оркестровые аранжировки авторства легендарного Дэвида Палмера, наконец, потрясающе красивую балладу “ The Colours Have Run” – и вы получите пластинку в исконно английском стиле, но без чопорности и помпы, по-домашнему уютную и в то же время обладающую собственной магией. В общем, наслаждайтесь.
Рецензия: Третий альбом в дискографии ирландского симфо-прогового квартета. По сути, бенефис органиста-гобоиста Стивена Хьюстона (им сочинена львиная доля композиций на диске). В результате имеем самый мягкий по звучанию материал в активе команды. Концептуальная музыкальная сказка, основанная на старинной ирландской легенде, развивается, скорее, по законам мюзикла, нежели стандартного арт-рокового альбома. Бас-гитарист–вокалист Питер Фарелли, по примеру тезки Гэбриела (Genesis), в каждой песне старается наделять собственным характером всякого персонажа, от лица которого вещает (кстати, голосовые тембры обоих Питеров весьма схожи). Клавишные аранжировки отличаются виртуозностью и каким-то удивительно изящным «моцартианским» привкусом. Наряду с синтезаторами Хьюстон обильно использует чистое фортепиано, чье взаимодействие с гитарой Винса МакКаскера вызывает аналогии с Queen. Изысканная палитра альбома сочетает в себе различные стилистические элементы: вальс, рок-опера, ритм-н-блюз, симфоническая классика и пр. Масса нюансов, оттенков и настроений. Яркий образный калейдоскоп. Еще до официального выпуска пластинки композитор и органист Хьюстон покинул ряды Fruupp, объяснив это просто: в рамках коллектива он успел реализовать все, что хотел. Данный факт сильно повлиял на остальных участников ансамбля. Альбом “Modern Masquerades”, поступивший в продажу в 1975 г., получился неровным и по большому счету вымученным. Продолжения не последовало.
Занят под завязку, немного освобожусь к числу так 25-му - буду поактивней в твоей теме. Перед Новым годом обложили, сил нет. Но слежу регулярно за всеми твоими выкладками. Читаю рецухи даже на группы которые у меня есть - интересно пишешь. Ты просто молодец!
Одни из наиболее ранних представителей шведского прогрессивного джаз-рока. Славятся в первую очередь тем, что в рядах коллектива набирался опыта тогда еще юный, а ныне маститый и заслуженный гитарист Янне Шаффер. Залихватская музыка с местами ураганным драйвом и мощной полифонией, ответственность за которую несла духовая секция ансамбля. После записи этой пластинки Hörselmat надолго исчезли из поля зрения поклонников. И лишь в 1987 году маэстро Шаффер воскресил основательно подзабытое имя группы. Объединив усилия с собратом по цеху флейтистом и клавишником Бьорном Джейсоном Линдом, а также подключив к действию Гёвлеборгский симфонический оркестр, Hörselmat выдали на бис свое последнее представление, увековеченное на виниловых и CD-носителях. Но достать эту радость сейчас к сожалению нереально. Итак, всем любителям "вкусно" исполненных инструментальных пьес в стиле "фьюжн", рекомендую: http://ifolder.ru/4631399
Многостаночник шведского прогрессив-рока, будущий Цветочный Король Всея Скандинавии после ухода из Kaipa не сидел без дела. Изрядно поработав сессионным гитаристом и продюсером, заведя массу полезных знакомств, Ройне созрел для претворения в жизнь сольного альбома. Что и воплотил в результате. По большому счету это арт-поп-рок с массой приглашенных музыкантов и вокалистов, голосящих исключительно на шведском. Первый трек - "Nytt Blod" - жизнерадостный до идиотизма, с простецкими игрушечными клавишными, блюзовой гитарой и не шибко впечатляющим пением некоего Янне Ахмана. Правда, уже ближе к завершению вещи отчетливо проступают черты будущих The Flower Kings (меллотроновый фон с соло-проходами Ройне). Следующая композиция исполнена в арт-фолковом ключе, маэстро лабает на всех инструментах самостоятельно, а дуэт женского и мужского голосов повествует какую-то бесхитростную историю на родном языке. "Samhallets Olycksbarn" - по началу типичный TFK, но дальше слушать становится не очень занятно из-за дурацкой вокальной манеры Маттса Лофгрена. Куда лучше дело обстоит на "Dodens Ansikte" с неожиданно драматичным голосом вышеупомянутого Ахмана, симфоническими клавишами, фишками "бодинского" розлива и знакомой до чертиков гитарой. Конечно, звучит все не столь шикарно, но коль хотите понять, откуда растут ноги у Цветочных Королей (в частности, у одноименного альбома "The Flower King"), стоит ознакомиться с этим. Оставшуюся часть пластинки занимают пасторальный инструментальный симфо-арт-поп-фолк, плюс мелодичные вещи с вокалом, выпуклым безладовым басом в джаз-роковой стилистике, ударными и перкуссией а-ля диско, саксофоном и очень мажорным, чуть ли не новогодним настроением. Вердикт: для поклонников Столта новой эры - полезно, остальным - по вкусу.
Отправлено: 20.12.07 11:04. Заголовок: Если не затруднит, о..
Если не затруднит, объясните для "особо одаренных", что такое такое Lame. А насчет 256... Я мог бы выставлять и на 320, но их заливать приходится гораздо дольше, а скорость передачи у меня не самая идеальная. Так что извиняйте.
Отправлено: 23.12.07 02:05. Заголовок: Lame - это кодек такой +
Считается, что для конвертации в mp3 он подходит как нельзя лучше :0) Т.е. качественнее всех своих конкурентов (по моим личным ощущениям абсолютно справедливо для высоких битрейтов). Взять можно здесь http://lame.sourceforge.net По поводу 256 kbps абсолютно согласен с автором топика :0) Занимает меньше места, а реальной разницы по сравнению с 320 kbps практически нет. Если источник хорош - сработает великолепно, а если плох, то чем бы ни жалось... вызывает жалость :0)
Свой последний альбом великолепный Марко Антонио Араучо посвятил сынишке Лукасу. В музыкальном отношении эта пластинка возможно лучшая из всех релизов маэстро. Замечательно сыгранная и тонко аранжированная МУЗЫКА. Чудный образчик настоящего искусства.
Рецензия (автор Lizard - www.progmusic.ru): Еще одно «возвращенное» имя из легендарного «Nurse With Wound List»* в отличном исполнении MIO Records. За свою долгую музыкальную карьеру Cohen-Solal, флейтист с потрясающей техникой игры, преподаватель консерватории, автор музыки ко множеству фильмов и обладатель огромного количества наград как композитор, записал всего два сольных альбома, имеющих отношение к прогрессивному року. От большинства европейских флейтистов, экспериментировавших в те времена на стыке классики, джаза и рока (Chris Hinze, Bjorn Jason Lindh и др.), Коэн-Солаль заметно отличается большей смелостью и стремлением к экспериментам на стыке рока и авангарда, что, вероятно, и объясняет его присутствие в «NWW List».
«Flutes Libres» (1971) Дебютная пластинка несет на себе отпечаток экспериментов эпохи flower-power. Это заметно уже начиная с обложки: она украшена огромной надписью: Musiques et Insruments Insolites (Необычные музыка и инструменты). Или возьмем для примера «Raga du Matin»: ситар, табла, пара флейт – самая настоящая кислотная индийская этника. Впрочем, открывающий альбом «Циклический концерт» (Concerto cyclique) демонстрирует и другую сторону богатой натуры музыканта: это образец так называемой «иллюстративной музыки», формальный эксперимент, при котором несколько композиций для флейт, баса, перкуссии и органа, переходя, одна в другую, вместе образуют круг. В «Matiere» Коэн-Солаль деконструирует музыку барокко: гармоничную партию флейты прорезают диссонансы, а фоном служит атмосферная органная импровизация. Вторую сторону пластинки занимает 17-минутная авангардная пьеса «Quelqu’un»: по признанию автора, она имеет автобиографический характер и повествует о том, как «человек, преодолевая препятствия, выбирает свой путь, следует ему, как может, и, несмотря на трудности, пытается выжить и сохранить свою индивидуальность». В музыкальном же отношении это впечатляющая смесь академического авангарда, этники, психоделии и прогрессивного рока. Никаких аналогий не возникает: все совершенно уникально. Альбом же в целом – выше всех похвал!
P.S. Бонусом на этом CD записана вещь «Quelqu’un 2003». С одной стороны, это дань Коэн-Солаля своей прог-роковой молодости, с другой – совсем друга музыка: зрелая неоклассика с влиянием этники и минимализма, далеко ушедшая от «бури и натиска» обоих сольников…
Примечание: *Перечень выдающихся образцов экспериментальной рок-музыки 60-70-х годов, составленный основателем NWW Свеном Стэплтоном и участником первого состава Джоном Фозерджиллом, по совместительству, крупными коллекционерами психоделических и авант-роковых редкостей.
Что делать, если постоянный ударник занят, а искать нового некогда и незачем? Записать камерно-акустический альбом, - так решили гитарист/басист Heinz Fröhling и клавишник Gerhard Führs, отцы-основатели шикарного прогрессив-трио SFF. На дворе стоял 1978 год. Даже признанные рок-менестрели Jethro Tull к тому моменту заметно утяжелились. Но немецких музыкантов подобный расклад отнюдь не смущал. В любом деле главное - вкус. Ну, а этого у тевтонов не отнимешь. В общем, результат получился крайне замечательным. Светлые прозрачные этюды, наполненные политембровыми красками аналоговых клавишных и четкой гитарной акустикой. Здесь нежнейшие пасторали сменяются первыми осенними листопадами, деревенские наигрыши укрупняются до размеров классической сарабанды, и каждому деревцу, каждому водоему и бугорку есть, что поведать, вполне обходясь и без слов. Любителям красивой инструментальной музыки - самые настоятельные рекомендации.
Очередной эксперимент над собой. На сей раз без помощи сессионного ударника германцы не обошлись. Оправданное смешение стилей, в котором имеют место быть и отголоски расслабленного симфо-прога с альбома SFF "Ticket to Everywhere" (1979; что не удивительно: обе работы писались фактически одновременно), и электронно-синтезаторные мелодичные поп-экскурсы в духе Rockets (местами и вовсе создается впечатление, будто латвийцы Зодиак играют нечто из репертуара The Alan Parsons Project; хотя, это я, конечно, загнул) и многое-многое другое. Несмотря на сморщенные физиономии поклонников Schicke, Führs & Fröhling, тут же обвинивших ребят в отступничестве от собственных канонов, смею утверждать: пластинка удалась. Да, это по большому счету не прог. Ну и что? Это приятная для уха, качественная, профессионально исполненная музыка. И разве оного не достаточно?
А ты опять выложил гору деликатесов. И причём часть из них - наследие гениальных SFF! Сегодня уже отключаюсь, но знаю что завтра, с утра, меня уже ждёт целая пачка прекрасных релизов выложенных замечательным знатоком прогрессивной музыки. Спасибо тебе за это Сергей! Дай Бог тебе здоровья! С уважением, Евгений
Упертые ребята норвежцы. Всем ветрам назло продолжают окучивать благодатную ниву ретро-прога. И ведь придраться-то не к чему. Открывающая диск реприза “Serenade for 1652”, с ветхой, напрямую заимствованной из семидесятых атмосферой (меллотрон имитирует звучание струнных), важна не меньше, чем последующие многоминутные эпики. Все ж таки настроение – шутка тонкая. А в данном случае решает оно многое. Несмотря на заявленное коллективное авторство, ощущается, что лидер и душа квинтета – органист Ларс Фредрик Фрёйзли (перечень используемых им аналоговых клавишных агрегатов занимает аж пятнадцать строчек в буклете). Идеальный подбор вокалиста (Тони Йоханнессен), чья наполовину шепчущая доверительная интонация как нельзя лучше подходит к музыке. Да и прочие инструменталисты не промах. Присутствие гостей на альбоме (флейтист, мастер барокко-гитары, перкуссионист и исполнительница на деревянных духовых) абсолютно оправдано, ибо в чередовании акустических эпизодов с насыщенным нюансами электрическим полем сквозит редкостная гармония, которой порой не хватает даже ансамблям-ветеранам. В развернутых арт-роковых номерах Wobbler умудряются оставаться добрыми сказочниками, дарующими тихий уют и чарующий привкус тайны. Пятерка парней из Осло заново открывает нам всю прелесть классического прогрессива. Хочется верить, “Hinterland” далеко не последняя остановка на избранном ими пути.
Инструментальная 43-минутная сюита, решенная в стилистике симфонического прогрессивного джаз-рока. Американскому клавишному дуэту Тим Драмхеллер / Рик Эдди помогают гитарист Скотт МакГилл (Finneus Gauge) и барабанщик Вик Стивенс. Атмосфера на альбоме несколько сумрачная, подстать обложке авторства великолепного Трэвиса Смита. Если проводить музыкальные аналогии, то ближайшим ориентиром будут Happy The Man первой половины 1970-х. Очень серьезная работа с превалированием джазовых моментов, рассчитанная на подготовленного и вдумчивого слушателя.
Отправлено: 24.12.07 11:16. Заголовок: Не надо мне оъяснять..
Не надо мне оъяснять, что такое Lame, всё равно не пойму Мне интересно, почему вы им не пользуетесь (не хотите, не отвечайте). Просто я конвертирую в Lame - 3.93.1 , а у вас показывает FhG... Извините за занудство! А Indukti хорош! И качество звука, и особенно его исполнения. Tool могут отдыхать, и тихо плакать...
Отправлено: 25.12.07 07:16. Заголовок: Мы с Вами друг друга..
Мы с Вами друг друга недопоняли. Я, напротив, призывал разъяснить мне функциональную сущность этого кодека. Ну да бог с ним. Тем более, что Lame, насколько я уразумел, работает в паре с Sound Forge, а данной прогой не пользуюсь. Музыку с CD копирую при помощи стандартного Windows Media Player, а при необходимости обработки звука использую Adobe Audition. Ладно, не буду утомлять общественность излишними словесами. Переходим к музыке.
Anthony Phillips & Harry Williamson "Tarka" (1988)
Два музыканта, стоявшие у истоков таких разных, но без преувеличения равновеликих групп, как Genesis и Gong, объединились для воплощения в звуковую реальность трогательной истории о выдре по имени Тарка, сочиненной Харри Уильямсоном. Акустические гитары, клавиши, флейта и саксофон, перкуссия, оркестр... В числе приглашенных инструменталистов довольно известные личности: Lindsay Cooper, Didier Malherbe, Guy Ewans и другие. Никаких певцов, только музыка, говорящая сама за себя. Здесь Энтони Филлипс вплотную подобрался к рубежу, за которым открывается иррациональное пространство чего-то бесконечно волшебного. Человек, постигший магию музыки и сумевший донести ее до людей, наверное, должен чувствовать себя очень счастливым, ибо отголоски этого счастья плещутся в каждой сыгранной ноте. Вдохновение, красота, гармония - вот краткая характеристика этого шедевра.
«Медленный танец» вполне может претендовать на звание лучшего альбома в сольной дискографии первого гитариста легендарных Genesis. Подчеркнуто камерное звучание, обеспечиваемое духовым квинтетом (кларнет, гобой, флейты, тромбон, рожок), синтезаторами, перкуссией. Гитары на удивление немного, как, в общем-то, и «роковых» моментов. Да оно и к лучшему. Ибо от этого шедевра Энтони Филлипса веет тихой красотой, невинностью, тонким очарованием. Программа полностью инструментальная, состоит из двух монументальных опусов (24 и 26 минут). И если в первой композиции «Медленного танца» царит атмосфера сдержанного академизма, то во второй его части усиливается влияние электроники, местами звук становится просто «эмбиентным». Однако автору удается на удивление гармонично свести разностилевые фрагменты к общему знаменателю, подчинить полярные музыкальные течения единому замыслу. И в этом композиторский гений Филлипса – повзрослевшего романтика, мечтателя и философа.
Фабио Зуффанти - ключевая фигура в современной итальянской рок-музыке. Басист, гитарист, замечательный композитор, он более всего известен созданием в начале 1990-х гг. великолепной арт-роковой команды Finisterre. Однако на этом синьор Фабио отнюдь не остановился. Со временем на свет появились Finisterre Project, в свою очередь трансформировавшиеся в Höstsonaten. Непонятно, зачем эти жители солнечной Италии взяли себе столь невеселое, да к тому же шведское название (Осенняя соната; судя по всему, навеяно одноименным фильмом Ингмара Бергмана). Впрочем, к музыке команды оно подходит. "Springsong" (2002) - полностью инструментальный альбом несколько пасторального, чуть ли не камерного симфо-прога. Наряду с традиционными электрическими инструментами широко задействованы классическая акустическая гитара, фортепиано, рожки, дудки и флейты, скрипка и саксофон. Мягкая, красивая, чуть печальная, но удивительно прозрачная музыка. Настоящее удовольствие для знатоков и ценителей жанра.
Эта шведская команда, к сожалению, просуществовала весьма недолго, успев записать лишь два альбома и несколько концертных выступлений. Вашему вниманию предлагается дебютная (и наиболее сильная из маленькой дискографии Lotus) пластинка ансамбля, вышедшая в 1974 г. Представленный на ней материал - полностью инструментальный и абсолютный великолепный драйвовый арт-рок. Диву даешься, как эти скандинавские уникумы умудрились втиснуть в 30 минут звучания такое обилие аранжировок. Особенно восхищают игровые переклички меж очень "вкусно" звучащей гитарой и скоростными органными соло. Поклонники прогрессива 1970-х - не проходите мимо! Стопроцентный кайф гарантирован.
Серёжа спасибо! Слушай, какая уматная команда Walter Rossi! Такой современный сочный, глубокий звук. Музон ни накого не похож, собственный подход к аранжировкам. В альбоме сплелись и арт, и блюз, и хард. Умудрялись-же в 70-х, в 40-минутный формат впихнуть столько идей! Я просто в восторге от этой группы. Таких бы альбомов, да побольше
Отправлено: 30.12.07 12:10. Заголовок: Эх, Евгений, а сколь..
Эх, Евгений, а сколько хорошей музыки еще остается "за кадром". Семидесятники столько наваяли - копать, не перекопать. Так что будем продолжать изыскания.
Одно из самых значительных достижений прогрессив-рока второй половины 1970-х, о котором никто не узнал бы, кабы не старания отдельных энтузиастов, двадцать лет спустя раскопавших в музыкальных архивах запись 1978 г. Итак, дамы и господа, вашему вниманию предлагается: английский состав Autumn с единственным (но каким!) альбомом “Oceanworld”. Участники ансамбля: Nick Magnus (ex-The Enid, pre-Steve Hackett) – keyboards; Mark Easton – guitars; Steve Hoff – bass; Robbie Dobson (ex-The Enid, pre-Hawkwind) – drums. Альбом полностью инструментальный, состоящий из четырех продолжительных треков и замыкающей короткой репризы. Виртуозный симфо-прогрессив с легким оттенком фьюжн. Клавишные аранжировки в заглавной композиции вызывают реминисценции с Happy The Man времен “Death’s Crown”. Стоит отметить, что и уровень мастерства музыкантов ничуть не слабее, а партия каждого из них выше всяких похвал. Симфоническую составляющую обеспечивают клавиши Магнуса (сказывается Enidова школа). Меллотрон, правда, не используется, но, можете поверить, ему просто не нашлось бы места в звуковой палитре команды. Удивительно подвижный бас вызывает неподдельное восхищение. Гитарные соло и риффы также прекрасны и разнообразны, и порой навевают ассоциации с Camel, а местами с Gryphon. Ударник, помимо установки, использует всяческие перкуссии: тут вам и колокольчики самого разного калибра, и треугольник, тамбурин и бог ведает что еще. В общем, для поклонников британского (да и скандинавского тоже) симфонического арт-рока данный альбом в категории a must have.
"Кельтская симфония" ирландских арт-рокеров Horslips - концептуальное полотно, основанное на местечковых сказаниях и легендах. Своего рода "золотой гвоздь" во всей дискографии группы. Удивительно, но эта прогрессивная пластинка умудрилась попасть даже в UK top-40 album, заняв 39-е место. Видимо, красота музыки и обилие фолковых мотивов, вносимых мандолиной, рожками, свистульками и дудками наряду с традиционным рок-инструментарием, пришлись по вкусу многим. Со временем альбом обрел поистине культовый статус, подтверждением чему стало празднование в 2006 г. 30-летия с момента его выхода, организованное в Дублине фан-клубом Horslips и некоторыми участниками команды.
Огромное спасибо за арт 70-х (эти годы моя слабость, ну не торкает меня сегодняшний прог в своём большинстве). С наступающим тебя Сергей. Надеюсь на продолжение этой темы в следующем году! Так хочется в чём-то постоянства
Отправлено: 30.12.07 15:21. Заголовок: Сергей, с наступающим Вас - ВЫ ПРОСТО ТИТАН!!! Я сам большой любитель +
прога, но Вы открыли для меня массу нового или заставили переслушать кучу старого! Вы правильно заметили: "сколько хорошей музыки еще остается "за кадром". Семидесятники столько наваяли - копать, не перекопать. Так что будем продолжать изыскания". Всего Вам доброго! и наступающим!!!! С уважением, MW
Сложно поверить, но факт остается фактом: эту стопроцентно европейскую музыку играют японцы. И как играют! Шесть треков, покрывающих обширное пространство различных подвидов прогрессива. С первых же тактов безбашенные потомки самураев демонстрируют недюжинные композиторские амбиции, скорость и энергетику. Соскучились по Кентербери? Вот вам “Crossfire” – залихватский игровой фьюжн в духе Gilgamesh и National Health. Любите Стива Хэккетта? Как говорится, пожалуйте бриться: “Interlude I & II” – деликатные акустические репризы, размеренно дышащие Ренессансом. “Natural Selection” изумляет неповторимым симбиозом идей симфонического арта с закрученным джаз-роком. Редкий случай, когда виртуозность ничуть не в ущерб мелодической линии. По уровню мастерства фантастический квартет из Страны Восходящего Солнца можно поставить рядом с завзятыми «технарями» (послушайте хотя бы “Variations On a Theme by Brian Smith”). Правда, от последних Ain Soph выгодно отличаются главным: в их звуковых полотнах бьется живая душа. Реальное подтверждение – заглавный 19-минутный эпик, жемчужина альбома. Классический прогрессив-рок во всей своей красе: трепетные «барочные вензеля» органа, шикарная полифония вкупе с драйвовой ритм-секцией, щемящая Cameloподобная исповедь соло-гитары в окруженье меллотроновых хоралов… Истинная сказка для тех, кто не разучился верить и способен внимать прекрасному.
Женщины в интеллектуальном роке - явление штучное. Но и такое имеет место быть. Знакомьтесь, Мерит Хеммингсон - "Queen Of Swedish Hammond Folk Groove", как ее величают поклонники. Музыкальную карьеру начала в 1960-е, играя в разнообразных девичьих ансамблях. Однако известность у себя на родине и в ряде европейских стран снискала в качестве сольного исполнителя, композитора и арранжировщика. В основе творчества Мерит - фольклорные традиции Скандинавии, преломленные сквозь призму таких направлений как джаз, классика и арт-рок. Многие именитые шведские музыканты почитали за честь работать с ней. Вот и на данной пластинке в качестве гостей засветились не менее уважаемые трубач Руне Карлссон, флейтист/клавишник Бьорн Джейсон Линд, гитарист Янне Шаффер и ряд других деятелей нордического прогрессива. Двенадцать треков, наибольший из которых длится порядка шести минут. И подобная лаконичность, пожалуй, единственный упрек к содержимому диска. Все остальное заслуживает похвалы: необычный коктейль из симфонического рока, неторопливого уютного фолка, джазовых обертонов, элементов босса-новы, оттеняемый весьма приятным вокализом самой госпожи Хеммингсон. Как ей удается столь гармонично сочетать эти жанровые кусочки в единое целое - загадка. По меркам прогрессивного рока вещи не отличаются головоломной закрученностью, но оно здесь и не требуется. Атмосферный, местами печальный, но удивительно теплый по звучанию орган, красивый женский голос, выводящий бессловесные протяжные рулады, мгновенно узнаваемый уникальный почерк флейты Бьорна Линда. Можно сплавить Баха с аккомпанирующей джазовой трубой, добавить оркестр, толику северной грусти - и никто не обвинит в вычурности. Все очень естественно, как и должно быть в природе. В природе настоящей музыки, которую дарит нам Мерит Хеммингсон.
Сказать, что третий альбом бразильцев Index хорош, - значит не сказать ничего. "Identitade" (2005) до неприличия великолепен. Дебютный диск "Liber Secundus" (2002; второй пластинки этих ребят я к сожалению не слышал) содержал совершенно невпупенное количество неанглоязычного вокала, что сильно смазывало впечатление от неплохой музыкальной составляющей. Но здесь, слава богу, все на месте. Совершенно убийственный инструментальный симфо-арт / фьюжн в лучших традициях игрового прогрессива 1970-х. Реминисценций - тьма. Тут и британцы Autumn и Camel (лэтимеровские позывные гитары просто согревают сердце), и соотечественники Quantum... да мало ли, какие сравнения взбредут в голову? Главное, что это светлая и счастливая музыка для таких же светлых и счастливых людей.
Исполняя пожелания иностранных товарищей, отныне буду выкладывать альбомы на фолдере и рапиде параллельно. Первые плоды этого можно наблюдать в топиках про Hostsonaten, Lotus, Index.
Фантастический прогрессив или забытая фантазия - автор Вадим (сайт progmusic.ru).
Коллекционерам и любителям прогрессивной музыки эта группа, конечно известна, но для широкой публики название FANTASY ничего не говорит, а жаль, творчество группы – это образец превосходного английского рока начала 70-х. История коллектива началась в далеком 1970 году. Первоначально они назывались CHAPEL FARM и начинали репетиции в следующем составе: DAVID READ –бас, DAVID METCALFE –клавишные, PAUL PETLEY –вокал, BRIAN CHATHAM-ударные, GEOFF WHITEHORN –гитара. Почти два года они репетировали в доме своего первого вокалиста около GRAVESEND графства KENT, пока не почувствовали себя достаточно уверенными играть аудитории. В 1972 году группа поменяла репетиционную базу, а заодно ударника и гитариста. Место за барабанами занял JON WEBSTER, техничный музыкант, тяготеющий к джазу, а гитару взял блестящий молодой игрок BOB VANN. Группу покинул также PAUL PETLEY, функции вокалиста совместил второй гитарист PAUL LAWRENCE, пришедший в 1971 году. Дебютом CHAPEL FARM был концерт в GRAVESEND совместно с EDGAR BROUGHTON BAND и PINK FAIRIES, достаточно известными коллективами того времени. В марте 1972 года на конкурсе организованном MELODY MAKER трагически погиб BOB VANN, которому только что исполнилось 18 лет. Несмотря на горе, музыканты решили продолжать: они сменили название на FIREQUEEN и пригласили PETE JAMES из местной команды JOY. К этому времени у группы уже был наработан музыкальный материал, они с надеждой рассылали демо на фирмы грамзаписи. Ждать пришлось недолго – в 1973 они подписали 3-летний контракт с POLYDOR. По условию этой известной фирмы FIREQUEEN обязаны были поменять свое название и записать пять альбомов. Так наши герои стали FANTASY, название, которое должно было подчеркнуть стиль игры и лирическую направленность. В мае 1973 FANTASY собираются в студии CHIPPING NORTON со своим продюсером PETER SAMES и записывают свой единственный сингл, а затем и альбом PAINT A PICTURE. К тому времени, участникам группы исполнилось по 20 лет (не считая DAVE METCALFE ,которому стукнуло 25). Затем последовали концерты. В знаменитом клубе MARQUEE в Лондоне FANTASY отыграли вместе с ROBIN TROWER, а в туре по Англии они были на “разогреве” у URIAH HEEP, FREE, ARGENT ,SUPERTRAMP ,GENESIS ,GREENSLADE и везде получали теплый прием и доброе отношение. На специальной сессии в MARQUEE наши герои представляли свой альбом, по иронии судьбы в тот вечер выступали еще одни дебютанты - это были QUEEN. Как грустно: одни стартовали в бессмертие, имена других вспомнили спустя много лет. В июле 1974 FANTASY приступают к записи следующего альбома, названного позднее BEYOND THE BEYOND.Теперь пора поговорить о музыке этого замечательного коллектива. В начале своего творческого пути группа записала в 1970 году четыре песни на любительской аппаратуре. Похоже, PAUL PETLEY, первый солист со своим резким голосом находился под влиянием известной в то время группы RARE BIRD –уж больно похожи голоса с вокалистом STEVE GOULD. Но только LAWRENCE принес в группу неповторимый, гораздо более мягкий, эмоционально окрашенный вокал, который очень удачно сочетался с клавишными METCALFE (он единственный в группе имел музыкальное образование). Собственно, чудо произошло после выхода первого диска. Это были совершенные, прозрачные, завораживающие мелодии. Вокал LAWRENCE, с помощью наложения, слегка напоминал многоголосье URIAH HEEP, но начисто отсутствовал напор и жесткость, никаких хард-роковых аккордов, только светлая печаль и грусть. Мягкая соразмеренность12-струнной гитары в купе с меллотроном – фундамент своего неповторимого звука. Альбом PAINT A PICTURE – сильный старт в английском прогрессивном роке, хотя FANTASY были далеко не первыми, достаточно вспомнить пионеров английского прогрессива – GENESES, RARE BIRD, SPOOKY TOOTH и других грандов. С высоты 2000-х эта группа звучит чисто и свежо, а в середине семидесятых, не все воспринимали альбом целиком, напиши музыканты несколько забойных вещей, отношение к нему было бы другое. Увы, альбом PAINT THE PICTURE не получил должного внимания, музыкальные критики холодно отозвались о новых талантах и это сыграло роковую роль в дальнейшей карьере группы. Полные энтузиазма ребята записали следующий альбом, но руководство компании POLYDOR принимает решение разорвать контракт и не выпускать альбом, как не перспективный. Меня удивляет близорукость компании – не разглядели, прохлопали ушами. И хотя я не разобрался в текстах ( пусть это сделают другие), я уверен, что у группы получился сильный, убедительный альбом. Второй диск, на мой взгляд, слабее, но это не меняет отношение к группе в целом. После разрыва с производителем METCALFE покидает группу и FANTASY расформировывается. В 1976 DAVID READ, стоящий у истоков группы и вернувшийся гитарист GEOFF WHITEHORN попытались реанимировать FANTASY, записав шесть новых треков, но возрождению одаренной группы не суждено было состояться. Выпущенный в 1992 году, по сохранившейся мастер-тэйп, альбом BEYOND TO BEYOND, в подтверждение первого диска - живое доказательство потерянного талантливого коллектива под название FANTASY, теперь уже превратившего в легенду. В настоящее время стоимость оригинального винила составляет до 300 фунтов, а переизданием CD занялись Англия, Япония, Германия.
Американский рецепт изготовления коммерчески успешного альбома начала 1970-х: 1) берем потенциального композитора; 2) многократно прослушиваем Jesus Christ Superstar и саундтреки Лало Шифрина; 3) пишем с десяток хитовых номеров; 4) подключаем к процессу рок-группу с ритм-н-блюзовым уклоном, эстрадный оркестр, смешанную (м. + ж.) четверку вокалистов; 5) записываем, штампуем. Как говаривал слепой Пью, дело сделано. А если серьезно, получилось великолепно. Это, конечно, не прогрессив. Симфонический поп рок, так, пожалуй, будет правильнее. Яркие мелодии, превосходные аранжировки, колоритные голоса – жутко вкусная вышла пластинка. На что похоже? Черт его знает. Слышится многое: отголоски E.L.O., бродвейских мюзиклов, опусов Эндрю Ллойд Уэббера… В открывающем композицию "Flame in the Well" басовом риффе отчетливо улавливается знаменитое вступление Роджера Уотерса к "Money", хотя ни о каком заимствовании речи быть не может, ведь "Clear Light" и "Dark Side of the Moon" - погодки. В общем перед нами эдакий звуковой оттиск с целой эпохи, воспринимающийся сегодня, прошу заметить, не как образчик антиквариата, но довольно-таки живо и любопытно. Вечные ценности, хмыкнет кто-то. На сей счет промолчу. Не люблю высокопарных фраз. В конце концов, музыка остается. И возвращаться к ней еще предстоит. Уж больно хороша, чертовка.
Одна из тех чудесных пластинок, что обладают тихим, почти магическим притяжением. На своем дебютном альбоме шведский инструментальный секстет представил десять размеренных арт-роковых композиций с фолковым подтекстом. Музыкальный вояж открывается акустической пасторалью “Goodbye Copenhagen”. Продолжение следует в виде Кентерберийского номера “Walks” с обтекаемым электропиано и сдвоенными гитарными партиями. “Freshbaked Bread” возвращает нас на просторы Скандинавии, где тонкий голос флейты выводит замысловатый рисунок под аккомпанемент классической гитары. Таинственный 8-минутный эпик “Foam the Days” поначалу интригует вкрадчивой игрой каждого из музыкантов, а во второй половине являет собою среднего темпа прогрессив, навевающий мысли о Camel. Полуминутная реприза “Reel from Kalman” – флейтовый наигрыш с традиционной основой. Удивительно, но даже заводные по определению фанковые интонации (“Factoryfunk”) звучат у шведов с налетом их «фирменной» меланхолии. “Fatanga Mani” – не-электрический мечтательный этюд от Питера Брюнгельссона с духовой подсветкой. В короткой “Fiottot” слышится замедленная раза в три Samla Mammas Manna. Ближе к финалу команда разражается пронзительной элегией “Calm – Breaking up”, а венчает программу тонкая по мелодике “Pools of Water” с легким джаз-роковым привкусом. Замечательный вариант для всех, кто ценит в музыке нечто больше, чем просто голый нервозный ритм.
Чудесный сплав идей симфо-прога, Кентербери и фолк-рока. Семь композиций, 63 минуты тотального инструментала, проникновенно отыгранного финским квинтетом. Замечательный ретро-саунд, обеспечиваемый Хаммондом B3, мугом и микромугом, прочими синтезаторами. Обилие клавишно-флейтовых пассажей. И над всем этим витает чарующая тень «Снежного гуся». Судя по всему, творчество Camel первой половины 1970-х явилось источником вдохновения для парней из Страны Тысячи Озер. Выбивается из общего ряда лишь вещица под названием Selangor, открывающаяся пением муэдзина. Впрочем, и ее псевдо-арабский колорит подводит к аналогиям с “Rajaz”, а тягуче-летящие гитарно-синтезаторные звуки напоминают о существовании умельцев из Djam Karet. В общем, этот альбом, изданный Mellow Records, – большая радость и бальзам на душу ортодокса от прогрессива.
Отправлено: 07.01.08 18:48. Заголовок: Ой, Серёжа, спасибо тебе за труды твои в эти жуткие праздничные дни +
Неужели они заканчиваются, прости меня Господи. Даже с Рождеством тебя не поздравил, хотя постоянно заглядывал в твою тему и практически всё скачал за эти дни. С Рождеством тебя Сергей! И спасибо за новые (старые) имена и за новые откровения. Я заметил что твою тему уже можно называть "Прогрессив рок на ифолдере и рапиде" Что значит что трудов у тебя увеличилось вдвое. Ты просто молодец! Дай Бог тебе здоровья, а остального ты и сам добьёшся
Спасибо, Евгений, будем стараться на благо товарищей по партии меломанов. А пока перегоняю в эту ветку топик, посвященный английскому камерному ансамблю Karda Estra (почему-то в качестве отдельной темы его не воспринимают; зря, группа-то очень хорошая).
Досье (взято с сайта Electroshock Records - лейбла Эдуарда и Артемия Артемьевых):
Karda Estra - название очень интересного английского проекта, руководимого мультиинструменталистом, композитором и аранжировщиком Richard Wileman (Ричард Вилеман). Музыка группы отдаленно напоминает такой неординарный состав как, например, "Birdsongs Of The Mesozoic"; однако звучание "Karda Estra" гораздо более "тeмное", временами близкое по настроению к некоторым работам Piero Milesi, в частности, "The Nuclear Observatory of Mr. Nanof". Также можно провести параллели с такими авторами как Vangelis, Harold Budd, Daniel Biro и даже Jerry Goldsmith. В основной состав группы помимо Richard Wileman (классическая, электронная и басс-гитары, клавиши, сэмплирование, звуковые эффекты, акустические барабаны и перкуссия) входят Iliesha Bailey (вокал), Caron Hansford (гобой, английский рожок), Zoe King (флейта, кларнет, саксофон) и Rachel Larkins (скрипка, виола). Следует отметить, что группа "Karda Estra" образовалась сразу же после распада первого коллектива г-на Вилемана "Lives & Times". "Karda Estra" - это не единственный музыкальный проект Ричарда. Он успешно сочетает повседневную работу в своей группе с написанием музыки к кино и участием в совместных проектах с различными музыкантами. Одним из таких проектов стал компакт диск "Equilibrium", выпущенный "Electroshock Records" летом 2002 года.
Строго говоря, к року как таковому эта работа мало относится. Хотя бы по причине отсутствия ритм-секции. А вот определить направление будет сложновато. Атмосфера на альбоме камерная, с оттенком неоклассики. Концепция, по словам мультиинструменталиста и единственного композитора группы Ричарда Уилимана, зиждется на короткой истории «The Future Eve», написанной в 1886 автором по имени Viiliers de L'Isle Adam. Музыка удивительной, сдержанной красоты. Печальная и неспешная, изумительно аранжированная. Космический вокализ Айлиши Бэйли, проникновенные партии флейты и струнных, нежные акустические переборы классической гитары - чарующее волшебство Karda Estra. Музыка вне времени, пространства и конкретики. Безмятежность луны, заглянувшей в темное жерло колодца. Электроакустическая эйфория.
Если попытаться выразить ощущение от этого удивительного альбома одним словом, то скажу: м а г и я. Нечто абсолютно волшебное, воздушное, созерцательное, необычайно красивое (не люблю так часто употребляемое некоторыми понятие “эльфийское”, но здесь это подходит на все сто). Работа фактически полностью инструментальная. Возвышенно-нежный вокализ Айлишы Бэйли удачно сопровождает и оттеняет неспешно разворачивающиеся музыкальные полотна. Образы, навеянные пространством и временем, как говорится в буклете. Уникальная камерная атмосфера, внезапно расширяющаяся до масштабов вселенной. Судя по названию треков, источником вдохновения Ричарду Уилиману (основной композитор и инструменталист проекта) послужили разнообразные космические явления. Как бы там ни было, а сравнить эту «вещь в себе» с чем-то еще непросто. На ум приходят разве что The Enid (это касается симфонической составляющей альбома) да Стив Хэккетт (тем более замыкающий трек "Twice Around the Sun" принадлежит его перу). В общем, истинное наслаждение для арт-рокеров всех мастей. Одна из немногих действительных удач лейбла Cyclops Records.
Демиургом быть не просто. А уж когда вашу скромную персону считают “one of the best progressive, contemporary classical music composers to grace the planet today” (Hairless Heart Herald), или высказываются в том смысле, что, дескать, “I don’t think there is anyone else making music of this quality…” (The Borderland), поневоле задумаешься о высоте задираемой творческой планки. Мастермайнд замечательного камерного ансамбля Ричард Уилиман на своем новом творении отошел от электроакустической прозрачности былых полотен. “Voivode Dracula” поражает напряженной мрачностью, казалось бы, несвойственной этому английскому коллективу. Участники те же, инструментарий не изменился, а вот музыка… Бессмертный роман Брема Стокера, вдохновивший Уилимана на создание данного опуса, распространил зловещие готические флюиды на всю партитуру. Рок-составляющая улетучилась, освободив больше места для классики. Временами возникают аналогии с невеселыми произведениями Art Zoyd. Альбом насквозь пропитан безысходностью. Тихой созерцательности, присущей диску “Eve”, нет и в помине. Ангельский вокализ Айлиши Бэйли на фоне тревожных симфонических перепадов ритма. Забудьте о небесных гармониях. К жизни пробудилась темная сторона Karda Estra. Они могут быть и такими. Why not?
Гармоничное слияние всех находок с предыдущих альбомов Karda Estra. Тут вам и электронные кластеры ныне раритетных первых пластинок группы "A Winter in Summertime" (1998) и "Thirteen From The Twenty First" (2000), и лирическая направленность связки "Eve" / "Constellations", и напряженный драматизм "Voivode Dracula". На первый взгляд может показаться, что мастермайнд ансамбля мистер Уилиман пользуется старыми проверенными способами, в очередной раз штампуя себя любимого. Однако же если вслушаться внимательнее, станет ясно: Ричард продолжает открывать новые горизонты, ведя музыкантов к ему одному покуда видимой цели. Мелодическая канва композиций по-прежнему запоминается далеко не сразу, но относить это в минус иль плюс я, признаться, не знаю. Могу сказать лишь одно: мне очень понравилось. Причем, со второго или третьего прослушивания. Понравилось настолько, что сконстролил на тему "The Red Room" видео, использовав в качестве изобразительного ряда репродукции с картин немецкого художника Каспара Давида Фридриха (1774-1840). И, не подумавши, разместил оное художество на YouTube. А спустя некоторое время получил приватное послание от самого Ричарда Уилимана, которому, несмотря на явно незаконное использование его музыки (читай: нарушение авторских прав), клип пришелся по вкусу своей идейной целостностью. Добрый дядечка Ричард даже разместил соответствующую ссылку на страничке своей группы. А ведь мог бы и в суд подать, кабы не великая сила искусства Если интересно, вот ссылка на видео: http://youtube.com/watch?v=21hzJoWMA6c
Спустя три года после замечательного во всех отношениях дебютного диска финны разродились новым альбомом. За это время в стане Groovector свершились серьезные перемены: покинул группу флейтист Тиму Хюнонен. Оставшиеся инструменталисты, решив не тормозить на достигнутом, возвели в ранг музыкальных ориентиров прогрессивный фьюжн (вместо прежнего симфоник-арт-рока), добавили вокальные линии и – вуаля! – пред нами “Enigmatic Elements”. Необычное название ансамбля скандинавские товарищи оправдывают первым же треком: звуковое поле искрится настоящим электрическим грувом, а в придачу – классное соло на «Хаммонде» и крайне заводное настроение, поддерживаемое мастерским сочетанием живых ударных с запрограммированными. Дальше – больше. В “Never Growing Old” нарочито простоватая балладно-акустическая распевка на два голоса в духе Mr. Big переходит в меланхолический прог-рок с красивыми органно-фортепианными партиями и протяжной гитарой. “First Flakes” – созерцательный этюд под саксофон + деликатное фоно. Вкрадчивое настроение едва забрезжившего утра (“Your Light”) сменяется мерцающе-манящим колоритом “Nordic Night”, в которой джазовая канва умело разбавлена трип-хоповыми вставками. Заглавная “Enigmatic Elements” – натуральный прогрессив, основанный на нескольких гитарных рифах, с выразительной клавишной интерлюдией в центральной части. На “Real Mind” можно просто расслабиться, внимая умиротворенно-атмосферному диалогу электропиано и сакса. Замыкающая “Rain On” – фьюжн-пьеса с фоновой гитарой (вспоминается Дэйв Гилмор в “Another Brick in the Wall, pt. 2”), перерастающая в агрессивный натиск. Очень удачный релиз, однако по вкусу придется не каждому.
Рецензия - автор Daydreamer (www.progmusic.ru): Хороший английский симфо-прог. В Tapestry Of Delights пишут, что “в духе Yes” – не врут, местами именно в таком духе, даже манера вокалиста напоминает Андерсона. В некоторых треках (особенно, в A Prayer) чувствуется влияние старинной музыки, в других появляется более жесткое звучание. Плюсом, добавленным к названию оригинального альбома, являются несколько бонус-треков, вполне достойных внимания, хотя один из них – Mellissa – сделан в совсем другом стиле и мне больше напомнил 10cc.
Португальский певец и клавишник Хосе Сид (р. 1942) с конца 1960-х играл в прогрессив-психоделической команде Quarteto 1111, пользовавшейся на родине умеренным успехом. Однако амбициозному органисту хотелось большего - славы. Осознав, что в составе группы искомое ему точно не светит, Сид покинул коллектив и занялся сольной карьерой. "10.000 Anos Depois Entre Vénus e Marte" - пик творческих исканий маэстро. Концептуальный альбом, исполненный в арт-роковом ключе, наделал много шума в среде португальских меломанов. Еще бы! Модная в 1970-е космическая тематика, футуристический саунд синтезаторов вкупе с налетом симфонизма, аналоговые клавишные, рОковые гитары - эдакий местечковый ответ Пинк Флойд. Ну, до британских грандов Сиду, конечно, было не доплюнуть, однако потягаться с германцами Eloy, сотвори он еще пару-тройку релизов подобного толка, вполне удалось бы. Однако приближались 1980-е. И синьор Хосе, сказав "адьос" прогрессиву, стартовал на эстраде в качестве поп-исполнителя. Впрочем, корить его за это не следует: время было такое.
Этнические влияния в музыке JW были ощутимы уже на первом альбоме. С годами ориентальные мотивы лишь усиливались, и к середине 1970-х движущие силы ансамбля в лице Тони Дьюхига и Джона Филда начали ковать новый саунд. “Waves” яркое тому подтверждение. Никаких тебе заигрываний с хард-роком, как это случалось на прошлых пластинках, вокал ликвидирован за ненадобностью. В основании – эпичность и концептуальность + восточный мистицизм. Нагнетание психоделического тумана во вступительной части слегка напрягает. Однако наваждение быстро уступает место астральному блюзу, обильным флейтовым пассажам, свободному фортепианному рисунку от специально приглашенного Стива Уинвуда (ex-Blind Faith, Traffic, solo). Впервые проявляется нью-эйджевое начало (в 1990-х обновленные Jade Warrior придут фактически к чистому нью-эйдж). Вторая половина программы наполнена природными шумами, хрустальными дзэнскими колокольчиками, грозовыми раскатами муга и яркими соло блюз-роковой гитары Дэвида Дьюхига – родного брата Тони. Можно сказать, в действие приводится уникальная формула Нефритового Воина, пространство расцветает красками, которых попросту ни у кого больше и нет. Драйв рождает глубину, и это кажется не более странным, чем традиционные буддистские коаны. Оценка альбома – вещь сугубо индивидуальная, но, честно говоря, оперировать категориями «нравится / не нравится» как-то не тянет, ибо не тот случай. JW привлекают нестандартным мышлением, парадоксальным подходом к выстраиванию композиции. Они самобытны, вот что главное. А все остальное – от лукавого.
Ваган Арцруни, без преувеличения, национальное достояние армянского народа. Просто диву даешься, сколь талантлив этот человек. Композитор, гитарист, певец, выступающий в самых разных жанрах – от авторской песни и симфонической музыки до этнического рока и прогрессива. К последнему из означенных жанров как раз и относится единственный студийный альбом коллектива Artsruni. На диске представлено восемь полноформатных композиций, из которых лишь две с вокалом (на армянском). Отсутствие клавишных совершенно не обедняет звучание. Полифония обеспечивается умелым сочетанием инструментария: акустическая гитара, обильное использование флейты (и отсюда постоянное сравнение с Jethro Tull), разномастные перкуссионные ухищрения, наконец виртуозная работа электрогитариста Вагана Амирханяна, придающего красивейшей, глубоко лиричной и проникновенной музыке мощный хард-роковый импульс. Отдельной похвалы заслуживает ритм-секция в лице ударника Левона Хахвердяна и бас-гитариста Артура Молитвина, чьи смачные плотные «грувы» вызывают неподдельное восхищение. Часть вещей содержит изысканный восточный колорит, отголоски традиционного южно-кавказского народного мелоса. В целом же пластинка разнообразна по настроению (но отнюдь не эклектична): можно и погрустить, и улыбнуться, и ритмично притопнуть ногой, при желании – потрясти хаером, если имеется. В общем, арт-рок в Армении есть. Арт-рок высшего качества. Доказано Artsruni.
Отправлено: 13.01.08 13:30. Заголовок: To Sagael: Спасибо Вам за столь быстрый ответ. Завтра выставлю +
(обязательно постараюсь, если на работе с Нэтом все будет в порядке) обещанное. Надеюсь, что музыка Вам (и всем другим посетителям этой ветки) понравися. Ну а что же с Грузией, Азербайджаном?... Имеющаяся у меня информация очень старая, а поисковики практически не помогают... Всего доброго, MW
Хорошую вещь, как известно, испортить трудно. И применительно к трибьюту столпам британского арт-рока Camel оно справедливо, но с отдельными оговорками. Какими – читайте ниже.
CD 1 1) Проект Evolution – тандем английского бас-гитариста/певца Кена Синиора (ex-Po90, Elegant Simplicity) и норвежского клавишника Бьорна Линна. Ребята сумели обойтись без гитары и живых ударных. Несмотря на это, сыграно «вкусно», с хорошим драйвом. Удивил Синиор: как певец, Кен всегда казался мне недостаточно выразительным. Но здесь его голос звучит крайне похоже на Пита Барденса. Снимаю шляпу. 2) Американцы Glass Hammer умудрились исполнить “Air Born” довольно близко к оригиналу, добившись при помощи аналоговых клавишных атмосферы тепла и душевности. Правда, партии флейты у них синтезированные, зато все остальное очень недурственно. 3) От Cast я ожидал большего. Увы, в своей фантазии на тему “Another Night” мексиканцы выглядят неубедительно, да и характерный неопроговый привкус изрядно поганит дело. 4) «Темная лошадка» Фил Бин на диво лихо расправился с “The Sleeper”, в одиночку отыграв на всех инструментах практически нота в ноту. Вот только соло на саксе слегка подкачали: скорости не хватает. Впрочем, оно простительно (все ж таки не Мел Коллинз). 5) Еще один человек-оркестр Крис Фурнье, более известный как Fonya, вполне сносно исполнил medley “First Light/Rain Dances/The White Rider” (хотя с тембрами синтезаторов можно было поработать более тщательно). Отдельно озвученный господином Фурнье инструментал “Eye of the Storm” воплощен с максимальной точностью (к слову, эта вещь числилась в репертуаре не только Camel, но и Happy The Man; благо, ее автор Кит Уоткинс успел потрудиться в обеих группах). 6) Штатовцы Strange New Toys постарались и выдали очень приятную интерпретацию “Down On the Farm”. Грамотно схвачена суть бодряще-позитивного «верблюжьего» номера. 7) Итальянцы из Algebra подобны экзаменующимся, в каждом шаге сквозит робость. И опять основные претензии к саунду синтезаторов. Кабы не саксофонист с аккордеонистом, взявшие на себя часть клавишных партий, была бы тоска полнейшая. А так хоть что-то. 8) “Drafted” в изложении Aton’s узнать затруднительно. Сильный крен в направлении «новой волны» + на редкость дилетантское программирование ударных. В общем, не фонтан. 9) Итальянские ветераны Zauber представили свое видение композиции “Elke”, некогда подаренной «отцом музыки ambient» Брайаном Ино лидеру коллектива Энди Лэтимеру. Деликатно и симпатично, особенно в сравнении с предыдущим. 10) Casino Del Images доверия не внушили. Их вариант “Tell Me” – женский вокал вкупе с совершенно лишним диско-ритмом. От гармоничной эмоциональности первоисточника тут абсолютно ничего нет. 11) New Credo отличились оригинальностью, уложив «восьмеркой» четыре вещи с двух альбомов, разделенных меж собою полутора десятками лет. Дополнительный плюс в копилку – привлечение классической гитары на пару с флейтой. Еще бы записаться получше, цены бы им не было.
CD 2
1) Энтузиасты из Mysia увлеклись настолько, что дополнили изначально короткую “Pressure Points” творчеством по мотивам. В целом нормально, но не более. 2) Граждане Prowlers, играя “First Light”, заменили клавишное интро гитарным, присовокупили фоновый женский вокализ. Непонятно зачем выведя на передний план ритм-секцию, они вдобавок неоправданно затянули трек, тем самым задолбав окончательно. 3) Notturno Concertante посягнули на гитарный шедевр “Ice”. Однако сместили акценты, сделав упор на клавишные и сократив хронометраж эпика. Любопытно, но на любителя. 4) Finisterre в отличие от коллег догадались задействовать Hammond и меллотрон. Органисту местами не достает легкости и беглости пальцев, гитарреро тоже, при всем уважении, рангом пожиже Лэтимера. Зато голос Фабио Зуффанти откровенно порадовал. Несмотря на все недочеты, твердое «хорошо». 5) Трио Nostalgia заморачиваться не стало. Просто взяли романтическую зарисовку “Long Goodbyes” и разложили на два голоса (мужской—женский). Мило и попсово. 6) Многостаночник Louie Mastro, живущий в США, подошел к процессу ответственно. Его трактовка “Rain Dances” с солирующим гобоем удалась на славу. Да и сыгранная по нотам синтезаторная “Fritha Alone” слушается очень ничего. 7) Другие итальянцы Raindances преподнесли своеобразный римейк на тему “Rhayader”, перещеголяв всех участников проекта. Мистико-психоделическая вариация держит в напряжении до конца, а семидесятническое звучание – дополнительная порция бальзама на душу. 8) Амбициозные англичане Galahad сграбастали лучший трек Camel “Lady Fantasy” и … с треском провалились. Серо, уныло, неадекватно. Дослушать не хватило терпения. 9) Прогрессивный октет Consorzio Acqua Potabile (волынки, дудки, гитары, гобой, меллотрон, прочие незатейливые инструменты) настроились на самый свежий к тому моменту образец творчества Camel – “Harbour of Tears”. Результат, мягко выражаясь, озадачил. Истерические нотки в голосе певца, вольности в музыкальной части. Периодически итальянские мафиози сбивались чуть ли не на хард-рок, чего в этой щемящей элегии отродясь не было. Итог: спасибо за попытку прикоснуться к легенде, но лучше Camel могут быть только Camel. Что и требовалось доказать.
Любимцы лейбла "Classic Rock", одни из скромных героев жанра, по большому счету вынужденных прозябать в тени монстров арт-рока. Да, участники Каравана не были сверхвиртуозами, не вынашивали революционных музыкальных идей. Они просто играли в свое удовольствие. Играли очень английскую по своей сути (несмотря на название) музыку, спокойную и мелодичную, хипповатую и одновременно крайне интеллигентную. Данный альбом - наивысшее достижение "караванщиков". Поклонникам раннего британского прога наверняка придутся по вкусу полифония с хорошими аранжировками, мягкий деликатный вокал Ричарда Синклера, и конечно же шедевральный 23-минутный эпик "Nine Feet Undeground". Приятного прослушивания.
Дебютный альбом англичан, записанный в течение зимы—весны 1975 г., безусловный шедевр мирового симфонического прогрессива. Изданный на CD в 2001 г., он содержит перезаписанную в 1984 г. (в связи с недоступностью руководителю ансамбля Р. Дж. Годфри оригинальных мастер-лент) оцифрованную версию альбома. Первенец The Enid характеризуется прежде всего более плотным, местами тяжелым звуком. Хотя и все атрибуты, свойственные дальнейшим работам команды, здесь наличествуют: романтическая возвышенность и нежность клавишных этюдов, оркестровая мощь, замечательные сдвоенные гитарные партии, придающие особый шарм музыке. Кстати, любопытный момент: изначально альбом, концепция которого зиждилась на символике отдельных карт из колоды Таро, должен был называться “Voyage of the Acolyte”, но из-за возникших проблем с издающим лейблом, выпуск был отложен. А идею подхватил Стив Хэккетт, в результате нарекший именно так свое дебютное детище. В качестве бонусов прилагаются два трека, записанные в 1976 г. – “The Judgement” (переработанная версия композиции “The Last Day”, основанной на мотиве реквиема “Dies Irae” из латинской мессы; эту мелодию также можно услышать на альбоме «Nexus» небезызвестных арт-рокеров Argent) и удивительно светлая “In the Region of the Summer Stars”, пленяющая сказочным колоритом. Для всех поклонников жанра – настоятельные рекомендации к поиску и прослушиванию.
Отправлено: 17.01.08 03:27. Заголовок: Я кстати тоже не слышал The Enid +
хотя почему-то знакома обложка. Естественно мне тоже очень интересно. Буду сегодня скачивать и если группа действительно так хороша - то будут заказы на другие альбомы. Собирать, так собирать! Спасибо Сергей!
В пику предшественнику, этот симфонический рок-шедевр также основывается на единой концепции – средневековой истории о похождениях бравого рыцаря Роланда. Жемчужиной диска можно считать состоящий из 4-х частей эпик “Fand”, надолго сделавшийся «визиткой» группы. Идею этой внушительной композиции Р. Дж. Годфри почерпнул из симфонической поэмы “The Garden of Fand” (1916) сэра Арнольда Бакса (1883—1953). Возросшее мастерство наиболее молодых участников ансамбля позволило выкристаллизоваться специфическому саунду The Enid, на многие годы вперед определившему лицо коллектива. Его отличительные черты – изобретательные, правдоподобно звучащие оркестровые партии, которые Роберт выстраивает с помощью различных моделей меллотрона, клавишных синтезаторов типа Korg Oberheim, String Ensemble и др., а также парящая гитара Стивена Стюарта, тонко гармонизирующая полифоническое великолепие, создаваемое лидером The Enid. Результат - изысканное неоклассическое пиршество. Попутно стоит обозначить один маленький нюанс: на компакт-диске, изданном в 2002 г. лейблом Inner Sanctum, вместо оригинальной версии поэмы представлены две более поздние – 30-минутная образца 1985-го, перезаписанная тандемом Годфри—Стюарт, и 25-минутная, исполненная в 1999 г. Робертом при помощи новых участников The Enid – гитариста Гранта Джеймисона, ударника Криса Норта и бас-гитариста Макса Рида. Объясняется камуфлет проблемами с менеджментом и невозможностью заполучить мастер-ленту с искомой записью.
К конгломерату Годфри—Стюарт—Ликериш—Гилмор—Пэк—Стори добавился гостевой участник – духовик Тони Фрир, отвечающий за гобой и английский рожок. Таким образом, и без того насыщенная до предела звуковая палитра ансамбля засверкала новыми бликами. Несмотря на предоставленное музыкантам роскошное записывающее оборудование, работа над альбомом складывалась непросто, поскольку боссы PYE Records требовали от Роберта программы, сопоставимой по уровню с “Aerie Faerie Nonsense”, а то и превосходящей ее. До шедевра “Touch Me” все же не дотянул. Твердые пять баллов без плюса. Пластинка демонстрирует определенную зрелость и возросшие композиторские амбиции основных инструменталистов. К сочинению музыки вплотную подключился Уилл Гилмор, соавтор (наряду с Годфри и Ликеришем) открывающей альбом бодрой «Humoresque», не менее резвой “Gallavant” с ее бесподобными симфоническими наслоениями и феерическими пассажами в духе классиков венской школы, а также заключительной части полупсиходелического (новинка!) опуса “Albion Fair”, где Годфри сталкивает лбами пространную образность космоса с оркестровой конкретикой и прогрессивными рок-элементами. Релиз определенно получился, однако воздушной легкости предыдущего magnum opus на сей раз не наблюдалось.
Толкинутое название альбома и невнятно-радужное оформление пробудили в душе гамму подозрений: мол, хорошего ждать не стоит. Слава богу, ошибался. Итак, итальянцы. Поющие на английском. Вы еще здесь? Ладно, продолжим. Заглавный 17-минутный эпик исполнен в лучших традициях симфо-прога (ассоциаций тут две: Genesis / Camel; главным образом, последние) с налетом джаз-рока (обильное использование саксофона) и фолк-рока. На последующих композициях картинка, в принципе, не меняется, разве что элементы джаза сводятся к минимуму, а симфо-фолковая составляющая крепнет. Вполне приятный мужской вокал, достойный уровень подачи материала. Не шедевр, но весьма и весьма хороший альбом. Есть мнение, что творчество коллектива повлияло на возникновение знаменитых Finisterre и производных от оного.
Впервые к процессу сотворения композиций подключились все музыканты состава. Отсюда некоторая эклектичность материала. В центре открывающей диск “Punch & Judy Man”, сочиненной Гилмором и Годфри, идея единства противоположностей. На звуковом уровне это выражалось в контрастном соотношении напористых агрессивно-скоростных пассажей Уильяма и нежнейших этюдов Роберта. Своеобразная дуэль органистов при поддержке команды инструменталистов-болельщиков заканчивалась полнейшим перемирием. Номер “Once She Was”, принадлежащий перу дуэта Рассел—Годфри, в основе своей имел традиционную мелодию “Scarborough Fayre”. Воздушная оркестровая композиция, в которой явственно различим английский средневековый привкус, под занавес обретала тяжеловесность, покрывалась броней доспехов, до конца, впрочем, не маскирующих почти детские любопытство и задор. Бравурная и несколько суматошная “The Ring Master” с кучей ритмических сбивок и разнокалиберных мотивационных ходов – результат коллективного труда Рассела—Годфри—Гилмора—Добсона. Окрашенная в возвышенные тона “Sanctus”, написанная клавишным трио, послужила своеобразным трамплином для Гилмора и Рассела, от которого они оттолкнутся позднее в рамках собственного проекта Craft. Что касается композиторских талантов ветеранов-основателей Стюарта и Ликериша, то первый сумел раскрыться на “Hall of the Mirrors”, где в качестве рассказчика выступает острое жало гитары, обрамленное оркестровыми кружевами, а Френсис проявил себя на треке “The Dreamer”, доведенном до ума Робертом Годфри и Робби Добсоном. Здесь хаотичное психоделического свойства intro перетекает в размеренный романтизм: фортепиано, синтезаторы, выпуклый бас и, конечно же, плавные гитарные партии. Несмотря на привлекательность отдельных вещей, особая магия, свойственная концептуальным шедеврам The Enid второй половины 1970-х, улетучилась в неизвестном направлении.
Lethe – одна из жемчужин голландского прогрессивного рока, яркий и самобытный коллектив, чей единственный, сугубо инструментальный альбом ни в чем не уступает опусам именитых соотечественников – Focus, Finch и Supersister. Костяк группы составили три школьных приятеля, некогда участники симфо-прогового ансамбля Mirror: Philip de Goey (piano, oboe, flute, cor Anglais), Johan Saanen (bass) и Kees Walravens (guitar, classical guitar). Доукомплектованный парой музыкантов (Thuur Feyen – organ, piano, strings; Hans Lambers – drums, percussion, xylophone, vibraphone, strings) состав приступил к репетициям в 1978 г. А спустя три года немногочисленная армия рок-интеллектуалов получила роскошный подарок. На диске четыре композиции. Открывающаяся птичьими трелями и журчанием воды камерно-акустическая “Lethe” настраивает на вполне безмятежный лад. Фортепиано, классическая гитара, английский рожок, гобой, прозрачное струнное обрамление – никакой электроники. Все дышит красотой и покоем. Расслабляешься, готовясь к аналогичному продолжению. Но, как говаривал старый мудрый ребе в известном анекдоте, не дождетесь. “Avebury Circle” – подлинная «обманка». Поначалу джазовое пиано ведет умиротворенный диалог с маскирующимся под сакс английским рожком, чуть погодя в их беседу вклиниваются глубокие басовые нотки и негромкие электрогитарные обертоны. А дальше – истинное пиршество для любителей зажигательного симфонического прогрессив-фьюжн. Точеные партии каждого инструмента, необычные звуковые решения (чего стоят короткие хард-блюзовые вспышки на фоне клавесина). Полистилистика изумляет. Бесконечное разнообразие сменяющих друг дружку в рамках одного трека музыкальных тем. В третьей вещи под названием “Cold in fingers” слушателя подстерегают классный «Хаммонд» и флейта в духе Jethro Tull, бесподобные басовые пробежки и колоритная гитара. Заключительная “Le Tombeau II” – терпкий изысканный фьюжн, способный с лихвой удовлетворить аппетиты гурманов и ценителей жанра. Золотой фонд прогрессива, нестареющая классика. N.B. Запись сделана с винила.
В 1970—80-е Дункан МакКэй являлся весьма уважаемой персоной в британских арт-роковых кругах. Его партии звучат на альбомах The Alan Parsons Project (1977—79), 10 CC (1978—83), Camel (1981) и других известных исполнителей. Однако в рамках означенных программ развернуться мощному таланту этого молодого человека было сложно. Если уж говорить начистоту, в чужих проектах роль МакКэя фактически сводилась к фоновой работе. Чего не скажешь о «Химере». Никаких гитар. Ритм-секция + тяжелая артиллерия в виде разнокалиберных клавишных. Три монструозных эпических композиции. Легкая наивность отдельных фрагментов свидетельствует о пограничном характере альбома: своеобразный водораздел меж прото-прогом и полноценным артом. Редкие вокальные вкрапления (голосовой тембр маэстро весьма схож с Бадди Лаки из Psychotic Waltz). Но самое главное – умопомрачительная игра Дункана. Столь фантастическую технику редко встречаешь даже в арт-роке. Сравнения напрашиваются сами собой: Кит Эмерсон, Рик Уэйкман, отчасти Джон Лорд… Искрометный, местами неоклассический прогрессив с обильными поливами «Хаммонда» и чистого фортепиано. Зажигательный драйв при полном отсутствии пафоса. Всем любителям игрового симфонического прогрессив-рока, жаждущим новых открытий в привычной для них области, – самые настоятельные рекомендации к поиску данной пластинки. N.B. Запись сделана с винила
Янне Шаффер - один из самых уважаемых шведских музыкантов, чья карьера началась на излете 1960-х. Виртуозный гитарист, он работает на стыке жанров. В палитре его альбомов можно обнаружить и джаз-роковую фразировку, и отголоски нордического фольклора, и псевдо-симфонические виньетки, и даже этнические влияния индийского и арабского происхождения. Дабы не углубляться в стилистические дебри, обозначим игровую манеру Шаффера просто: инструментальный фьюжн. Всем любителям разноплановой, но непременно качественной музыки - настоятельно рекомендуется.
Рецензия (автор Илья Прутов - www.progmusic.ru): Один из ранних проектов Стива Хиледжа и Дэйва Стюарта, созданный до того, как Хилледж успел прославиться в Gong, а Стюарт – в Hatfield And The North и других кентерберийских группах. Увы, записала группа всего один, зато великолепный альбом, основанный на... научной фантастике – не очень-то характерно это для кентерберийцев! Хотя, с другой стороны, вся эта научно-фантастическая концепция альбома могла быть не чем иным, как просто шуткой. Великолепные гитарные партии (не соло, именно – партии, так как, при всем влиянии джаза, альбом вполне симфонический, с упором на композицию), клавишные – выше всяких похвал, вообще Дэйв Стюарт – гениальный органист, пожалуй, превосходящий по изобретательности даже таких мэтров, как Кейт Эмерсон и Рик Уэйкман. И, в отличие от них, его манера игры более сдержанная и неброская. В общем, – раз услышишь, как он играет, - запомнишь навсегда! Иногда в музыке появляются хард-роковые интонации, иногда это больше напоминает мягкий, симфонизированный джаз-рок, вокальные партии очень хороши, иногда даже с цыганской интонацией, как у легендарных Vanilla Fudge, но, опять же, более сдержанные и уравновешенные. Мощный баритон – голос Ника Гринвуда, а несколько выше и нежнее поет сам Стив Хиледж. Гитара Хиледжа, как всегда, легко узнаваема, хотя на этом альбоме он играет более традиционно, иногда даже с блюзовыми интонациями. “Shanty” – название песен, которые пели матросы, в данном случае – матросы, очевидно, были космические. Замечательный, единственный в своем роде альбом – рекомендую не только любителям кентерберийского арт-рока, но и всем тем, кому просто нравится хорошая музыка, - вне зависимости от стилевой принадлежности.
Достаточно самобытный итальянский коллектив, успевший выпустить на заре 1970-х лишь один безымянный альбом. Симфонический прогрессив-рок по рецепту Campo Di Marte - это яркая смесь камерной фолк-музыки с нежной флейтой, акустической гитарой и органом, драйвовых хард-роковых риффов и соло на меллотроновом фоне плюс пение на родном языке. Повторюсь, команда весьма интересная, однако шансов выжить в период расцвета и господства титанов жанра у них практически не было. Впрочем, записи, как и рукописи, не горят, а потому прошу любить и жаловать.
Третий и последний альбом любопытной британской прото-прогрессивной банды. Из рядов соплеменников эти бойцы выделялись наличием в составе сразу двух духовиков, что обеспечивало плотный и насыщенный саунд. В качестве органиста здесь засветился Пол Каррак, впоследствии приобретший известность, и как сольный исполнитель, и как фронтмен группы Mike & the Mechanics, а также сотрудничавший с Roxy Music, Эриком Клэптоном, Стивом Хэккеттом и другими хорошими людьми. Что до музыки Warm Dust, то она являет собою комплексную структуру, в которой на равных сосуществуют блюз-рок, джаз-рок в духе Blood Sweat & Tears, фолк, элементы классики (обработка прелюдии из "Ночи на Лысой горе" Модеста Петровича Мусоргского), а собственно прогрессив представлен 18-минутной сюитой "Blind Boy" с шикарной работой ритм-секции, а также великолепными пролонгированными партиями флейты и сакса.
“Something Wicked This Way Comes” (1983) открыл новую веху в биографии The Enid. Полноформатные симфонии, рассчитанные на интеллектуального слушателя, уступили место песенным номерам. Хотя, справедливости ради, отмечу, что оркестровый принцип сотворения мелодий никуда не исчез. Годфри и Стюарт вышли на тропу эксперимента, скрещивая различные музыкальные стили и жанры в причудливых вариациях. Сквозной концепцией пластинки стали размышления на тему незащищенности человечества пред лицом ядерной угрозы. Начало альбома – вычурная симфоническая психоделия “Raindown” с разномастными звуковыми эффектами и непривычным вокалом Роберта, подкрашенным вокализом Стивена. В красивейшем инструментальном опусе “Jessica” легкая фолковая мелодика плавно трансформируется в изысканный неоклассический рисунок, отсылающий к временам “In the Region of the Summer Stars”. “And Then There Were None” воспринимается как песенка из гипотетического мюзикла, очаровывая шикарным распределением голосовых партий, исполненных с необходимой толикой драматизма. В сдержанно-меланхоличной “Evensong” Годфри мастерски синтезирует соло на «трубе» в дуэте с гитарой Стюарта и оркестровым сопровождением. Этот, несомненно, один из лучших инструментальных этюдов за всю историю группы, получает логическое продолжение в не менее классном номере “Bright Star”, где симфонические ингредиенты соседствуют с элементами спейс-рока. “Song for Europe” заключает в себе маршевые структуры с тяжеленными риффами, гудящими фанфарами и сметающими все живое ударными. Финальная 10-минутная “Something Wicked…” открывается мягким джазовым фоно и блюзовой гитарой, а далее следуют вокальные экзерсисы обоих сочинителей, хард, симфо, романтический балладный антураж и неуловимо знакомое нечто, так часто присущее рок-операм. Достойное завершение альбома, вполне способного претендовать на звание музыкального шедевра 1980-х (CD-издание 2002 г. украшено гордым подзаголовком “20th century masterworks”).
Замечательный мастер акустической гитары, хорошо известный за рубежом как исполнитель в жанре world music/fusion. В отличие от «живого» альбома «Земля, где ночует солнце», насыщенного виртуозными пьесами, покрывающими пространство от славяно-балканского фолка до фламенко, эта студийная работа другого плана. По определению издателей – компании Sketis Music, здесь имеет место лирическая инструментальная музыка, в которой «нет сложных композиционных построений, нет идейной подоплеки, нет нарочитой виртуозности». Очень красивые и проникновенные мелодии, исполненные с душой и подлинным талантом. Помимо постоянного аккомпанирующего состава (сына И. Смирнова – Михаила, ответственного за клавиши, аккордеон и перкуссию, а также духовика Сергея Клевенского), на альбоме гостят: Ахмад Бакаев – клавишные, Андрей Звонков – эл. гитара, Александр Дулов – эл. гитара, Дмитрий Севастьянов – барабаны, Юрий Мамаев – бас-гитара, Павел Григорьев – саксофон, Михаил Соколов – перкуссия и струнный квартет п/у А. Бакаева. И если вы любите музыку, в которой сплетаются радость и светлая грусть, соленый морской воздух и бег по залитому солнцем берегу, этот альбом для вас.
"Посвящается памяти моего друга Фрэнка Заппы, человека удивительной доброты, глубины и искренности. Его поразительные одаренность и своеобразие в музыке проявились так же ярко во всем, чем он занимался. Он навсегда останется в моей памяти как гениальная личность эпохи возрождения - Дон Кихот конца ХХ века". Что ж, старина Фрэнк мог бы порадоваться за своих русских друзей и коллег, записавших этот альбом. Стас Намин, а также Павел Титовец, Николай Девлет-Кильдеев, Сергей Воронов, Александр Любарский, Александр Солич и Сергей Титовец демонстрируют классную музыкальную спаянность, полное взаимопонимание и умопомрачительное владение инструментами. Для поклонников смачных гитарных риффов и пронзительных соло данный релиз просто находка.
Арсенал - живая легенда отечественного джаз-рока, пижоны от музыки, никогда не шедшие на компромиссы. Многие годы ансамбль являлся творческой мастерской, в которой набирались опыта ныне именитые артисты (например, гитаристы Виктор Зинчук и Иван Смирнов). Пролонгированные инструментальные пьесы Арсенала практически не звучали на радио, ансамбль редко появлялся на телеэкранах. Тем не менее, их концерты всегда собирали полные залы. Истосковавшийся по настоящей, профессионально исполненной музыке слушатель получал здесь искомое. Так было, и так есть. История продолжается.
«Избранное за сорок лет» - такой подзаголовок украшает коллекционное издание записей именитого музыканта, композитора, джаз- и рок-просветителя и просто замечательного человека. Двойной CD содержит 21 пьесу. Композиции разбиты по хронологии и наглядно демонстрируют пресловутый генезис творческого пути маэстро. От чисто джазовых номеров «доарсенального» периода («Осенние размышления», «Гороскоп») сквозь мощные прогрессив-фьюжн полотна («Сюита Ля-бемоль мажор», «Посвящение Махавишну», «Свет на пути» и др.) к синтезу с академической камерной музыкой («Вспоминая “Эстрелиту”», «Памяти Николая Заболоцкого») и Арсеналу образца XXI столетия («Эхо – вальс во французском стиле», «Небесный голос»). Мастерство, вдохновение, профессионализм. Высочайшее качество материала. Во всех отношениях превосходный релиз.
Второй сольный альбом лидера легендарных команд "Високосное лето" и "Автограф" вышел в США на собственном лейбле старины Сита. Пластинка придется по вкусу любителям виртуозных гитарных инструменталов. В записи принимали участие бас-гитарист Леонид Гуткин (Автограф), клавишник Руслан Валонен (Автограф) и ударник Ник д'Вирджилио (Spock's Beard).
Музыкальная карьера голландского органиста-виртуоза Рика ван дер Линдена (1946 - 2006) стартовала в 1958 г., когда одаренный юноша сделался участником ансамбля The Jokers. Потом были эпохальные, прогремевшие на весь мир Ekseption - группа, ставившая во главу угла дело популяризации классического наследия европейских композиторов прошлого. После распада Ekseption в 1973 г. эстафету принимает основанная ван дер Линденом симфо-проговая команда Trace. Последние записывают три симпатичных пластинки и благополучно прекращают свое существование. Рик с головой уходит в сольную деятельность. Предлагаемый вашему вниманию альбом 1977 года - вторая позиция в дискографии ван дер Линдена. Фигурирующая в названии диска аббревиатура GX 1 служит обозначением модуля синтезатора Yamaha GX-1, сооруженного в 1973 г. В целом пластинку, записанную маэстро Риком в одиночку, можно рассматривать как впечатляющую по тем временам демонстрацию возможностей этого колоссального агрегата (консоль весом 300 кг.!). В музыке особых открытий нет, всего лишь небольшая жанровая прогулка: немного классики от старины Баха ("Double Flute X 2", "Bachatel"), порция танцевальных диско-ритмов, щепотка тягучей атмосферной электроники и т. д. Остается лишь добавить, что спродюсирован альбом другим маститым клавишником и любителем симфонических изысков - Тоном Шерпензелем, основателем легенды голландского арт-рока Kayak.
Отправлено: 25.01.08 08:25. Заголовок: to Dvv: в ближайшие ..
to Dvv: в ближайшие дни исполню.
to Efim: да, Lady Lake - классная группа. Вообще у голландцев музыкальная сцена - одна из самых серьезных в Европе. Группы словно на подбор. И не только в проге.
На очередном программном релизе маэстро воплотил свое видение смены сезонов. «Времена года» Р. Дж. Годфри озвучил при помощи Стивена Стюарта, бас-гитариста Глина Эванса и старого знакомого – ударника Дэйва Стори. “Winter” – тревожное оркестровое интро получает неожиданно мощное развитие. Чародей клавиатуры Роберт погружает слушателя в океан настроений, образов и соцветий: журчание арфы, размашистая симфоническая поступь, наслоения псевдо-струнных… При этом хитрюга Годфри умудряется оставаться приверженцем пронзительного лиризма, смело прокладывающего дорогу сквозь самые мрачные уголки звукового пейзажа. “Spring” – к действиям органиста подключаются другие участники. Звонкое акустическое треньканье гитары Стюарта невесомым эхом кружится подле основной мелодической линии, выводимой мастермайндом The Enid. Вальсовый проигрыш – и снова ритмичный калейдоскоп разнообразных шумовых эффектов, потусторонних отголосков и мечтательно настроенных клавишных. Удивительная композиция, чем-то напоминающая отдельные сочинения Г. Свиридова. “Summer” изначально подается как фортепианный этюд с легкой атмосферной подсветкой. Роберт еще раз убедительно доказывает свою состоятельность в деле написания романтической классики. Но вот трубят фанфары и в ход вступают вокальные резервы маэстро, производящие странное мультяшное впечатление. В структуре «Лета» переплетаются такие несовместимые, на первый взгляд, музыкальные течения, как ритмы регги, «белый» блюз-рок и европейская сонатная традиция. Легкомыслие солнечных дней разрушает “Autumn”, где наметившаяся оркестровая напряженность транскрибируется в почти вангелисовскую воздушность. Несуетную сказочную нежность вновь закрывают тучи, призванные развеять иллюзию счастливого финала. И все же сквозь непогоду и хмурь прорастают мажорные ноты, внушая: будет лучше. Outro. Ритмично-истеричный номер “Elephants Never Die” наряду с поп-психоделической составляющей несет в себе латиноамериканский колорит (cameo). Незамысловатая инструментовка, дурашливый текст и невесть зачем вплетенный в музыкальный ряд фрагмент уже знакомой мессы Dies Irae. Закрывает альбом “The Sentimental Side of Mrs. James”, изначально предназначавшийся друзьям Роберта в качестве музыкального подарка на свадьбу. Слова добавились позже, когда молодое семейство потеряло ребенка. Досочиненная при помощи Стюарта, эта печальная баллада стала своеобразным посвящением.
Крайне интересная немецкая команда, неплохо стартовавшая в начале 1970-х. "Fading Beauty" - дебютная и наиболее сильная пластинка коллектива. Первую сторону диска занимает поэтичная инструментальная дилогия "Осенняя фантазия", состоящая из двух продолжительных треков - собственно "Fading Beauty" (12:08) и "Lingering Cold" (10:25). На второй стороне расположился внушительный 22-минутный эпик "Tharsis". Что касается музыки, то перед нами симфо-прог, сочиненный по довольно оригинальным рецептам и фактически без реверансов в сторону британских классиков жанра. Композиции лиричные и неспешные, полные сдержанной красоты, хранящие осеннюю печаль и хрупкость. Саунд-палитра полна звуками органа и меллотрона, сочетанием акустики с натиском электрогитар... В общем, очень пристойный релиз, заслуженно переизданный в 1991 году на CD американским лейблом "The Laser's Edge".
Отправлено: 25.01.08 17:32. Заголовок: Сергей - опять целая лавина музыки!!! +
Восхищаюсь и преклоняюсь - когда ты успеваешь. И опять очередной альбом The Enid. Не слабая у них получается дискография - я так понимаю это не последний? Спасибо огроменное - теперь не могу представить, как мы раньше жили без этой темы?! P.S. Сергей, а не ты под таким же ником (sagael) выкладывал у Алёны Ариэль "Утро планеты". Если это был ты - можещь залить здесь. Там уже всё убито
Отправлено: 25.01.08 20:47. Заголовок: Да восхищаться-то ос..
Да восхищаться-то особо нечем, Евгений, я ж для общего блага стараюсь. А то засилье попсы в теле-радио эфирах угнетает сверх всякой меры. У The Enid действительно приличная дискография и, в принципе, все их альбомы достойны быть услышанными. Так что попытаюсь максимально полно удовлетворить меломанское любопытство присутствующих У Алены я выложил 364 альбома и все это к превеликому сожалению накрылось медным тазом после пресловутой вирусной атаки. "Ариэль" перезалью без проблем, пластинка и впрямь хороша в музыкальном отношении.
Джон Джи Перри в 1970-е гг. был одним из самых востребованных в Англии сессионных бас-гитаристов. Сотрудничал с Caravan, Энтони Филлипсом, массой других артистов. Однако лучше всего проявил себя в составе великолепного арт-фанкового ансамбля Quantum Jump, с которым записал два достойных альбома. Сольное творчество маэстро (по крайней мере данный релиз) отличается от всего, сделанного им "на стороне". Максимум оригинальности, минимум сравнений с кем бы то ни было. "Sunset Wading" невозможно охарактеризовать одним-двумя терминами. Это некий водораздел жанров, звуковое поле, сотканное из различных элементов по законам, ведомым одному лишь мистеру Перри. К работе над пластинкой Джон привлек старых друзей и коллег: ударника Майкла Джайлза, органиста Руперта Хайна, перкуссиониста Морриса Пирта, альтиста/флейтиста Джеффри Ричардсона, духовика Элио Д'Энна, гитариста Каррадо Рустиччи, а также камерный арт-роковый квинтет Penguine Cafe Orchestra под управлением Саймона Джеффса. В 13-м треке отметился никто иной как Роджер Гловер (Deep Purple), сыгравший здесь на синтезаторе A.R.P. 2600. О музыке. Это не похоже на сольник басиста, это вообще ни на кого не похоже. Натурфилософские зарисовки, граничащие с нью-эйдж стилистикой, трели струнных, воздушные наслоения клавишных, деликатная гитара, неброская атмосферная психоделия, пара резвых композиций в манере игрового прог-рока... Эдакий микс из звуковых настроений конца 1960-х - первой половины 1970-х, образующий целостную, прелестную в своей глубине и ненавязчивости картину. Очень симпатичный альбом, рекомендуемый всем без исключения.
Как известно, Питер Барденс - это ум, честь, совесть, голос и клавиши Camel классического образца. Однако музыкальная карьера прекрасного (и, увы, уже покойного) органиста началась в далеком 1963 году. До того, как присоединиться к Верблюдам, маэстро успел поиграть с Миком Флитвудом и Вэном Моррисоном, организовал команду Shotgun Express с Родом Стюартом и Берилом Марзденом, а в 1970-м выпустил первый сольный альбом. "The Answer" - это воплощение того лучшего, что царило на британской ритм-энд-блюзовой сцене конца 1960-х. Все композиции альбома написаны Барденсом единолично и демонстрируют определенную творческую зрелость и состоятельность неприметного клавишника, доселе остававшегося в тени своих именитых коллег. Несколько манерный, ядреный прогрессив-блюз бесконечно далек от того, что делали Camel, но по-своему интересен. Питер отбрасывает природную скромность и при участии группы товарищей поддает жару не хуже какого-нибудь Сантаны. Особенно хорош в этом отношении венчающий пластинку 13-минутный эпик "Homage to the God of Light" - единственный номер из сольного наследия Барденса, позднее исполнявшийся на концертных выступлениях Camel.
Отправлено: 26.01.08 21:02. Заголовок: На здоровье, Евгений..
На здоровье, Евгений. Для меня Camel - это группа если и не №1, то уж в тройке самых-самых несомненно. Люблю давно и беззаветно. А теперь оставшаяся часть заказов из серии "По вашим просьбам".
Своим существованием ансамбль Isotope обязан в первую очередь гитаристу Гэри Бойлу. Поднабравшись опыта в джаз-роковом проекте Брайана Оуджера Trinity, он решил сформировать собственный коллектив для исполнения всецело инструментальной музыки в стиле фьюжн. К работе, помимо Гэри, вскоре подключились клавишник Брайан Миллер, ударник Найджел Моррис, а также бас-гитарист Джефф Клайн. Результатом сотрудничества стал первый безымянный альбом Isotope. Вполне приличный игровой джаз-рок по своей подаче напоминал соотечественников Gilgamesh и National Health. Материал пластинки воплощен, быть может, и не столь виртуозно, как у вышеназванных собратьев по цеху, однако не будем умалять явных достоинств релиза. Это композиционно хорошо продуманная и прекрасно сыгранная музыка. В процессе сотворения второго альбома Миллер с Клайном решили покинуть Isotope. Вакантные места пополнили маститый бас-гитарист Хью Хоппер (ex-Soft Machine) и органист Лоуренс Скотт. Вышедший в 1975 году “Illusion” явился развитием музыкальных структур предшественника, продемонстрировав определенную идейную зрелость и вдохновленное исполнительское мастерство всех участников ансамбля.
1983 г. «Мелодия». Группа «Ариэль» — рук. В. Ярушин. Рок-сюита «Утро планеты» (музыка Александра Морозова). 1. Вступление 2. СОС 3. «Монолог падающей бомбы» 4. «Страшный сон» 5. «Утро планеты» 6. «Гроза» 7. «Заклинание» 8. «Кто с нами?» Слова С. Романова (2-5, 7), Н. Тряпкина(8).
Отрывок из аннотации на конверте пластинки: "Сюита не имеет конкретного сюжета; она выстроена, скорее, по стадиям эволюции духовного состояния человека, нашего современника, кристаллизации его гражданской позиции <...> Музыка сюиты построена на контрастах: красота природы, свет мирной жизни и исчадия мрака, порождения духа войны составляют ее основу. Фольклорные мотивы, легкие джазовые аранжировки соседствуют с резкими ритмами "тяжелого рока", щемящими блюзовыми интонациями. Музыкально-тематический конфликт разрешается в финале-кульминации, светлом гимне, утверждающем незыблемую решимость народов отстоять новое утро планеты, сохранить нашу землю" (А. Троицкий).
Отправлено: 27.01.08 11:04. Заголовок: Еще один перегон из ..
Еще один перегон из архива, чтоб долго не разыскивать:
Досье: Jan Hammer 17.04.1948, Прага, Чехословакия
Пианист, исполнитель на электронных клавишных инструментах, один из первых чешских музыкантов, получивших признание в США.
Рос в музыкальной семье. Отец — Ян Хаммер-старший — играл на вибрафоне и был одним из организаторов джазового движения в Чехословакии, мать — вокалистка Власта Прухова. В 12 лет Ян-младший аккомпанировал матери, а в 13 лет стал пианистом в биг-бэнде Карела Краутгартнера. Учился в консерватории, в 14 лет собрал Junior Trio (с контрабасистом Мирославом Витоушем и его братом, барабанщиком Алланом Витоушем), которое выступало на фестивалях в Праге. В 1966 как победитель венского конкурса молодых джазовых исполнителей получил стипендию для учебы в школе Беркли (Бостон, США). В 1968 году окончательно уехал из Чехословакии, полтора года играл в барах Бостона, почти год (1969) аккомпанировал Саре Воэн, гастролировал с ней в Канаде и Японии, а в 1970 году переехал в Нью-Йорк по приглашению Джереми Стейга. Известность принесло сотрудничество с Джоном МакЛафлином — в 1971–74 Хаммер играл на электропиано в Mahavishnu Orchestra. В 1974–75 вошел в группу Билли Кабэма Spectrum.
В середине 70-х годов увлекся синтезаторами (в том числе миди-синтезатором), добился точного воспроизведения звука электрогитары, сотрудничал с Джоном Аберкромби и Джеффом Беком. В 1976 году организовал квартет со скрипачом Стивом Киндлером, бас-гитаристом Фернандо Саундерсом и барабанщиком Тони Смитом. В 1980 году играл с Дидье Локвудом. В 80-е годы прекратил выступления, посвятив все время сочинению музыки. Написал музыку к популярному сериалу "Полиция Майами. Отдел нравов". Главная музыкальная тема сериала была выпущена отдельно и стала в США хитом. Кроме того написал музыку к одной из самых популярных компьютерных игр.
Данная программа – концептуальная инструментальная сюита в 7 частях, стилистически попадающая в разряд «прогрессивная электроника». Как можно догадаться из названия, речь идет о библейской истории сотворения мира. Серьезная работа, базирующаяся на многообразии клавишного саунда (муг, меллотрон, электрическое пиано, синтезатор Оберхейм с его оркестровыми красками и др.). На нескольких треках эпизодически участвуют скрипач Стив Киндлер и перкуссионист Дэвид Эрл Джонсон. В звуковой палитре интересным образом сочетаются эпический размах, психоделические моменты, классический арт-рок, вкрапления этно-фьюжн и проч. 40 минут интригующе-загадочной музыки.
Альбом реализован силами полноценной группы и стилистически продолжил линию, заданную первыми альбомами Оркестра Махавишну. Первое место в саунде, естественно, за клавишными. Наряду с привычным электропиано Хаммер широко использует возможности синтезатора Муга, а также его подвидов вроде Полимуга и связки Minimoog-Oberheim, применяемой им для эффекта присутствия лид-гитары (за вычетом оной). Не отстает от маститого колеги и скрипач Стив Киндлер, чьи акустическая и электрическая скрипки вьют настолько виртуозные скоростные кружева, что местами дух захватывает. Прекрасна и ритм-секция, представленная чернокожими весельчаками Саундерсом и Смитом. Для любителей игрового прифанкованного фьюжн данная пластинка в категории a must have.
Альбом "Мелодии" закрепил находки предыдущей пластинки. Все тот же состав музыкантов. Подача материала сделалась более спокойной и лиричной, к обилию синтезаторов добавился меллотрон. Вокальных пьес на диске не в пример больше предшественника. Особенно удались джаз-роковая композиция "Peaceful Sundown" и почти что баллада "Don't You Know". В 1994 г. инструментальные вариации двух этих вещей маэстро включил на свой новый диск "Drive".
Кинолента «Газонокосильщик» (The Lawnmower Man), впервые продемонстрировавшая человечеству, что такое виртуальная реальность, подтолкнула руководство некоторых компьютерных фирм к мысли всерьез заняться разработкой новых технологий в схожем ключе. Американская компания Miramar в содружестве с японскими 3-D аниматорами взялась за создание видеопрограммы, целиком и полностью состоящей из непродолжительных компьютерных клипов, частично основанных на образах вышеупомянутого «Газонокосильщика». Открытым оставался вопрос музыкального оформления. И тут на горизонте замаячила фигура маститого клавишника Яна Хаммера. Пылающий энтузиазмом ветеран джаз/прог-рока сочинил четырнадцать инструментальных тем, максимально органично вписавшихся в анимированное действо. Просматривая конечный результат, сознаешь: более точный выбор композитора вряд ли возможен. Достоинства музыки Хаммера оказались столь очевидными, что вопрос издания ее в виде самостоятельного альбома решился мгновенно. Так чем же она хороша? – спросит любопытствующий меломан. Мелодикой, отвечу я. Ни единой проходной вещи. Каждая композиция излучает собственную яркость и моментально врезается в память. Уметь писать «цепляющие» инструменталы – это, знаете ли, тоже искусство. Великий и ужасный Ян Хаммер довольно лихо синтезировал мягкий негрузный фьюжн с коммерческими электронными тенденциями, аранжировав столь искусно, что американские обозреватели, источая восторги (один из критиков сравнил “BEYOND…” с «Фантазией» Уолта Диснея), поместили диск в категорию «прогрессив». Бесспорно, легкий бриз арт-рока здесь прошумел, однако во избежание дискуссий и споров будет лучше соблюсти нейтралитет, охарактеризовав пластинку как саундтрек, чем, по сути, она и является. Любителям мелодичной инструментальной музыки настоятельные рекомендации к поиску и прослушиванию.
"Drive"(1994), записанный через год после выхода во всех отношениях яркого диска "Beyond the Mind`s Eye", стилистически продолжил линию предшественника. Все те же недлинные инструментальные пьесы - образные, целостные и весьма мелодичные. Заметно усилилась джазовая составляющая, но оно и понятно: ведь к созданию албома были привлечены такие музыканты, как саксофонисты Стэн Харрисон и Майкл Брекер, а также монстр гитарного фьюжн маэстро Джефф Бекк.
“The Seed & The Sower” – одна из самых путанных глав в истории The Enid. Многие почитатели группы до сих пор не решили: считать ли его номерным релизом в дискографии любимой банды (первое издание на CD было украшено типично Enidовой «шапкой»), либо рассматривать как прощальный акт взаимодействия двух основных направляющих – композиторского тандема Годфри—Стюарт? Единственный, не вызывающий разногласий момент заключается в том, что сюжетная канва диска базируется на одноименной книге Лоренса ван дер Поста. В музыкальном же отношении мы имеем совершенно несвойственный для эпохи поздних восьмидесятых продукт. Зрелый, богатый оттенками, поразительно красивый и глубокий симфонический арт. И если первая вещь “Chaldean Crossing” с незатейливыми для такого аналогового мастодонта, как Р.Дж. Годфри, синтезаторными переливами, еще навевает мысли о помеси «новой волны» с элементами нью-эйдж, то далее наступает невыразимый словами момент блаженного просветления. Галерея совершенно ирреальных в своем великолепии образов, которые после монотонного эксперимента в виде пластинки “Salome” (1986) иначе как чудом не назовешь. Роберт выдал нечто, граничащее с гениальностью. Поиски оптимальной звуковой формы для воплощения заданной концепции увенчались балансом меж тонкой, бесконечно изящной атмосферной игрой и полифонической оркестровой мощью. Берущие за душу партии духовых от Троя Донокли (позднее работал в команде Iona), маленькие перкуссионные хитрости Дэмьена Риздона, ну, и конечно, знакомая гитара Стивена Стюарта – ближайшего сподвижника/соавтора маэстро Годфри. В сравнении с лучшими программами The Enid периода 1970-х “The Seed & The Sower” выглядит ничуть не слабее, а, быть может, более убедительно и ярко. Верные поклонники коллектива удостоились по-настоящему королевского подарка.
Роберт Джон Годфри. Человек, создавший The Enid. Он презирает штампы, чурается эпитета «прогрессивный» и не приветствует приставку «рок» по отношению к собственной музыке. В принципе, справедливо. Годфри – отдельная звуковая галактика. Артист оригинального жанра, обожающий крупные мегаинструментальные формы. Человек-оркестр без всяких кавычек. “Fall of Hyperion” – сольное творение мастера и необходимый плацдарм для еще не родившейся группы. Если вкратце, имеет место апофеоз классической мысли. Обилие впечатляющих фортепианных пассажей (порою вполне в манере Рахманинова), детальная проработка композиционных планов, масштабные клавишные оркестровки, высокий полет духа, наконец. Консерваторское образование «идейного центра» пластинки сквозит в каждом мелодическом нюансе. И слушая, как-то забываешь о ритм-секции, электрогитаре, певце Кристофере Льюисе, чей вокал недурен в верхнем регистре (в среднем же довольно посредственен). Объемная фигура мастермайнда ансамбля затмевает собою всех. Это его бенефис, и Годфри неудержим. Сорок минут демонстрации виртуозного владения чистым фоно с лихвой окупают годы отсутствия подобного самовыражения в рядах The Enid (там оно ни к чему). Рисунок любой из представленных пьес самостоятелен, вариантов для сравнения нет. Поистине величава завершающая “The Daemon of the World” с ее эпическим размахом, напластованием саунд-эффектов, внезапно врывающимся «голосом» настоящего соборного органа… Долго расточать похвалы не буду, и выскажу мнение: с музыкальной точки зрения альбом безупречен, одна из сверкающих вершин оркестрового прога. Высший пилотаж.
Великолепная испанская команда, вошедшая в историю прогрессивного рока с одним альбомом, но зато каким! Чаще всего рецензенты сравнивают его с кэмеловским «Снежным гусем». Не знаю, общего у этих двух шедевров, быть может, лишь атмосфера. Какая-то легкость, сказочность чувствуется в удивительной музыке испанцев. Обилие флейты в качестве солирующего инструмента наряду с клавишными. Гитара появляется эпизодически в нескольких треках, но ее отсутствие в большинстве случаев совсем незаметно из-за полифонического звучания группы. В общем, симфоник-прог с налетом джаза и фолка. Очень здорово.
Честно говоря, не очень понимаю, с какой стати западные рецензенты в материалах об этом альбоме бельгийско-голландской команды упорно поминают Camel. На мой взгляд, сравнения с коллективом Энди Лэтимера, мягко говоря, притянуты за уши. Зато на лицо определенное сходство с Genesis и, возможно, Kayak. Весьма приличный симфо-артовый релиз, с неожиданными клавишными решениями (благо, органистов в группе два и оба приверженцы классического, местами чуть ли не академического звучания). В целом, очень приятное впечатление.
В прогрессивной прессе эту группу принято называть французским ответом Pink Floyd, также широко распространено сравнение с ранними Tangerine Dream и даже земляком Ж.-М. Жарре. Это и верно, и неверно. В 70-х Pulsar исполняли интереснейший вариант space rock, не холодный и отрешенный, как у большинства банд данного направления, но гораздо более живой и динамичный, с весомой долей симфонизма. Для группы были характерны затяжные инструментально-вокальные композиции (где все же преобладал инструментал). Если первый альбом еще чуток безыскусен и тяготеет к чистому space-року, как по отрешенному вокалу, так и по общей ауре, то последующие творения смещаются в плоскость симфо-арта со странными космическими тембрами, охлаждающими южный энтузиазм. Ясно, что продолжительность вещей предполагала множество отходов от основной мелодии, пространные блуждания в галактических сплетениях, когда забываешь, с чего же начался полет, теряешь счет дням и с тревогой ждешь посадки. Синтезаторы у «пульсаров» - просто чудо, но с ними странно и органично соседствовали флейта и акустическая гитара, такие необычные в глубинах Вселенной.,. "The Strands Of The Future" и "Halloween" no праву считаются не только лучшими опусами Pulsar, но классикой французского арт-рока. Они делают музыкальную атмосферу тревожной и в то же время способствующей релаксации. Парадокс, как ни странно, срабатывал. "Halloween" -вообще шедевр, в котором смешались space rock, симфо и даже фьюжн. Большая часть альбома - инструментальная: сложные композиции, построенные на наслоённых друг на друга органах, гитарах и духовых, - довольно тяжелые и не слишком амбиентные по сравнению с предшественниками. Апокалиптические зарисовки, создаваемые электроникой и струнными вкупе с умопомрачительными аранжировками и звуковым оформлением, впечатляют действительно не слабее тех же ранних «пинков». Естественно, клавишные инструменты (и электронные эффекты) доминируют, но в отличие от обычного спейс-рока, они слишком интенсивные и мрачные, хотя и не менее грандиозные. И все-таки насыщенные синтезаторные соляки не исключали использования тяжелых зафуззированных гитар, как некой острой приправы к холодному блюду. Несмотря на приличную популярность в прогрессивных кругах Франции (а потом и Европы), Pulsar постоянно испытывали недостаток внимания и должного промушна со стороны подписавшей их Kingdom Records. Тем не менее, постоянные гастроли позволили дебют-нику разойтись тиражом свыше 5 тысяч экземпляров - цифра по тем временам офигенная! Pulsar попали в национальные чарты, что сделало их постоянным участником рок-фестивалей, а самим альбомом "Pollen" заинтересовался лидер Van Der Graaf Generator Питер Хэммилл. Он предложил ребятам сотрудничество, однако оба лейбла не проявили ни малейшего интереса. И все же уже второй диск Pulsar разошелся сорокатысячным тиражом за первые полгода! В те времена таким успехом могли похвастать лишь признанные лидеры французского прога Ange. На волне такого успеха музыканты расстались с Kingdom Records и перешли на CBS (1976 г.). Вышедший здесь "Halloween" и стал пиком карьеры этой уникальной группы. Уже в 77-м CBS отказалась от услуг Pulsar, обратив взоры на входивший в моду панк-рок. Оказавшись вне финансовой поддержки, команда выпустила еще один диск и рассталась с поклонниками аж до конца 80-х, но и по жанру и по окружающей среде - это уже иная история.
Вокальная группа "АРАКС": А. Алешин - солист; С. Рудницкий - бас-гитара; В. Голутвин - гитара; Г. Хащенко - ударные; Г. Май - клавишные, флейта. Струнный ансамбль ГАБТ СССР. Читает Е. Евтушенко. Запись 1980 г.
Интересная закономерность: названия всех наиболее значительных из немногих отечественных коллективов прошлого, работающих в арт-роковом ключе, начинаются с литеры А. Автограф, Ариэль, Арсенал… Аракс из той же когорты. Состав ансамбля трансформировался множество раз. Менялась и стилистика исполняемого материала. Если в середине семидесятых инструменталисты группы играли забойный хард-рок, один в один «снимая» манеру Led Zeppelin, Deep Purple, Ten Years After, Santana и др., то в последней четверти «золотого десятилетия» расклад становится иным. Удачно вписавшись в структуру московского театра Ленком, участвуя в записи музыки к новаторским постановкам Марка Захарова, а также сотрудничая с кинокомпозиторами, участники Аракса обнаруживают склонность к сочинению и исполнению сложных драматических произведений. «Исповедь» позиционируется как литературно-музыкальная композиция С. Чистякова на слова Евгения Евтушенко и музыку Глеба Мая. По сути, рок-сюита, в записи которой принимал участие струнный ансамбль Большого театра. Основа замысла – превратности любви – вечная тема. Лирика, артистически декламируемая самим Е. Евтушенко и спетая Анатолием Алешиным (один из лучших отечественных рок-вокалистов на все времена), удачно взаимодействует со звуковой палитрой. Глубоко, эмоционально, профессионально. После ухода из Аракса гитарист Вадим Голутвин реализует нечто схожее по идее в составе СВ. Джаз-роковая сюита «Московское время» (на стихи поэтов А. Тарковского, Ю. Левитанского и др.) выйдет более искренней и не слишком доступной для восприятия широкими массами. Но это позже, в 1984, в контексте совершенно иной истории.
Отправлено: 30.01.08 09:10. Заголовок: To Sagael: Сергей, доброе Вам время суток! Спасибо за подборку +
Яна Хаммера. А не интересуют ли Вас следующие его альбомы? - 1975 - Like Children (скорее, easy listening); - 1979 - Black Sheep (fusion); - 1989 - Snapshots (вокально-инструментальные зарисовки в стиле Drive). Если да, то постараюсь выложить в ближайшие дни. С уважением, MW
Отправлено: 30.01.08 13:12. Заголовок: To Sagael: Тут выплыло еще три концерта Яна Хаммера: два с +
Нилом Шoном (Neal Shon) 1981 & 1982, плюс концерт Джеффа Бека с группой Яна Хаммера. Надо? А насчет роскошных предложений - Вы делаете намного больше, да еще с совершенно замечательными комментариями. Сам я больше "подсел" на "симфоник-прогрессив", а боги для меня это Рик Вейкмен, Ян Андерсон, Джон Лорд, зато Ваши выкладки позволяют узнать - и полюбить - нечто новенькое. Если с Нэтом на работе будет порядок - все закину. С уважением, MW
Отправлено: 30.01.08 19:21. Заголовок: To MW_1954: Спасибо,..
To MW_1954: Спасибо, но все концертные записи Яна Хаммера я уже слышап. Особо великолепным показался его альянс с Джеффом Беком. Что до сотрудничества с Нилом Шоном, тут все же балом в большей степени правит хард-рок, а это не совсем хаммеровская стихия. Хотя Ян хорош во всех ипостасях. Кстати, раз уж Вам, насколько я понимаю, нравятся органисты, вопрос: знакомы ли с творчеством английской команды Cressida? Если нет, очень рекомендую. У них в самом начале 1970-х вышло всего две пластинки, но они стоят иной дискографии.
Отправлено: 31.01.08 10:23. Заголовок: To Sagael: Как и обещал - три альбома Яна Хаммера. +
1975 - Like Children Link: http://rapidshare.com/files/87997135/JH1975Like_Children.rar.html 1979 - Black Sheep Link: http://rapidshare.com/files/87999412/JH1979BlackSheep.rar.html 1989 - Snapshots Link: http://rapidshare.com/files/88002760/JH1989Snapshots.rar.html Всем приятного прослушивания. С уважением, MW
Марио Милло. Знакомо Вам это имя? Так я и думал. Что ж, придется пояснить. В середине 1970-х этот человек стоял у руля отличной австралийской симфо-проговой команды Sebastian Hardie. Записав с ними пару альбомов, неугомонный Марио, прихватил с собой органиста Тойво Пилта и создал коллектив под названьем Windchase, стилистически близкий предшествующему. В 1977 г. новоявленная группа издала прекрасную пластинку "Symphinity", полную изящных клавишных оркестровок и зажигательных гитарных партий в духе Карлоса Сантаны. Увековечив себя в анналах истории классического рока, Windchase распались, и Марио Милло перешел в разряд свободных художников, предпочитающих творить сольно. "Epic III" весьма удачный дебют австралийского итальянца. Свои композиционно-исполнительские таланты маэстро Милло здесь использовал на всю катушку. Как результат, имеем чудесный диск, содержащий восемь номеров, добрая часть которых не содержит вокальных партий. Хотя поет Марио довольно неплохо, что и демонстрирует в 14 минутном заглавном треке, скроенном по законам симфо-фьюжн-рока, а также в тонко аранжированной балладе "Harlequin and Colombine - Waltz Theme", где центральное место занимает дуэт мужского и женского голосов. Проходных композиций на альбоме попросту нет. Марио не бравирует виртуозностью, однако гитарист он отменный, превосходно чувствующий нюансы различных стилей. И потому одинаково убедителен и в игровом джаз-роке с привкусом латино, и в лиричнейших артовых соло, и в акустическом диалоге с флейтой. Резюмирую: очень хороший релиз, не рекомендуемый завзятым "технарям", но всем остальным - вполне.
Проект The Ancient Veil основан выходцами из итальянской симфо-артовой команды Eris Pluvia (ссылка на альбом имеется в данной ветке). Творческий тандем Алессандро Серри (гитара, флейта, вокал) и Эдмондо Романо (саксофон, флейта) в рамках своей новой группы сделал ставку на камерность звучания. К записи пластинки привлекли приличное количество музыкантов, в числе коих значились и сугубо академические - струнный Willow Quartet, а также хоровая капелла из 16 человек. В итоге получился любопытный релиз, балансирующий на стыке различных жанров: элементы рока сквозят разве что в первой композиции, остальное - удивительный микс из фолка, классики, джаза и, пожалуй, нью-эйджа. Чистый прозрачный саунд, пейзажные зарисовки, гармоничное слияние разноликих компонентов... Настоящий альбом-отдохновение, зрелая красота которого постигается лишь по прошествии времени.
Joe Kopecky - guitar, tambourine, bells, voice Paul Kopecky - acoustic and electronic percussion William Kopecky - bass guitar, sitar, keyboards
Американское инструментальное трио братьев Копекки - один из наболее сильных и самобытных коллективов на современной интеллектуальной рок-сцене. На этом (дебютном) альбоме группы слушателя подстерегает хитросплетение виртуозно исполненного прогрессива и мощного этнического фьюжн с элементами тяжелого металла.
Если произнести название "Петя и Волк", многие тут же припомнят одноименное произведение композитора С.С. Прокофьева. Так вот, перед нами своеобразный рок-вариант этой музыкальной сказки, записанный лучшими британскими музыкантами в середине 1970-х. Учитывая тот факт, что инициатива исходила от участника культовой фьюжн-группы Brand X, органиста Роберта Ламли, за прогрессивное содержимое сюиты можно не волноваться. Да и состав инструменталистов говорит сам за себя: Петя - Манфред Манн, Птичка - Гэри Брукер, Уточка - Крис Спэддинг, 2-я Уточка - Гэри Мур, Кот - Стефан Граппелли, Волк - Брайан Ино, Пруд - Кит Типпетт, Охотники - Йон Хайзмен, Билл Бруффорд, Кози Пауэлл, Фил Коллинз. От лица Рассказчика выступает Вивиан Стэншелл, а в качестве дополнительных музыкантов привлечены гитаристы - Джон Гудселл, Пит Хэйвуд, Элвин Ли, бас-гитаристы - Перси Джонс, Энди Пайл, Дэйв Марки, вокалисты Берни Фрост, Джули Типпетт, Английская хоровая капелла. В общем, если кто-то еще не уразумел, поясню: это отличное слушище, своеобразный оттиск с целой эпохи, имя которой АРТ-РОК. A must have для всех почитателей жанра. Да и прочим рекомендую не упускать шанса приобщиться к подлинному акту искусства.
Эту замечательную автралийскую команду я уже поминал, ведя речь о гитаристе/вокалисте Марио Милло (см. выше). Поэтому не буду повторяться. Скажу лишь, что тем, кто любит и ценит старый добрый симфо-прог 1970-х, добротные мелодии, классные инструментальные партии, искусные аранжировки и теплую душевную атмосферу, данный альбом вполне придется ко двору.
Бытует мнение, что команду Bonfire организовали продюсеры-меломаны, дабы усилить позиции голландского прога в виду постепенного выдыхания главных арт-рокеров из Страны Тюльпанов - группы Focus. Вряд ли оно соответствует истине, и тем не менее. Bonfire - типично фламандский агрегат, работавший в стилистике, схожей с Фокусовской, и одновременно напоминающий соплеменников Finch. Инструментальные композиции квартета создавались под явным влиянием Кентерберийской сцены, но тяготели при этом к симфоническому прогрессиву. Виртуозная гитара, резвая флейта, аналоговые клавишные и стандартная ритм-секция. Всего один альбом. Довольно хороший. Из серии "в лучших традициях...". Бальзам на душу убежденных семидесятников.
Рецензия (автор Daydreamer - www.progmusic.ru): Второй, после "Симфонии", альбом французских прогрессивщиков. Альбом большей частью инструментальный, совсем немного используется вокал на французском языке – в открывающей альбом Chanson и в Narcisse et Goldmund. В музыке активно применяются разнообразные синтезаторные эффекты, необычная перкуссия и гитарные примочки, создавая нередко своеобразное насыщенное электронное звучание, вызывающее разнообразные ассоциации, не на последнем месте среди которых Gong, а местами и Ash Ra Tempel. Композиции изобретательны и интересны, очень качественное исполнение. Бонусы тоже хороши, среди них один ремикс и две вещи, не входящие в основное время альбома.
Алексей В. (http://ural-goth.narod.ru): "Сергей Калугин, считающийся одним из лучших акустических гитаристов России и (мое мнение) лучшим российским поэтом, представил на данном релизе 5 мрачнейших, красивейших композиций, написанных на такие стихи, что после них не хочется воспринимать уже ничего другого из писаний всеразличных стихотворцев. Музыка, стихи и вплетающий стихи в музыку голос представляют единое целое - как воплотившаяся в творчестве Троица. Алхимические символы и апокалиптические видения, эротическте инициации и танцы смерти, телемитский прорыв в человека Абсолютного Начала - ничего подобного, выраженного в поэзии и музыке настолько гениально, я еще не слышал. Языческие мотивы в "Рассказе Короля-Ондатры…" сменяются мрачным, если так можно выразиться, готически-барочным "Танцем Казановы", гомопедофилично-мистическая "Луна над Кармелем", шамано-телемитское "Восхождение Черной Луны" и завершающая альбом единственная роковая композиция "Радость моя" захватывают и ведут через все ступени посвящения к самому концу: "ничего нет прекраснее серти". Если вы любите Экхарта и Кроули, Майринка и Мамлеева - вы должны услышать и полюбить этот альбом. Если найдете конечно".
Отправлено: 05.02.08 12:19. Заголовок: Да вроде бы все работает.
sagael пишет:
цитата:
Внимание! На iFolder до 15 часов сегодняшнего дня заявлены профилактические работы. Делайте выводы.
Bonfire уже скачал. Сейчас послушаем. Огромное спасибо! Кстати, занялся статистикой и посчитал, сколько же я скачал из этой замечательной темы. Оказалось 55 альбомов! Мда... Great Thnx!
“Tripping the Light Fantastic” (1994) – восьмая позиция в дискографии уникального ансамбля, если не считать многочисленных компиляций и концертных программ. Что имеем? Прежде всего, отказ от песенной структуры. Вокализ, обработанный с помощью chorus-эффекта, содержится лишь в “Ultraviolet Cat”, где легкая задумчивость на танцевальном фоне соседствует с «текучей» мелодикой клавишных и плавной гитарой, этническими вставками и моментами chill-out music. Приятная трансовая вещица, со вкусом аранжированная мастером своего дела. “Little Shiners” – неторопливый вальс, идеально подходит к уютной беседе при свечах. В “Gateway” пафосная оркестровая бравада ударной мощью обрушивается на успевшего расслабиться слушателя. Отдельное спасибо гитаристу Нику Мэю, чья манера солирования в данной композиции напоминает о Дэйве Гилморе. “Tripping the Light Fantastic” – резвые пробежки синтезированных флейты и струнных. Оркестр Р. Дж. Годфри за компанию с группой выводит яркий и привлекательный рисунок, в чем-то перекликающийся с творчеством латвийцев Зодиак. Но окончательное пробуждение старых добрых The Enid наступает в “Freelance Human”. Романтика и тревога, спаянные воедино. Многослойный симфонический пирог с великолепным крещендо на пике эмоций. “Dark Hydraulic” – космизмы пульсирующей электроники с оркестровыми обертонами и темным колоритом. А в довершение картины – “The Biscuit Game” – лучший опус на диске, выдержанный в традициях ранних альбомов, по окончании которого, повысив уровень громкости, можно услышать урок английского языка для испаноговорящего населения.
Пожалуй, наиболее цельная и зрелая из поздних работ романтиков оркестрового рока во главе с бессменным идеологом, гениальным клавишником Робертом Дж. Годфри. Со времен шедевров 1970-х – “In the Region of the Summer Stars” (1976) и “Aerie Faerie Nonsense” (1978) много воды утекло. Альбомы коллектива, выпущенные в 1980-х, смотрелись (точнее, слушались) более чем странно. Это касается и вокальных опытов мастермайнда The Enid, оставляющих, мягко говоря, желать лучшего, и крена в сторону доступности своей музыки для «массового потребителя». Но, хвала всевышнему, череду кризисов удалось преодолеть. Состав трансформировался, однако группа живехонька и поныне, что не может не радовать приверженцев насыщенного симфонического звучания в прогрессиве. И вот, «Белая богиня». Романтическая классика Р. Дж. Годфри, выраженная посредством рок-инструментария. Как и ранее, объемный оркестровый звук (даже не верится, что все это великолепие достигается при помощи синтезаторов), «парящая» гитара Грэнта Джеймисона, практически неотличимая по манере и технике исполнения от оной у Стивена Стюарта – первого гитариста The Enid и постоянного соавтора наиболее удачных композиций Роберта Годфри. Возвышенное настроение, воздушная легкость музыки, несмотря на внушительное и плотное звучание… Волшебники снова с нами! И это вселяет надежду.
Отправлено: 08.02.08 16:54. Заголовок: Сергей спасибо за продолджение The Enid. +
Все альбомы очень, очень и очень красивые и глубокие. Слушать и вслушиваться, и непереслушать. Наверно это одно из самых больших, для меня, открытий (судя по количеству альбомов) в этой теме. Это у них всё или это не конец, а сэрэдина?
Отправлено: 08.02.08 20:43. Заголовок: К сожалению, пока эт..
К сожалению, пока это все, Евгений. Правда, один студийный альбом я не заливал. Речь идет о диске 1986-го года "Salome". Своего рода "белая ворона" в дискографии ансамбля. Эксперимент с "новой волной", музыкой нью-эйдж и черт знает чем еще в сочетании с оркестровками. От прога там мало что осталось. Но ежели интересует и такая ипостась The Enid - выложу.
Все даты в формате GMT
3 час. Хитов сегодня: 10
Права: смайлы да, картинки да, шрифты да, голосования нет
аватары да, автозамена ссылок вкл, премодерация откл, правка нет
. 
Качаю всё подряд, всё очень здорово и разнообразно! Только вот хотел попросить Haikara - как меня опередили 
Если интересно, вот ссылка на видео: 
- участник сейчас на форуме
- участник вне форума